Motion-Graphics-Begriffe live sehen. Prompts direkt einfügen.

Flache Ebenen stehen in unterschiedlicher Tiefe im 3D-Raum und werden von einer Kamera betrachtet, sodass sich jede Ebene anders bewegt, wenn die Kamera sich bewegt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Baue [Szene] mit einer „2.5D Camera“ (auch multiplane camera oder 2.5D effect genannt) auf: Zerlege das Artwork in flache Ebenen, stelle sie in unterschiedlicher Tiefe im 3D-Raum auf und bewege eine virtuelle Kamera durch sie hindurch.
Jede Ebene soll eine flache Karte bleiben, während sich die Ebenen gegeneinander verschieben, wenn die Kamera fährt, nahe schneller als ferne – ein einzelnes flaches Bild seitlich zu verschieben ergäbe überhaupt keine Tiefe.
Lass die Kamerabewegung [Dauer] dauern, langsam und schwebend, und lass sie in mehr als eine Richtung treiben, damit der Raum echt wirkt.

Die Kamera an einem Arm steigt oder sinkt auf einem Bogen, oft mit einem Vertikalschwenk, der das Motiv im Bild hält; weiträumiger als ein einfacher Pedestal.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einer Kranfahrt („Crane Shot“, auch jib shot oder boom shot genannt): Sie schwingt in einem weiten Bogen nach oben oder unten, als säße sie am Ende eines langen Arms.
Die Kamera soll sich während der Fahrt neigen, damit das Motiv im Bild gehalten wird, während sich Boden und Hintergrund ringsum öffnen – ein Pedestal hebt die Kamera nur gerade nach oben, und sie bleibt dabei waagerecht.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass den Bogen weich anlaufen und auslaufen, damit sie majestätisch und ohne Eile wirkt.

Ein Zoom, der in wenigen Frames abgeschlossen ist, sodass er als plötzlicher Ruck wirkt statt als weiche Annäherung.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] einen Reißzoom („Crash Zoom“, auch snap zoom oder whip zoom genannt): Das Objektiv zoomt fast augenblicklich auf das Motiv oder wieder von ihm weg.
Er soll innerhalb weniger Frames als plötzlicher Ruck ankommen und dann stehen bleiben – eine weiche, allmähliche Annäherung wäre ein gewöhnlicher Zoom.
Der ganze Moment dauert [Dauer]; halte den Bildausschnitt davor und danach ruhig, damit der Ruck heraussticht.

Die Kamera selbst fährt vorwärts oder rückwärts, sodass nahe Ebenen schneller wachsen als ferne; anders als bei einem Zoom ändert sich die Perspektive.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Dolly“ (auch push in, pull out oder dolly shot genannt): Die ganze Kamera fährt auf das Motiv zu oder von ihm weg.
Nahe Ebenen sollen schneller wachsen als ferne, sodass sich die Perspektive mit der Kamerabewegung verschiebt – genau das unterscheidet ihn von einem Zoom, der alles gleichmäßig skaliert.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Dolly und Zoom laufen in entgegengesetzte Richtungen, sodass das Motiv seine Größe behält, während sich der Hintergrund dehnt oder staucht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] einen Vertigo-Effekt („Dolly Zoom“, auch vertigo effect, zolly oder Hitchcock zoom genannt): Die Kamera fährt auf das Motiv zu oder von ihm weg, während das Objektiv in die Gegenrichtung zoomt.
Das Motiv soll im Bild exakt gleich groß bleiben, während sich der Hintergrund hinter ihm wegdehnt oder heranrückt – ändert das Motiv seine Größe, ist es nur ein Dolly oder ein Zoom.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, in gleichmäßigem, bedächtigem Tempo, damit der Zuschauer vor allem die Verzerrung des Raums wahrnimmt.

Eine Luftkamera fliegt vorwärts über eine Landschaft und steigt dann oft auf, um die Szene dahinter zu öffnen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem Überflug („Fly-Over“, auch aerial shot genannt): Sie fliegt hoch über der Szene vorwärts und blickt auf sie hinab.
Alles soll auf die Kamera zuströmen und beim Überfliegen unter dem unteren Bildrand wegtauchen, dann hebt sich der Blick und öffnet die Szene, die dahinter liegt – ein Dolly auf Augenhöhe holt die Dinge nur näher heran, er fliegt nie über sie hinweg.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, in ruhigem, gleichmäßigem Tempo, wie eine Drohne, die vorwärts gleitet.

Die Kamera fliegt durch eine Lücke wie ein Fenster oder einen Spalt zwischen Balken und gibt dann das Motiv dahinter frei.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Fly-Through“ (auch fly-through reveal genannt): Sie fliegt vorwärts durch eine enge Öffnung, etwa ein Fenster, eine Tür oder eine Lücke zwischen Balken.
Die Öffnung soll das Bild füllen und das meiste dahinter verdecken, dann an den Bildrändern vorbeirauschen, wenn die Kamera sie passiert und das Motiv auf der anderen Seite ganz sichtbar wird – ein einfacher Dolly fährt nur näher an etwas heran, das ohnehin schon frei zu sehen ist.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, als eine durchgehende Vorwärtsbewegung, und lass die Kamera sanft zur Ruhe kommen, sobald das Motiv freigegeben ist.

Der Operator trägt die Kamera, sodass das Bild leicht und unregelmäßig driftet und wackelt; Shaky Cam übertreibt das.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib der Kamera in [Szene] den Charakter einer Handkamera („Handheld“, auch handheld shot oder shaky cam genannt): Sie wird vom Operator in den Händen getragen, sodass das Bild nie ganz ruhig steht.
Das ganze Bild soll leicht und unregelmäßig driften und zittern, der Horizont schwankt dabei ein wenig – nie ein regelmäßiges Hin und Her –, während ein Steadicam Shot auf demselben Weg ohne jedes Wackeln gleiten würde.
Lass es [Dauer] lang laufen; halte es dezent für dokumentarischen Realismus oder übertreibe es zur Shaky Cam für Chaos.

Eine Kreisfahrt, die zugleich steigt oder sinkt und so eine Helix um das Motiv zeichnet.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Helix Shot“ (auch helix genannt): Sie umkreist das Motiv und steigt oder sinkt dabei gleichzeitig, sodass ihre Bahn eine Spirale darum beschreibt.
Das Motiv soll in der Bildmitte bleiben, während der Hintergrund hinter ihm seitlich vorbeigleitet und sich der Boden mit der wechselnden Höhe öffnet oder schließt – eine einfache Kreisfahrt bleibt auf einer Höhe.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, als eine durchgehende Spirale, die sich in gleichmäßigem Tempo dreht und steigt.

Die Kamera fährt auf einer Kurve um ein zentriertes Motiv, während sich der Hintergrund dahinter dreht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einer Kreisfahrt („Orbit“, auch arc shot genannt): Sie umkreist das Motiv und bleibt dabei stets darauf gerichtet.
Das Motiv soll in der Bildmitte bleiben, während der Hintergrund hinter ihm in die eine Richtung gleitet und alles davor in die andere – bei einer Seitfahrt oder einer Kamerafahrt gleiten alle Ebenen in dieselbe Richtung.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Die Kamera dreht sich auf einem festen Punkt nach links oder rechts, sodass alles im Bild gleich schnell und ohne Parallaxe vorbeigleitet; anders als bei einer Seitfahrt bewegt sich die Kamera selbst nicht vom Fleck.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem Schwenk („Pan“, auch panning genannt): Sie dreht sich auf der Stelle nach links oder rechts.
Alles im Bild soll gemeinsam mit derselben Geschwindigkeit seitlich gleiten, ohne dass sich nahe und ferne Ebenen gegeneinander verschieben – genau das unterscheidet ihn von einer Seitfahrt.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Die Kamera selbst steigt oder sinkt und bleibt dabei waagerecht ausgerichtet, sodass sich nahe Objekte stärker verschieben als ferne – das unterscheidet ihn von einem Vertikalschwenk.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Pedestal“ (auch pedestal rise oder boom up/down genannt): Die ganze Kamera fährt nach oben oder unten und bleibt dabei waagerecht.
Nahe Ebenen sollen vertikal schneller gleiten als ferne, sodass die Szene Tiefe bekommt – genau das unterscheidet ihn von einem Vertikalschwenk.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Die Kamera fliegt von einem nahen Motiv rückwärts und aufwärts weg und weitet den Blick auf die Umgebung.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Pull-Back Reveal“ (auch dronie oder pull-away genannt): Sie beginnt nah am Motiv und fliegt dann rückwärts und aufwärts von ihm weg.
Das Motiv soll in der Bildmitte schrumpfen, während immer mehr von seiner Umgebung ins Bild kommt, bis der ganze Schauplatz zu sehen ist – ein gewöhnlicher Dolly Out tritt auf Augenhöhe nur ein Stück zurück.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, mit sanftem Beginn und stetig weiter werdendem Blick, sodass die Größe des Ortes zum Höhepunkt wird.

Die Schärfeebene wandert innerhalb eines Takes von einem Motiv zum anderen, ohne dass sich Kamera oder Bildausschnitt ändern.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] eine Schärfeverlagerung („Rack Focus“, auch pull focus oder focus pull genannt): Die Schärfe wandert innerhalb derselben Einstellung von einem Motiv zu einem anderen in anderer Tiefe.
Nichts soll sich bewegen, und der Bildausschnitt soll sich nicht ändern – das scharfe Motiv wird weich, während das unscharfe gestochen scharf wird; genau das unterscheidet sie von einem Zoom oder einer Kamerabewegung.
Der ganze Moment dauert [Dauer]; halte zuerst auf dem ersten Motiv, verlagere die Schärfe weich und halte dann auf dem zweiten.

Die Kamera dreht sich um die Objektivachse, sodass sich der Horizont im Bild dreht; wird die Drehung auf halbem Weg gehalten, entsteht ein statischer Dutch Angle.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Roll“ (auch Dutch roll oder Z-axis roll genannt): Sie dreht sich um die Objektivachse, wie beim Drehen eines Lenkrads.
Das ganze Bild soll sich um seine Mitte drehen, sodass der Horizont kippt, während die Kamera weder fährt noch woandershin blickt; stoppst du auf halbem Weg, bleibt ein Dutch Angle.
Lass die Drehung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Die Kamera ist am Körper der gefilmten Person montiert, sodass diese fest im Bild bleibt, während sich der Hintergrund um sie herum bewegt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] eine „Snorricam“ (auch body camera oder body cam genannt): Die Kamera ist an der gefilmten Person festgeschnallt und auf sie gerichtet.
Das Motiv soll exakt an derselben Stelle im Bild fixiert bleiben, während der ganze Hintergrund bei jedem Schritt und jeder Drehung um es herum schwankt, kippt und schwingt – bei einer Kamerafahrt zieht der Hintergrund nur gleichmäßig vorbei.
Lass es [Dauer] lang laufen, und lass die Umgebung mit der Bewegung des Motivs mittaumeln, damit es schwindelerregend und subjektiv wirkt.

Eine stabilisierte, vom Operator getragene Kamerabewegung, die ohne das Wackeln der Handkamera durch den Raum gleitet und schwebt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem „Steadicam Shot“ (auch gimbal shot oder glide cam genannt): Ein Operator trägt sie auf einem Stabilisator durch den Raum.
Die Bewegung soll ganz ohne Wackeln gleiten und schweben und unterwegs frei um Dinge herumkurven können – eine Handkamera auf demselben Weg würde zittern, und ein Dolly bliebe auf einer geraden Schiene.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, als eine lange, weiche, ununterbrochene Fahrt.

Die Kamera neigt sich auf einem festen Punkt nach oben oder unten; anders als bei einem Pedestal steigt oder sinkt die Kamera selbst nicht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem Vertikalschwenk („Tilt“, auch tilting oder pitch genannt): Sie neigt sich auf der Stelle nach oben oder unten.
Alles im Bild soll gemeinsam mit derselben Geschwindigkeit vertikal gleiten, ohne dass sich nahe und ferne Ebenen gegeneinander verschieben – genau das unterscheidet ihn von einem Pedestal.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Die Kamera fährt mit einem bewegten Motiv mit – von hinten, von vorn oder seitlich – und hält dabei gleichbleibenden Abstand, während der Hintergrund vorbeizieht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einer Kamerafahrt („Tracking Shot“, auch follow shot oder travelling shot genannt): Die Kamera fährt mit einem bewegten Motiv mit.
Das Motiv soll seinen Platz und seine Größe im Bild behalten, während die Umgebung vorbeizieht, nahe Ebenen schneller als ferne – bei einer Seitfahrt gleitet das Motiv mit allem anderen durchs Bild.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, in gleichmäßigem Tempo, das zum Motiv passt, und immer im selben Abstand zu ihm.

Die Kamera selbst fährt seitwärts, sodass sich nahe Objekte stärker verschieben als ferne – das unterscheidet sie von einem Schwenk.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einer Seitfahrt („Truck“, auch track oder crab shot genannt): Die ganze Kamera fährt seitwärts.
Nahe Ebenen sollen schneller durchs Bild gleiten als ferne, sodass die Szene Tiefe bekommt – genau das unterscheidet sie von einem Schwenk.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Ein Schwenk, der so schnell ist, dass das Bild in Bewegungsunschärfe verwischt; die vertikale Variante ist ein Whip Tilt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege die Kamera in [Szene] mit einem Reißschwenk („Whip Pan“, auch swish pan oder flick pan genannt): Sie reißt so schnell zur Seite, dass das Bild verwischt.
Das Bild soll entlang der Bewegungsrichtung in Bewegungsunschärfe verwischen und scharf auf der neuen Ansicht landen – ein gewöhnlicher Schwenk bleibt die ganze Zeit lesbar. Vertikal ausgeführt ist es ein Whip Tilt.
Der ganze Moment dauert [Dauer]; halte davor und danach still, damit der Reißschwenk als ein einziger schneller Ruck wirkt.

Die Brennweite des Objektivs ändert sich, sodass jede Ebene im selben Verhältnis und ohne jede Parallaxe skaliert; anders als bei einem Dolly bewegt sich die Kamera nicht vom Fleck.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] einen „Zoom“ (auch zoom in oder zoom out genannt): Das Objektiv ändert die Brennweite, während die Kamera bleibt, wo sie ist.
Alles im Bild soll gemeinsam im selben Verhältnis wachsen oder schrumpfen, ohne dass sich nahe und ferne Ebenen gegeneinander verschieben – genau das unterscheidet ihn von einem Dolly.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich anlaufen und auslaufen, damit sie nicht abrupt startet oder stoppt.

Zwei vertikale oder horizontale Kanten bewegen sich von der Mitte zu den Seiten (oder umgekehrt), wie Scheunentore, die sich öffnen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Barn Door Wipe“ (auch barn doors, split oder center split genannt): Zwei Kanten weichen von der Bildmitte zu den Seiten auseinander und legen die nächste Einstellung frei, wie Scheunentore, die sich öffnen.
Halte beide Einstellungen ruhig, während die Kanten wandern – anders als bei einem Push gleitet nichts aus dem Bild, und anders als bei einer einfachen Wischblende beginnt das Aufdecken in der Mitte und läuft in beide Richtungen zugleich. Für die schließende Variante führst du die Kanten von den Seiten herein, bis sie sich in der Mitte treffen.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, wobei beide Kanten im selben Tempo laufen.

Ein Radius streicht wie ein Uhrzeiger um die Bildmitte und legt hinter sich die nächste Einstellung frei.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Clock Wipe“ (auch radial wipe genannt): Eine Linie streicht wie ein Uhrzeiger um die Bildmitte und legt hinter sich die nächste Einstellung frei.
Starte den Zeiger oben und führe ihn in gleichmäßigem Tempo einmal herum, beide Einstellungen bleiben dabei an ihrem Platz – anders als bei einer einfachen Wischblende dreht sich die Kante um einen Punkt, statt durchs Bild zu wandern.
Lass die volle Umdrehung [Dauer] dauern.

Ein Schnitt zwischen zwei in ihrer Tonalität gegensätzlichen Bildern, der den Unterschied zwischen ihnen betont.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einer Kontrastmontage („Contrast Cut“): Schneide direkt von einem Bild auf sein tonales Gegenteil.
Lass die beiden Seiten so verschieden wie möglich ausfallen – hell gegen dunkel, klein gegen groß – und halte jede lange genug zum Vergleichen; anders als bei einem Smash Cut geht es um den Vergleich, nicht um den Schock.
Bring beide Einstellungen in [Dauer] unter, und lege keinen Übergangseffekt auf den Schnitt.

Schnitte wechseln zwischen zwei Handlungen hin und her, die gleichzeitig an verschiedenen Orten stattfinden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Schneide [Szene] als Parallelmontage („Cross-Cut“, auch parallel editing oder intercutting genannt): Schneide zwischen zwei Handlungen hin und her, die gleichzeitig an verschiedenen Orten stattfinden.
Lass beide Handlungen weiterlaufen, während sie nicht im Bild sind, sodass jede Rückkehr später ansetzt als dort, wo sie verlassen wurde – anders als ein Zwischenschnitt, der die Haupthandlung nur einmal verlässt und zurückkehrt.
Bring die Sequenz in [Dauer] unter, und kürze die Stücke zum Ende hin, wenn sich die Spannung steigern soll.

Eine Einstellung, die die Haupthandlung kurz verlässt, um etwas anderes zu zeigen, und dann zur ursprünglichen Einstellung zurückkehrt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] einen Zwischenschnitt („Cutaway“) ein: Schneide von der Haupthandlung kurz auf eine Einstellung von etwas anderem und dann zurück auf die ursprüngliche Einstellung.
Lass die Haupthandlung darunter weiterlaufen, sodass sie bei der Rückkehr schon weiter ist – anders als bei einer Parallelmontage erscheint die zweite Einstellung nur einmal und ist kein eigener Handlungsstrang.
Bring das Ganze in [Dauer] unter, und halte den Zwischenschnitt kürzer als die Stücke der Haupteinstellung davor und danach.

Die ausgehende Einstellung wird unscharf gezogen und die nächste Einstellung scharf gezogen, was Träume oder vergehende Zeit andeutet.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einer „Defocus Transition“ (auch defocus oder blur transition genannt): Die ausgehende Einstellung gleitet aus der Schärfe, bis sie nur noch weiche Unschärfe ist, und die nächste Einstellung wird aus dieser Unschärfe heraus scharf gezogen.
Tausche die Einstellungen, wenn das Bild am unschärfsten ist, damit der Wechsel selbst nie scharf zu sehen ist – anders als bei einer Überblendung überlagern sich die beiden Bilder nicht in scharfem Zustand, und anders als bei einem Dip to Black wird das Bild nie zu einer einfarbigen Fläche.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, und ziehe die Schärfe im selben sanften Tempo heraus und wieder hinein.

Die ausgehende Einstellung blendet in eine einfarbige Fläche ab, meist Schwarz oder Weiß, und die nächste Einstellung blendet daraus auf.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Dip to Black“ (bei weißer Farbe auch dip to white, wash oder washout genannt): Die ausgehende Einstellung blendet in eine einfarbige Fläche ab, und die nächste Einstellung blendet daraus auf.
Die beiden Einstellungen überlagern sich nie, und in der Mitte ist das Bild für einen Moment nichts als die einfarbige Fläche – anders als eine einfache Auf- und Abblende führt der Dip to Black in die nächste Einstellung weiter.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, gleichmäßig aufgeteilt auf das Abblenden und das Aufblenden.

Das Bild wird allmählich dunkler bis ins Schwarz oder taucht aus dem Schwarz auf, ohne dass sich eine zweite Einstellung überlagert.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Beende [Szene] mit einer Auf- und Abblende („Fade“, auch fade out oder fade to black genannt), hier als Abblende: Das Bild wird allmählich dunkler, bis es schwarz ist.
Blende in reines Schwarz ab, ohne dass eine zweite Einstellung durchscheint – anders als ein Dip to Black führt sie nicht in eine weitere Einstellung. Für eine Aufblende lässt du sie andersherum laufen und das Bild aus dem Schwarz auftauchen.
Lass die Blende [Dauer] dauern, in gleichmäßigem Tempo.

Eine sehr kurze Einstellung, oft nur ein bis drei Frames, die in die Sequenz gezwängt wird und einen fast unterschwelligen Ruck auslöst.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] einen „Flash Cut“ ein: Zwänge eine Einstellung, die nur wenige Frames dauert, in die Sequenz und springe sofort wieder zurück.
Er soll eher als Ruck ankommen denn als Bild – anders als bei einem Zwischenschnitt bekommt der Zuschauer keine Zeit, ihn zu lesen.
Bring die Sequenz in [Dauer] unter, und lass die eingefügte Einstellung in der Helligkeit stark von den Einstellungen davor und danach abweichen, damit der Blitz spürbar wird.

Eine Einstellung wird ohne optischen Effekt augenblicklich durch die nächste ersetzt; der Maßstab, an dem jeder andere Übergang gemessen wird.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Die Einstellungen in [Szene] soll ein harter Schnitt („Hard Cut“, auch cut oder direct cut genannt) verbinden: Eine Einstellung wird augenblicklich durch die nächste ersetzt.
Lege keine Blende, keine Wischblende und keinen anderen Effekt auf den Schnitt – anders als ein Smash Cut soll er nicht schockieren, er ist einfach der schlichte Einstellungswechsel.
Bring die Einstellungen in [Dauer] unter, und setze den Schnitt auf einen Beat oder eine abgeschlossene Bewegung, damit er unbemerkt bleibt.

Ein Schnitt, der so getarnt ist, dass der Zuschauer ihn nicht bemerkt, oft hinter einem dunklen Objekt oder einer Kamerabewegung versteckt, um einen durchgehenden Take vorzutäuschen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Die Nahtstelle zwischen zwei Takes in [Szene] soll ein unsichtbarer Schnitt („Invisible Cut“) verbergen: Tarne den Schnitt so, dass das Footage wie ein durchgehender Take läuft.
Lass ein dunkles Objekt das Bild füllen, während die Kamera weiterfährt, schneide in diesem Moment und nimm auf der anderen Seite dieselbe Bewegung im selben Tempo wieder auf – anders als bei einem Natural Wipe soll der Zuschauer nicht bemerken, dass sich etwas geändert hat.
Bring beide Takes in [Dauer] unter, und halte das Kameratempo über den versteckten Schnitt hinweg gleichmäßig.

Ein Schnitt im selben Bildausschnitt, der ein Stück Zeit überspringt, sodass das Motiv sichtbar an eine andere Position springt, während die Kamera stehen bleibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Schneide [Szene] mit einem „Jump Cut“: Springe innerhalb derselben Einstellung in der Zeit nach vorn.
Lass Kamera und Bildausschnitt unverändert, und lass das Motiv bei jedem Schnitt an eine spätere Position springen, ohne Übergang zwischen den Stücken.
Bring die Sequenz in [Dauer] unter, und setze die Schnitte auf Beats, damit die Sprünge gewollt wirken und nicht wie Glitches.

Die nächste Einstellung erscheint über die Helligkeit der ausgehenden Einstellung, sodass dunkle (oder helle) Bereiche zuerst wechseln.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Luma Fade“ (auch luma wipe oder gradient wipe genannt): Lass die nächste Einstellung entsprechend der Helligkeit der ausgehenden Einstellung durch diese hindurch erscheinen, die dunkelsten Bereiche zuerst und die hellsten zuletzt.
Der Wechsel soll den Formen im Bild folgen – Schatten und dunkle Objekte werden zur nächsten Einstellung, während die hellen Bereiche noch stehen –, anders als bei einer Überblendung, bei der das ganze Bild gleichmäßig überblendet.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, und lass ihn weich von dunkel nach hell durchlaufen, mit weichen Kanten zwischen den Stufen.

Ein Schnitt zwischen zwei Einstellungen, deren Form, Farbe, Position oder Bewegung übereinstimmen, sodass die eine optisch zur anderen wird.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Match Cut“ (auch graphic match oder match on action genannt): Schneide zwischen zwei Einstellungen, deren Form, Position oder Bewegung übereinstimmen.
Setze die Hauptform der zweiten Einstellung genau dorthin, wo die der ersten war, in derselben Größe und mit derselben Bewegung, sodass im Schnitt die eine zur anderen zu werden scheint – ohne Morphing und ohne Überblendung dazwischen.
Bring beide Einstellungen in [Dauer] unter, und schneide mitten in der gemeinsamen Bewegung.

Die nächste Einstellung erscheint über ein Raster aus Kacheln oder gemusterten Zellen, die in fester oder zufälliger Reihenfolge umklappen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Matrix Wipe“ (auch checkerboard, checker wipe oder random blocks genannt): Teile das Bild in ein Raster aus Kacheln und klappe sie nacheinander auf die nächste Einstellung um.
Jede Kachel zeigt ihr eigenes Stück der neuen Einstellung, sodass sich das ganze Bild an Ort und Stelle zusammensetzt – nimm eine Schachbrett-Reihenfolge für einen gemusterten Look oder eine zufällige für einen glitchigen, und halte beide Einstellungen darunter ruhig.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, wobei jede Kachel schnell umklappt und sich das Umklappen gleichmäßig über die Zeit verteilt.

Eine Folge vieler kurzer Einstellungen in schneller Abfolge, die Zeit oder Information auf wenige Sekunden verdichtet.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Baue [Szene] als Montagesequenz („Montage“, auch rapid cuts oder dynamic cutting genannt): eine Folge vieler kurzer Einstellungen in schneller Abfolge.
Gib jeder Einstellung ein anderes Bild und lass sie nur einen Moment stehen, verbunden durch einfache Schnitte, sodass sie zusammen eine lange Zeitspanne verdichten – anders als bei einer Parallelmontage wechseln die Einstellungen nicht zwischen zwei festen Handlungen.
Bring die ganze Folge in [Dauer] unter, und halte den Schnittrhythmus gleichmäßig und auf dem Beat.

Ein Objekt im Vordergrund, etwa eine Wand, eine Person oder ein vorbeifahrendes Fahrzeug, zieht am Objektiv vorbei und verdeckt den Schnitt zur nächsten Einstellung.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Natural Wipe“ (auch frame blocking oder invisible wipe genannt): Ein Objekt im Vordergrund zieht direkt vor dem Objektiv vorbei, und dahinter ist schon die nächste Einstellung da.
Halte den Wechsel auf dem ganzen Weg durchs Bild unter dem Objekt versteckt, sodass das Objekt selbst die alte Einstellung wegzuwischen scheint – anders als bei einer einfachen Wischblende gibt es keine gezeichnete Kante, und anders als bei einem unsichtbaren Schnitt soll der Zuschauer sehen, dass die Szene gewechselt hat.
Lass den Durchgang [Dauer] dauern, wobei sich das Objekt in gleichmäßigem, natürlichem Tempo bewegt.

Die ausgehende Einstellung schält sich ab oder blättert weg wie eine Seite und legt die nächste Einstellung dahinter frei.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Page Peel“ (auch page curl genannt, oder page turn, wenn sich die ganze Seite hebt): Die ausgehende Einstellung hebt sich an einer Ecke, schält sich ab wie ein Blatt Papier und legt so die nächste Einstellung frei, die darunter liegt.
Zeige die Rückseite der Seite, während sie umklappt, und halte die Einstellung darunter ruhig – anders als bei einer einfachen Wischblende wirkt das alte Bild wie ein echtes Blatt, das abgehoben wird.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, weich anlaufend, wenn sich die Ecke hebt, und weich auslaufend, wenn die Seite das Bild verlässt.

Ein augenblicklicher Sprung in einen engeren Bildausschnitt desselben Motivs auf derselben Achse, ohne Zoomfahrt zwischen den beiden Größen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] einen Ransprung („Punch In“, auch cut-in oder axial cut genannt): Schneide augenblicklich in einen engeren Bildausschnitt desselben Motivs auf derselben Achse.
Zeige keine Zoomfahrt zwischen den beiden Größen, und lass die Handlung weiterlaufen, ohne Zeit zu überspringen – genau das unterscheidet ihn von einem Zoom und von einem Jump Cut.
Bring das Ganze in [Dauer] unter, und setze den Schnitt auf das Wort oder Detail, das betont werden soll.

Eine Überblendung mit einer wabernden, wasserartigen Verzerrung auf dem Bild, die traditionell eine Rückblende oder ein imaginiertes Ereignis ankündigt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Ripple Dissolve“: Blende von einer Einstellung in die nächste über, während das Bild wie eine Wasseroberfläche wabert.
Lass die Wellen auf der ausgehenden Einstellung anschwellen, über die Überlagerung hinweg anhalten und auf der eingehenden abklingen – anders als bei einer einfachen Überblendung verbiegt sich das Bild beim Überblenden, und anders als bei einer Defocus Transition bleibt es scharf.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, wobei die Wellen sanft in eine Richtung fließen.

Die eingehende Einstellung schiebt sich über die ausgehende, während die alte Einstellung an ihrem Platz bleibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Slide“ (auch band slide genannt): Die eingehende Einstellung schiebt sich von einem Bildrand herein und überdeckt die ausgehende.
Lass die ausgehende Einstellung an ihrem Platz, während sie überdeckt wird – anders als bei einem Push wird sie nicht aus dem Bild geschoben.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, und lass ihn weich anlaufen und auslaufen, damit die neue Einstellung zur Ruhe kommt, statt schlagartig zu stoppen.

Ein abrupter Schnitt von einer Szene in eine scharf kontrastierende, ohne Vorbereitung, eingesetzt für einen Schock oder eine Pointe.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Smash Cut“ (auch Gilligan cut oder bicycle cut genannt): Schneide abrupt von einer ruhigen Einstellung auf eine scharf kontrastierende.
Bereite nichts vor – halte die ruhige Einstellung und lande dann mitten in lauter, schneller Action, ohne Blende und ohne Aufbau; anders als bei einem einfachen harten Schnitt geht es genau um den Ruck.
Bring beide Einstellungen in [Dauer] unter, und lass die ruhige Einstellung vor dem Schnitt etwas länger laufen, als es sich angenehm anfühlt.

Eine wachsende oder schrumpfende sternförmige Maske bringt die nächste Einstellung herein.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einem „Star Wipe“ (auch shape wipe genannt, oder heart wipe, wenn die Form ein Herz ist): Eine sternförmige Öffnung wächst aus der Bildmitte, und durch sie kommt die nächste Einstellung herein.
Halte die Kante des Sterns scharf und beide Einstellungen ruhig, und lass die Form wachsen, bis sie über jede Ecke hinaus ist – anders als bei einer Irisblende ist die Öffnung eine erkennbare Form statt eines Kreises.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, mit langsamem Beginn, damit die Form zu erkennen ist, bevor sie das Bild füllt.

Parallele Streifen geben die nächste Einstellung frei, wie die Lamellen einer Jalousie, die sich aufdrehen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einer Jalousie („Venetian Blinds“, auch band wipe genannt) als Übergang: Eine Reihe paralleler Streifen öffnet sich über das Bild und gibt die nächste Einstellung frei, wie die Lamellen einer Jalousie, die sich aufdrehen.
Mache die Streifen gleich breit und öffne sie alle gleichzeitig – anders als bei einer einfachen Wischblende wandert keine einzelne Kante durchs Bild, und beide Einstellungen bleiben an ihrem Platz.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, wobei sich jeder Streifen im selben Tempo öffnet.

Die ausgehende Einstellung zoomt schnell auf einen Punkt zu, und die eingehende Einstellung zoomt aus einem ähnlichen Punkt heraus, als flöge man durch den Schnitt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verbinde zwei Einstellungen in [Szene] mit einer „Zoom Transition“ (auch zoom in/out transition genannt): Die ausgehende Einstellung zoomt schnell auf einen Punkt zu, und die eingehende Einstellung kommt aus demselben Punkt heraus, als flöge man durch den Schnitt.
Lass den Zoom über beide Einstellungen hinweg in eine Richtung laufen und verstecke den Schnitt in seinem schnellsten Moment – anders als bei einem Ransprung ist die Fahrt zwischen den Größen zu sehen, und anders als bei einem Kamerazoom endet er in einer anderen Einstellung.
Lass den Übergang [Dauer] dauern, beschleunige in den Schnitt hinein und bremse aus ihm heraus wieder ab.

Die Pose wird nur alle 2 oder 3 Frames aktualisiert, was einen ruckeligeren, handgezeichneten Rhythmus ergibt als Bewegung auf jedem Frame (on ones).

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere [Szene] mit „Animating on Twos“ (auch on twos oder held frames genannt): Halte jede Pose zwei Frames lang, sodass sich das Bild nur halb so oft aktualisiert, wie das Video Frames abspielt.
Die Bewegung soll ihre Bahn und ihr Gesamttempo behalten, aber in kleinen, gleichmäßigen Rucken vorankommen, wie handgezeichnete oder Stop-Motion-Animation – nicht in wenigen großen Sprüngen mit langen Pausen, das wäre ein Stepped Ease.
Halte das [Dauer] lang durch, und halte jede Pose einen Frame länger (on threes), wenn es noch ruckeliger wirken soll.

Eine kleine Bewegung in die Gegenrichtung vor der Hauptbewegung, wie ein Ausholen; am Anfang der Bewegung das Gegenstück zum Overshoot.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Beginne die Bewegung in [Szene] mit Antizipation („Anticipation“, auch wind-up oder back in genannt): Das Objekt zieht sich erst ein wenig in die Gegenrichtung zurück und schnellt dann in die Hauptbewegung los.
Das Zurückziehen gehört an den Anfang, bevor das Objekt startet – es ist das Spiegelbild eines Overshoots, der am Ende über das Ziel hinausläuft.
Bring das Ausholen und die Bewegung in [Dauer] unter, und halte das Zurückziehen klein und ohne Eile, damit der Start danach schnell wirkt.

Das Objekt folgt einer gekrümmten Bahn statt einer geraden Linie; zum Vergleich dient eine gerade Bewegung von A nach B.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bewege das Objekt in [Szene] entlang von „Arcs“ (auch arc motion oder curved path genannt): Es wandert auf einer gekrümmten Bahn statt auf einer geraden Linie von einer Position zur nächsten.
Start- und Endpunkt bleiben, wo sie sind – nur die Bahn dazwischen krümmt sich, so wie sich ein geworfener Ball oder ein schwingender Arm bewegt, während eine gerade Bewegung von A nach B mechanisch aussieht.
Bring die Bewegung in [Dauer] unter, und halte die Kurve als einen einzigen weichen Schwung ohne Knicke unterwegs.

Das Objekt trifft sein Ziel wie ein Ball den Boden und prallt mit immer kleineren Hüpfern zurück, bis es ruht; anders als bei Elastic gibt es bei jedem Kontakt einen harten Stopp.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Beende die Bewegung in [Szene] mit einem „Bounce“ (auch bounce ease oder bounce out genannt): Das Objekt trifft sein Ziel wie ein Ball den Boden und prallt in immer kleineren Hüpfern zurück, bis es ruht.
Es soll nie durch das Ziel hindurchgehen – jeder Kontakt ist ein harter Stopp, der es sofort zurückwirft, anders als ein Elastic-Easing, das auf beiden Seiten über das Ziel hinausschwingt.
Bring die Bewegung samt ihren Hüpfern in [Dauer] unter, und mache jeden Hüpfer deutlich kürzer als den davor.

Die Bewegung wiederholt sich von vorn; bei einem nahtlosen Loop stimmt der Endzustand mit dem Anfang überein, sodass kein Neustart zu sehen ist.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Wiederhole die Bewegung in [Szene] als „Cycle Loop“ (auch loop oder repeat genannt): Jedes Mal, wenn sie das Ende erreicht, beginnt sie wieder von vorn.
Sie soll an den Anfang zurückspringen, statt rückwärts zu laufen, das wäre ein Ping-Pong Loop. Für einen nahtlosen Loop lässt du den letzten Frame mit dem ersten übereinstimmen, damit der Neustart nicht zu sehen ist.
Lass sie [Dauer] lang loopen; wenn jede Wiederholung dort weitermachen soll, wo die letzte endete, statt an den Anfang zurückzukehren, mache daraus einen Offset-Loop.

Beginnt langsam und beschleunigt zum Ende hin, sodass das Objekt mit vollem Tempo davonzieht; das Gegenteil von Ease Out.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere die Bewegung in [Szene] mit einem „Ease In“ (auch slow in oder accelerating genannt): Sie beginnt langsam und wird immer schneller, sodass das Objekt am Ende der Bewegung volles Tempo hat.
Mache das Ende nicht weich – das wäre ein Ease Out, die entgegengesetzte Kurve, die schnell beginnt und sanft zur Ruhe kommt.
Bring die Bewegung in [Dauer] unter; sie passt zu einem Objekt, das das Bild verlässt, weil man es nie anhalten sieht.

Langsamer Start, schnelle Mitte, langsamer Stopp; anders als bei Ease Out beschleunigt die Bewegung auch am Anfang sanft.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere die Bewegung in [Szene] mit einem „Ease In-Out“ (auch easy ease oder slow in and slow out genannt): Sie beginnt langsam, ist in der Mitte am schnellsten und bremst zu einem weichen Stopp ab.
Beide Enden sollen sanft sein – anders als bei einem Ease Out, der mit vollem Tempo beginnt und nur den Stopp weich macht.
Bring die Bewegung in [Dauer] unter, und wähle eine stärkere Kurve, wenn die Mitte wie ein schnelles Schnappen zwischen zwei Ruhepunkten wirken soll.

Beginnt schnell und bremst zu einem weichen Stopp ab; das Objekt trifft bereits in Bewegung ein und kommt sanft zur Ruhe, das Gegenteil von Ease In.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere die Bewegung in [Szene] mit einem „Ease Out“ (auch slow out oder decelerating genannt): Sie beginnt mit vollem Tempo und wird stetig langsamer bis zu einem weichen Stopp.
Mache den Anfang nicht weich – das Objekt soll schon in Bewegung sein, wenn es erscheint, anders als bei einem Ease In-Out, der auch das Tempo sanft aufbaut.
Bring die Bewegung in [Dauer] unter; sie passt zu einem Element, das ins Bild kommt und an seinem Platz zur Ruhe kommt.

Kein einzelner Look, sondern das Prinzip, dass sich das Tempo über eine Bewegung hinweg ändert; im Vergleich mit Linear zeigt sich, dass Bewegung mit Easing natürlich statt mechanisch wirkt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib jeder Bewegung in [Szene] „Easing“ (auch timing curve oder speed curve genannt): Lass das Tempo im Verlauf jeder Bewegung variieren, statt es konstant zu halten.
Bewegung mit konstantem Tempo (linear) sieht mechanisch aus; Bewegung mit Easing nimmt Fahrt auf und bremst ab wie echte Dinge – Ease Out für Dinge, die ankommen, Ease In für Dinge, die gehen, Ease In-Out für Bewegungen, die im Bild bleiben.
Halte jede Bewegung innerhalb von [Dauer], und nutze durchgehend dieselbe Kurvenfamilie, damit das Stück einheitlich wirkt.

Schwingt mehrmals mit abnehmender Amplitude um das Ziel, wie ein gespanntes Gummiband, das losgelassen wird; mehr Schwingungen als bei Overshoot.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere die Bewegung in [Szene] mit „Elastic“-Easing (auch elastic ease oder elastic out genannt): Das Objekt schnellt zu seinem Ziel und schwingt darum hin und her, jeder Ausschlag kleiner, wie ein gespanntes Gummiband, das losgelassen wird.
Es soll das Ziel mehrmals kreuzen – ein Overshoot geht nur einmal darüber hinaus, und ein Bounce geht nie darüber hinaus.
Bring die Bewegung und das Nachschwingen in [Dauer] unter, und lass das Nachschwingen vor dem Ende ganz abklingen.

Eine reale Bewegung, in Ausmaß oder Timing extremer getrieben als die Wirklichkeit; sichtbar wird sie nur als Wahl der Intensität im Vergleich mit einer realistischen Version.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere [Szene] mit Übertreibung („Exaggeration“): Nimm die Bewegung, wie sie wirklich ablaufen würde, und treibe sie weiter – ein größeres Ausholen, eine längere Dehnung, ein härterer Stopp.
Es ist dieselbe Aktion mit hochgedrehter Intensität, keine andere: Behalte die Bahn und die Reihenfolge der Ereignisse bei, und vergrößere, wie weit und wie scharf jedes davon ausfällt.
Bring das Ganze in [Dauer] unter, und höre kurz vor dem Punkt auf, an dem das Objekt nicht mehr erkennbar ist – es soll cartoonhaft und verspielt wirken, nicht kaputt.

Lose befestigte Teile bewegen sich weiter oder hängen nach, wenn der Hauptkörper stoppt oder startet, sodass sich nicht alle Teile gemeinsam bewegen und anhalten.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere [Szene] mit „Follow Through and Overlapping Action“ (auch drag oder lag genannt): Die lose befestigten Teile hängen nach, wenn sich der Hauptkörper in Bewegung setzt, und laufen weiter, schwingen über ihre Ruhelage hinaus und kommen zur Ruhe, nachdem er gestoppt hat.
Die Teile dürfen sich nicht alle gemeinsam bewegen und anhalten. Sie sind passiv – vom Körper mitgezogen –, anders als eine Secondary Action, die eine kleine eigene Geste ist und neben der Hauptaktion läuft.
Bring die Bewegung und das Auspendeln in [Dauer] unter, und lass längere oder leichtere Teile weiter nachhängen und länger brauchen, bis sie zur Ruhe kommen.

Konturen zittern von Frame zu Frame leicht, als wären sie jedes Mal neu gezeichnet, was einen lebendigen, handgemachten Look ergibt, selbst wenn die Form still steht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib den Konturen in [Szene] einen „Line Boil“ (auch boiling lines oder wiggly lines genannt): Zeichne jede Linie alle paar Frames leicht anders neu, sodass sie auf der Stelle zittert, auch wenn die Form selbst still steht.
Er soll sich in kleinen, plötzlichen Schritten mit niedriger Bildrate ändern, wie beim Durchblättern von Hand durchgepauster Zeichnungen – nicht weich fließen, das wirkt wie Flüssigkeit, und nicht die ganze Form umherschieben, das ist ein Wiggle.
Lass ihn [Dauer] lang laufen, und halte das Zittern so klein, dass die Form gut lesbar bleibt.

Das Objekt geht leicht über sein Ziel hinaus und kehrt dann dorthin zurück; anders als bei Bounce geht es einmal darüber hinaus und kommt zur Ruhe, ohne auf einen Boden zu treffen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Beende die Bewegung in [Szene] mit einem „Overshoot“ (auch back ease oder back out genannt): Das Objekt läuft leicht über sein Ziel hinaus, kehrt dann zurück und kommt darauf zur Ruhe.
Es soll nur einmal über das Ziel hinausgehen, ohne Nachschwingen danach – ein Bounce trifft das Ziel und prallt zurück, ohne darüber hinauszugehen, und ein Elastic-Easing schwingt mehrmals darüber hinaus.
Bring die Bewegung in [Dauer] unter, und halte den Overshoot klein, damit er als Energie wirkt und nicht als Fehler.

Die Bewegung läuft immer wieder vorwärts und dann rückwärts; anders als der Cycle Loop springt sie nicht an den Anfang zurück.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Wiederhole die Bewegung in [Szene] als „Ping-Pong Loop“ (auch yoyo oder boomerang genannt): Sie läuft vorwärts bis zum Ende, dann rückwärts zurück zum Anfang, und immer weiter hin und her.
Sie soll nie springen – ein Cycle Loop springt auf den ersten Frame zurück und beginnt neu, während dieser hier seinen eigenen Weg zurückverfolgt.
Lass sie [Dauer] lang laufen, mit einer weichen Wende an jedem Ende, damit sich der Richtungswechsel wie Atmen anfühlt und nicht wie ein Aufprall auf eine Wand.

Eine kleinere, unterstützende Bewegung läuft neben der Hauptbewegung und bringt Leben hinein, ohne ihr die Aufmerksamkeit zu stehlen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge der Hauptbewegung in [Szene] eine „Secondary Action“ hinzu: eine kleinere, unterstützende Bewegung, die neben ihr läuft – ein kleiner Akzent, ein Blinzeln, ein Schnippen – und ihr mehr Leben gibt.
Sie ist eine kleine eigene Geste, kein loses Teil, das hinter dem Körper hergezogen wird (das ist Follow Through), und sie darf nie die Aufmerksamkeit von der Hauptaktion abziehen.
Bring beide in [Dauer] unter, und lass die kleine Bewegung innerhalb der Hauptbewegung beginnen und enden.

Ein oder zwei Zwischenframes verzerren oder vervielfachen das Motiv entlang seiner Bahn, um bei einer sehr schnellen Bewegung Bewegungsunschärfe vorzutäuschen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze für die schnelle Bewegung in [Szene] einen „Smear Frame“ (auch smear oder elongated in-between genannt): Dehne das Motiv nur für einen oder zwei Frames in der Mitte der Bewegung entlang seiner Bahn, sodass es die Lücke zwischen den beiden Positionen überbrückt.
Die Form selbst wird neu gezeichnet – gedehnt, als Multiples wiederholt oder von Bewegungslinien begleitet –, statt so zu verwischen, wie eine Kamera sie verwischen würde, und die Frames davor und danach bleiben scharf und unverzerrt.
Halte die ganze Bewegung innerhalb von [Dauer] und sehr schnell, damit der Smear als Tempo gespürt und nicht als Form bemerkt wird.

Physikbasierte Bewegung, die über das Ziel hinausschießt und darum schwingt, bevor sie ruht; das Verhalten ergibt sich aus Steifigkeit, Dämpfung und Masse statt aus einer festen Kurve.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Treibe die Bewegung in [Szene] mit einem „Spring“ (auch spring animation oder damped spring genannt) an: Eine simulierte Feder zieht das Objekt zu seinem Ziel, sodass es aus der Ruhe Fahrt aufnimmt, über das Ziel hinausläuft und darum schwingt, bevor es ruht.
Die Bewegung soll sich aus Steifigkeit, Dämpfung und Masse ergeben statt aus einer festen Kurve – senke die Dämpfung für mehr Schwingungen, oder erhöhe sie, bis das Objekt ganz ohne Overshoot zur Ruhe kommt.
Lass es innerhalb von [Dauer] zur Ruhe kommen, und nutze für jedes Element dieselben Spring-Einstellungen, damit sie wie ein einziges Material wirken.

Das Objekt staucht und dehnt sich und behält dabei sein Volumen, was Gewicht und Elastizität vermittelt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere [Szene] mit „Squash and Stretch“: Das Objekt wird flach, wenn es landet oder getroffen wird, und dehnt sich entlang seiner Bewegungsrichtung, solange es sich schnell bewegt.
Halte sein Volumen konstant – wird es breiter, muss es kürzer werden, und umgekehrt – und kopple jede Formänderung an die Bewegung, damit sie als Gewicht und Elastizität wirkt und nicht als Gummiband-Wackeln auf der Stelle.
Bring die Aktion in [Dauer] unter, und verforme das Objekt stark bei etwas Weichem und nur leicht bei etwas Steifem.

Der Wert springt in einzelnen Stufen (oder einmal, bei einem Hold), statt sich weich zu bewegen; ein Hold ist ein einziger augenblicklicher Sprung, nach dem der Wert stehen bleibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere die Änderung in [Szene] mit „Steps“ (auch stepped ease oder hold keyframes genannt): Der Wert springt in wenigen einzelnen Stufen von einer Position zur nächsten und steht dazwischen still, ohne weiche Zwischenbewegung.
Für einen Hold machst du daraus einen einzigen Sprung – das Objekt bleibt stehen, springt in einem Augenblick auf den neuen Wert und bleibt dort. Es sind wenige gezielte Sprünge, nicht das feine Ruckeln von Frame zu Frame wie bei Animating on Twos.
Verteile die Sprünge gleichmäßig über [Dauer].

Kleine zufällige Versätze mit fester Frequenz und Amplitude lassen das Objekt unregelmäßig zittern oder driften, statt einer gestalteten Bahn zu folgen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib dem Element in [Szene] einen „Wiggle“ (auch jitter oder random shake genannt): Es weicht ständig um kleine zufällige Beträge von seinem Platz ab, in gleichbleibendem Takt und innerhalb eines gleichbleibenden Bereichs.
Die Versätze müssen unregelmäßig sein – ein gleichmäßiges Hin-und-her-Schwingen ist ein Shake, kein Wiggle –, und nur dieses Element bewegt sich, nicht das ganze Bild wie bei einer Handkamera.
Lass es [Dauer] lang laufen, mit dem Wiggle auf der Position – oder stattdessen auf Rotation oder Skalierung, wenn das besser zum Element passt.

Text mit echter Tiefe dreht sich oder fliegt durch den 3D-Raum, sodass seine Seitenflächen das Licht einfangen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Betitle [Szene] mit 3D-Text („3D Extruded Text“, auch 3D text animation oder extruded title genannt): Die Buchstaben haben echte Dicke und drehen sich oder fliegen durch den 3D-Raum, sodass ihre Seitenflächen das Licht einfangen.
Schattiere die Seitenflächen anders als die Vorderseiten, und lass diese Schattierung sich ändern, während sich der Text dreht – die Tiefe muss als massiver Block wirken, nicht als flacher Schlagschatten hinter den Buchstaben.
Lass die Bewegung [Dauer] dauern, und lass sie weich in einem Endwinkel auslaufen, in dem sowohl die Vorderseiten als auch die Seitenflächen zu sehen sind.

Eine Linie wächst von einer interessanten Stelle zu einem Label oder einer Box, die aufpoppt, und weist so auf einen Teil des Bildes hin; anders als die Bauchbinde zielt der Callout auf eine Stelle im Bild.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] einen „Callout“ (auch callout line oder sketch callout genannt) ein: Eine Linie wächst von einer interessanten Stelle im Bild zu einem Label, das an ihrem Ende aufpoppt.
Verankere die Linie genau an der Stelle, um die es geht, zeichne zuerst die Linie und bring danach das Label herein – anders als eine Bauchbinde, die in einem festen Streifen unten sitzt, zeigt ein Callout auf etwas im Bild. Für eine Sketch-Variante zeichnest du einen Ring um die Stelle und die Linie wie von Hand.
Lass ihn [Dauer] dauern, halte die Linie dünn, damit sie das Bild nicht verdeckt, und halte das Label lange genug zum Lesen.

Ein Kreis oder Ring dehnt sich schnell von einem Punkt aus und verblasst, als Akzent hinter einem ankommenden Element.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Akzentuiere in [Szene] ein ankommendes Element mit einem „Circle Burst“ (auch circle pop oder ring burst genannt): Ein Ring dehnt sich schnell von der Mitte des Elements aus und verblasst hinter ihm.
Lass den Ring beim Wachsen dünner werden und verschwunden sein, sobald das Element zur Ruhe gekommen ist – anders als bei einem Line Burst ist der Akzent ein einziger geschlossener Ring, keine einzelnen Striche, die nach außen schießen.
Bring ihn in [Dauer] unter, schnell am Anfang und weich auslaufend, und löse ihn in dem Moment aus, in dem das Element erscheint.

Eine flache Spalte von Namen scrollt stetig mit konstantem Tempo nach oben (oder bei Staff Rolls seitwärts).

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Beende [Szene] mit einem Abspann („Credit Roll“, auch credit crawl, staff roll oder end credits scroll genannt): Eine flache Spalte von Namen scrollt stetig im Bild nach oben.
Halte das Tempo von Anfang bis Ende konstant und den Text durchgehend flach und gleich groß – anders als bei einem Title Crawl kippt nichts nach hinten oder schrumpft in die Ferne. Für eine Staff-Roll-Variante lässt du die Namen stattdessen seitwärts durchs Bild laufen.
Lass ihn [Dauer] dauern, langsam genug, dass jede Zeile im Vorbeilaufen gelesen werden kann.

Der ganze Untertitel bleibt im Bild, während jedes Wort aufleuchtet, sobald es gesprochen wird; anders als bei Pop Captions erscheint oder verschwindet der Text nie Wort für Wort.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Versieh [Szene] mit Karaoke-Untertiteln („Karaoke Captions“, auch word highlight captions oder karaoke subtitles genannt): Der ganze Untertitel bleibt im Bild, und jedes Wort leuchtet auf, sobald es gesprochen wird.
Nur die Hervorhebung wandert von Wort zu Wort – anders als bei Pop Captions erscheint oder verschwindet kein Wort. Markiere das gesprochene Wort mit einem Farbwechsel, einem Block dahinter, einer leichten Vergrößerung oder einem kleinen Bounce.
Takte die Hervorhebungen über [Dauer] auf die Sprache, und halte den Untertitel im unteren Teil des Bildes, frei vom Motiv.

Kurze Striche strahlen von einem Punkt oder Element nach außen und ziehen sich dann zurück oder verblassen; als Akzent eingesetzt, wenn etwas aufpoppt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Akzentuiere in [Szene] ein ankommendes Element mit einem „Line Burst“ (auch radial line burst oder shape burst genannt): Kurze Striche schießen rund um das Element nach außen und ziehen sich dann zurück oder verblassen.
Verteile die Striche gleichmäßig um das Element, und lass jeden von seinem inneren Ende her wachsen und zu seinem äußeren Ende hin verschwinden – anders als bei einem Circle Burst ist der Akzent ein Kranz einzelner Strahlen, kein geschlossener Kreis. Für eine Polygon-Variante wirfst du statt Strichen kleine Formen nach außen.
Bring ihn in [Dauer] unter, schnell und knackig, und löse ihn in dem Moment aus, in dem das Element aufpoppt.

Eine Diagrammlinie wird von links nach rechts entlang ihrer Datenpunkte gezeichnet, und an jedem Punkt poppt ein Marker auf.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Zeige in [Szene] einen Trend mit einem „Line Chart Draw“ (auch line graph draw-on genannt): Die Diagrammlinie zeichnet sich von links nach rechts entlang ihrer Datenpunkte, und an jedem Punkt poppt ein Marker auf, sobald die Linie ihn erreicht.
Lass Achsen und Gitterlinien ruhig und von Anfang an an ihrem Platz, sodass sich nur die Linie und ihre Marker bewegen – anders als bei einer Map Route wandert nichts die Linie entlang; jeder Marker bleibt auf seinem eigenen Datenpunkt.
Zeichne die Linie über [Dauer] in gleichmäßigem Tempo, und takte das Aufpoppen jedes Markers auf den Moment, in dem die Linie ankommt.

Formen und Text dehnen sich, kräuseln sich und fließen wie Wasser, mit weichen, wabernden Kanten; anders als Blob Morph verformt es echtes Artwork statt einer eigenständigen Form.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere in [Szene] das Artwork mit „Liquid Motion“ (auch liquid animation, fluid motion oder fluid simulation genannt): Die Formen und der Text dehnen sich, kräuseln sich und fließen wie Wasser, mit weichen, wabernden Kanten.
Verforme das eigentliche Artwork statt eines separaten Blobs – lass jedes Teil sich stauchen und dehnen, als hätte es Volumen, Tropfen abwerfen, die zurückfallen und verschmelzen, und für einen Moment an seinen Nachbarn haften, wenn sie sich berühren.
Lass es [Dauer] dauern, und lass das Wabern allmählich abklingen, bis das Artwork wieder scharf und ruhig ist.

Elemente fliegen oder treiben herein und laufen zusammen, bis sie das fertige Logo ergeben; anders als bei einem einfachen Reveal entsteht das Logo erst am Ende der Bewegung.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bring das Logo in [Szene] mit einem „Logo Resolve“ ins Bild: Einzelne Elemente fliegen oder treiben von verschiedenen Stellen herein und laufen zusammen, bis sie sich zum fertigen Logo zusammenfügen.
Halte das Logo bis ganz zum Schluss unlesbar – anders als bei einer einfachen Logoanimation, bei der das Markenzeichen an Ort und Stelle aufgedeckt wird, existiert es hier erst, wenn das letzte Teil angekommen ist. Starte die Teile verstreut, gedreht und in verschiedenen Größen, und staffle ihre Ankunft.
Verwende den größten Teil von [Dauer] auf das Zusammenlaufen, und lass das zusammengefügte Logo dann zur Ruhe kommen und stehen.

Eine kurze Sequenz, die mit Bewegung zu einem Markenzeichen überleitet; der Oberbegriff für die meisten Logoanimationen, wobei Bumper und Ident die kurzen Platzierungsformate sind.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lass [Szene] mit einer Logoanimation („Logo Reveal“, auch logo sting, logo intro, logo animation, ident, logo bumper, logo build oder logo assemble genannt) auf dem Markenzeichen landen: eine kurze Sequenz, in der das Logo mit Bewegung erscheint und dann stehen bleibt.
Wähle eine Machart und bleib dabei – eine saubere Wischblende mit Slide, Partikel, die sich zum Markenzeichen sammeln, ein Flüssigkeitsspritzer, aus dem es aufsteigt, ein Glitch, der an seinen Platz schnappt, Neonröhren, die flackernd angehen, oder eine 3D-Kreisfahrt, die herumschwingt, bis das Logo dem Zuschauer zugewandt ist. Anders als bei einem Logo Resolve wird das Logo dort aufgedeckt, wo es steht, statt aus hereinfliegenden Teilen zusammengesetzt zu werden.
Halte den ganzen Reveal innerhalb von [Dauer], und lass das fertige Logo ruhig und lange genug im Bild stehen, damit es ankommt.

Eine Namens- oder Titelgrafik schiebt, wischt oder blendet sich in den unteren Teil des Bildes ein, bleibt stehen und animiert dann wieder hinaus, ohne das Hauptbild zu verdecken.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] eine Bauchbinde („Lower Third“, auch chyron, name strap, super, aston oder CG genannt) ein: Eine Grafik mit Name und Titel animiert in den unteren Teil des Bildes hinein, bleibt stehen und animiert dann wieder hinaus.
Halte sie im unteren Streifen und zu einer Seite hin, damit sie nie das Hauptbild verdeckt – anders als ein Callout zeigt sie auf nichts im Bild. Bring sie mit einem Slide oder einer Wischblende herein, und nimm sie auf demselben Weg rückwärts wieder heraus.
Bring das Hereinkommen, die Standzeit und das Hinausgehen in [Dauer] unter, mit einer Standzeit, die lang genug ist, um beide Zeilen zu lesen.

Eine Linie zeichnet sich entlang einer Route zwischen Orten auf einer Karte, während ein Marker auf ihr mitwandert.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Zeichne in [Szene] eine Reise mit einer „Map Route“ (auch map route animation oder travel route genannt) nach: Eine Linie zeichnet sich entlang der Route zwischen zwei Orten auf einer Karte, während ein Marker auf ihr mitwandert.
Halte den Marker an der vorderen Spitze der Linie, und drehe ihn in jeder Kurve in seine Fahrtrichtung – anders als bei einem Line Chart Draw gibt es keine Achsen oder Datenpunkte, nur einen Reisenden, der von Ort zu Ort zieht.
Lass die Reise [Dauer] dauern, weich aus dem Start heraus und weich in die Ankunft hinein, und markiere das Ziel, wenn der Marker dort ankommt.

Eine flache Ebene wie ein Screen oder eine Karte wird in 3D nach hinten gekippt, sodass sie zu einer Kante hin zurückweicht und Tiefe bekommt; die Ebene kippt, nicht die Kamera.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib in [Szene] einem flachen Screen oder einer flachen Karte einen „Perspective Tilt“: Die Ebene lehnt sich in 3D nach hinten, sodass eine Kante in die Ferne zurückweicht und die Ebene Tiefe bekommt.
Kippe die Ebene selbst und lass alles dahinter genau dort, wo es ist – anders als bei einem Vertikalschwenk der Kamera darf sich der Rest des Bildes nicht bewegen. Lass die ferne Kante schrumpfen und die nahe wachsen, damit die Perspektive klar zu lesen ist.
Lass das Kippen über [Dauer] weich anlaufen und auslaufen, und stoppe in einem Winkel, in dem der Inhalt auf der Ebene noch lesbar ist.

Untertitel erscheinen Wort für Wort oder in kurzen Wortgruppen; jedes poppt auf, sobald es gesprochen wird, und ersetzt das vorige.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Versieh [Szene] mit „Pop Captions“ (auch build captions oder word-by-word captions genannt): Zeige immer nur ein Wort oder eine kurze Wortgruppe; jedes poppt auf, sobald es gesprochen wird, und ersetzt das vorige.
Halte jedes Wort an derselben Stelle, damit das Auge nie wandern muss – anders als bei Karaoke-Untertiteln ist nie der ganze Satz auf einmal im Bild. Gib jedem Wort eine schnelle Vergrößerung mit leichtem Overshoot.
Takte die Wörter über [Dauer] auf die Sprache, und halte sie groß, fett und frei vom Motiv.

Ein Element skaliert von null mit leichtem Overshoot hoch und kommt zur Ruhe; der energiegeladene Auftritt, der für Wörter und Formen gleichermaßen genutzt wird.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Bring in [Szene] ein Element mit einem „Pop-In“ (auch scale pop, pop, text pop oder line pop genannt) ins Bild: Es skaliert aus dem Nichts hoch, schießt leicht über und kommt in voller Größe zur Ruhe.
Skaliere es an Ort und Stelle aus seiner eigenen Mitte, und halte den Overshoot klein, damit es wie ein federnder Auftritt wirkt – nichts fliegt oder gleitet von woanders herein. Nutze dieselbe Bewegung für ein Wort, eine Form oder eine Linie; eine Linie poppt entlang ihrer Länge auf.
Bring jeden Pop in [Dauer] unter, schnell aus dem Start heraus und rasch zur Ruhe kommend, und staffle mehrere Elemente, sodass sie nacheinander ankommen.

Viele Zeilen Text, Kommentare oder Rohdaten fallen kaskadenartig, scrollen oder regnen als Textur über das Bild.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Fülle [Szene] mit „Streaming Text“ (auch text rain oder data cascade genannt): Viele Zeilen Text, Kommentare oder Rohdaten strömen über das Bild und wirken wie eine bewegte Textur.
Schichte Zeilen in verschiedenen Größen, die sich unterschiedlich schnell bewegen, damit das Feld Tiefe bekommt, und verweile nie auf einer einzelnen Zeile – niemand soll es lesen, nur die Menge spüren.
Lass es [Dauer] lang in gleichmäßigem Fluss laufen, und halte es so gedämpft, dass es hinter allem bleibt, was davor steht.

Ein Wort oder Buchstabe verwandelt sich in ein anderes, indem sich Form, Schrift oder Schriftstärke an Ort und Stelle ändern, statt ausgetauscht zu werden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Verwandle in [Szene] ein Wort oder einen Buchstaben mit einem „Text Morph“ (auch text morphing, fluid typography oder liquid morphing text genannt) in ein anderes: Die Buchstabenformen verformen sich an Ort und Stelle, bis sie zu den neuen geworden sind.
Führe jeden Strich durchgehend von seiner alten Form in die neue – nichts blendet aus, schneidet oder wird ausgetauscht, sodass der Zuschauer zusieht, wie eine Form zur anderen wird. Morphe Buchstabe zu Buchstabe, verändere die Schriftstärke oder die Schrift desselben Wortes, oder lass die Formen wie Flüssigkeit ineinanderschmelzen und wieder fest werden.
Bring die Verwandlung in [Dauer] unter, und halte jedes Wort vor und nach dem Morph lange genug zum Lesen.

Text sitzt auf einem gekrümmten Pfad und wandert daran entlang; er kommt herein, wirbelt und geht wieder, immer der Kurve folgend.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Animiere in [Szene] eine Zeile Pfadtext („Text on Path“, auch text path animation oder text along path genannt): Der Text sitzt auf einem gekrümmten Pfad und wandert daran entlang – er kommt herein, wirbelt durch die Kurven und geht wieder hinaus.
Lass jeden Buchstaben auf der Kurve stehen und sich unterwegs mit ihr drehen, sodass sich die Textzeile wie ein Band biegt, statt als starrer Block durchs Bild zu gleiten.
Lass den Durchgang [Dauer] dauern, in gleichmäßigem Fluss, und halte den Pfad als eine einzige weiche, geschwungene Kurve, damit die Buchstaben in den Kurven lesbar bleiben.

Textabsätze scrollen nach oben und kippen perspektivisch nach hinten, wobei sie zu einem Fluchtpunkt hin schrumpfen; anders als der Abspann, der flach bleibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Eröffne [Szene] mit einem „Title Crawl“ (auch opening crawl, roll-up oder scrolling typography genannt): Textabsätze scrollen nach oben, perspektivisch nach hinten gekippt, und schrumpfen zu einem Fluchtpunkt hin.
Lege den Text auf eine Fläche, die sich vom Zuschauer weg neigt, sodass die Zeilen unten groß hereinkommen und klein in der Ferne ausblenden – anders als ein Abspann, der auf dem ganzen Weg nach oben flach und gleich groß bleibt.
Lass ihn [Dauer] dauern, in gleichmäßigem Tempo, langsam genug, dass jede Zeile gelesen werden kann, bevor sie zurückweicht.

Balken, Linien oder Formen bewegen sich im Takt von Lautstärke und Frequenz einer Tonspur.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] einen „Audio-Reactive Visualizer“ (auch audio visualizer, music visualizer, audio spectrum oder waveform animation genannt) ein: Balken, Linien oder Formen, die sich im Takt der Tonspur bewegen.
Treibe die Bewegung aus dem Audio selbst an – lautere Momente drücken die Formen weiter hinaus, und verschiedene Frequenzen bewegen verschiedene Teile –, sodass jeder Beat als sichtbarer Sprung ankommt und leise Passagen zur Ruhe kommen; ein Equalizer, der nur in einem festen Rhythmus pulsiert, reagiert auf gar nichts.
Lass ihn [Dauer] lang laufen, mit einem schnellen Anstieg bei jedem Akzent und einem langsameren Abfall danach.

Helle Bereiche strahlen einen weichen Lichthof in ihre Umgebung aus, und der Lichthof kann pulsieren, sodass Objekte, Text oder Formen Licht abzugeben scheinen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib den hellen Bereichen in [Szene] einen „Bloom“ (auch glow effect genannt): Lass ihr Licht als weichen Lichthof über ihre Kanten hinausströmen, sodass sie aussehen, als würden sie Licht abgeben.
Der Lichthof gehört zum hellen Objekt und wandert mit ihm, er läuft weich und ohne harte Kante aus – anders als ein Light Leak, das vom Bildrand hereinflutet, oder ein Lens Flare, der Ringe und Streifen hinzufügt.
Halte ihn [Dauer] lang und lass den Lichthof sanft atmen, anschwellen und wieder nachlassen wie ein langsamer Puls.

Die Zeit scheint fast stillzustehen, während der Blickpunkt um die eingefrorene Aktion herumfährt; anders als beim Standbild bewegt sich die Kamera weiter.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] „Bullet Time“ (auch time slice oder frozen moment genannt): Auf dem Höhepunkt der Aktion bleibt die Zeit beinahe stehen, während die Kamera um das Motiv herumfährt.
Das Motiv soll fast reglos im Raum hängen, während nahe und ferne Ebenen aneinander vorbeigleiten, wenn der Blickpunkt wandert – bleibt auch die Kamera stehen, ist es nur ein Standbild.
Gib dem ganzen Moment [Dauer]: Setze den Stopp abrupt, und halte die Kamerabewegung danach weich und gleichmäßig.

Ein Standfoto, in dem sich nur ein Element in einem nahtlosen Loop bewegt, während der Rest des Bildes eingefroren bleibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Mache aus [Szene] ein „Cinemagraph“ (auch video snapshot genannt): ein Standfoto, in dem sich nur ein Element weiterbewegt.
Halte alles andere vollkommen eingefroren, und lass dieses eine Element in einem nahtlosen Loop laufen, ohne sichtbaren Sprung an der Stelle, an der es neu beginnt – bewegt sich gar nichts, ist es nur ein Standbild.
Lass den Loop [Dauer] lang laufen, und wähle eine kleine, sich natürlich wiederholende Bewegung, damit die Stille ringsum auffällt.

Die Videokompression wird ausgenutzt (I-Frames entfernt), sodass die Bewegung des nächsten Clips die Pixel des vorigen mitzieht und zerfließen lässt, wobei verschmierte, ausblutende Blöcke entstehen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze am Schnitt zwischen den beiden Einstellungen in [Szene] einen „Datamosh“ (auch datamoshing genannt): Statt sauber zu wechseln, lässt du das alte Bild stehen und von der Bewegung der neuen Einstellung herumschieben, als hätte das komprimierte Video seinen Keyframe verloren.
Das übrig gebliebene Bild soll in Blöcken entlang der Bewegungsrichtung verschmieren und ausbluten und Stück für Stück wegschmelzen, bis die neue Einstellung ganz da ist – ein langsames Zerfließen an einem Schnitt, anders als ein Glitch, der für einen Augenblick reißt und zurückschnappt.
Lass das Zerfließen über [Dauer] ablaufen, und lass die neue Einstellung danach sauber stehen.

Das Bild wabert, als sähe man es durch heiße Luft oder Wasser, weil die Pixel von einer bewegten Noise-Map verschoben werden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege eine „Displacement Distortion“ (auch heat haze, heat shimmer oder turbulent displacement genannt) auf [Szene]: Lass das Bild wabern, als sähe man es durch heiße Luft, indem du seine Pixel mit einer Noise-Map verschiebst, die ständig weiterdriftet.
Alles bleibt, wo es ist, und biegt sich und wackelt nur sanft auf der Stelle; die Einstellung wechselt nicht, und genau das unterscheidet sie von einem Ripple Dissolve.
Lass es [Dauer] lang flimmern, wobei das Noise-Muster langsam aufsteigt, damit sich das Wabern nie wiederholt oder einfriert.

Kopien früherer Frames werden hinter den aktuellen gemischt, sodass ein bewegtes Motiv eine verblassende Spur seiner selbst hinterlässt; anders als bei Bewegungsunschärfe bleiben die Kopien einzeln erkennbar, statt durchgehend zu verwischen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib dem bewegten Motiv in [Szene] ein „Echo“ (auch ghosting, trails oder motion trails genannt): Kopien seiner früheren Frames bleiben hinter ihm stehen und verblassen.
Jede Kopie soll ein eigenes, lesbares Geisterbild bleiben, das entlang der Bahn zurückgestaffelt ist, umso blasser, je älter es ist – ein durchgehendes Verwischen wäre Bewegungsunschärfe.
Lass es [Dauer] dauern, und lass die Spur aufholen und verschwinden, sobald das Motiv zur Ruhe kommt.

Footage läuft mit konstantem Tempo schneller als in Echtzeit, sodass Bewegung gehetzt oder komisch wirkt; anders als beim Zeitraffer ist es nur beschleunigtes durchgehendes Footage, keine Frames, die in großen Abständen aufgenommen wurden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Spiele [Szene] in „Fast Motion“ (auch undercranking genannt) ab.
Lass das durchgehende Footage mit einem konstanten Tempo laufen, schneller als in Echtzeit, sodass die Aktion gehetzt und ein wenig komisch wirkt, aber trotzdem flüssig bleibt – ein Zeitraffer würde stattdessen lange Lücken zwischen den Frames überspringen.
Bring die ganze Aktion in [Dauer] unter, ohne unterwegs das Tempo zu ändern.

Bewegtes Footage hält plötzlich auf einem einzelnen Frame an, der wie ein Foto gehalten wird; anders als bei Bullet Time bewegt sich nichts weiter.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Stoppe die Aktion in [Szene] mit einem Standbild („Freeze Frame“, auch stop-frame oder hold frame genannt): Das bewegte Footage hält auf einem einzelnen Frame an und bleibt stehen wie ein Foto.
Während der Standzeit soll sich überhaupt nichts bewegen, weder das Motiv noch die Kamera – wandert der Blickpunkt weiter um den eingefrorenen Moment herum, ist es Bullet Time.
Der ganze Moment dauert [Dauer]; schneide abrupt, mitten in der Aktion, in das Standbild, und lass es lange genug stehen, um es zu erfassen.

Das Bild bricht kurz wie bei einem digitalen oder analogen Fehler zusammen, mit Verzerrungen, Verpixelung und abrupten Versätzen; der weite Oberbegriff, zu dem auch chromatische Aberration und Datamosh gehören.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Störe [Szene] mit einem „Glitch Effect“ (auch digital glitch, glitch art oder glitch transition genannt): Für einen Moment bricht das Bild wie bei einem Signalfehler zusammen und schnappt dann zurück, als wäre nichts gewesen.
Zerreiße es in horizontale Streifen, die seitwärts springen, spalte die Farben an den gerissenen Stellen auf, streue ein paar verirrte Blöcke ein und versetze dem ganzen Bild einen Ruck – mit abrupten Wechseln von Frame zu Frame, nie weich. Er kommt in kurzen Schüben; eine konstante, abgenutzte Textur wäre stattdessen ein VHS Look.
Halte jeden Schub innerhalb von [Dauer] kurz, und vermeide es, das ganze Bild hell und dunkel aufblitzen zu lassen.

Ein Zeitraffer, bei dem die Kamera zwischen den Frames zusätzlich eine weite Strecke zurücklegt, sodass der Zuschauer schnell durch den Raum gleitet; ein Zeitraffer vom Stativ bleibt an Ort und Stelle.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Zeige [Szene] als „Hyperlapse“: ein Zeitraffer, bei dem die Kamera selbst zwischen den Frames eine weite Strecke zurücklegt.
Der Zuschauer soll schnell durch den Raum auf einen festen Punkt zugleiten, während die Umgebung in kleinen Schritten vorbeizieht und sich das Licht ändert, weil die Zeit vorbeirast – ein Zeitraffer vom Stativ bliebe an einer Stelle.
Lege die ganze Strecke in [Dauer] zurück, und halte das Ziel an derselben Stelle im Bild fixiert, damit die Fahrt ruhig wirkt.

Ein Ausschnitt des Bildes wird gespiegelt und gedreht zu einem symmetrischen, radialen Muster, das sich dreht und verwandelt, wenn sich die Quelle bewegt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege ein Kaleidoskop („Kaleidoscope“, auch kaleidoscope effect genannt) auf [Szene]: Ein keilförmiger Ausschnitt des Bildes wird gespiegelt und rund um die Bildmitte wiederholt.
Das Ergebnis soll ein symmetrisches, radiales Muster sein, in dem jeder Keil das Spiegelbild seiner Nachbarn ist, und das Muster soll sich drehen und umformen, während sich das Quell-Footage darunter bewegt – ein Bild, das immer wieder in sich selbst schrumpft, ist Video Feedback, nicht das hier.
Lass es [Dauer] lang laufen, und lass das Muster langsam rotieren, damit es nie stillsteht.

Strahlensterne, Ringe und Streifen aus Streulicht erscheinen und wandern, wenn eine helle Lichtquelle am Objektiv vorbeizieht; digital zu Grafiken und Footage hinzugefügt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] einen „Lens Flare“ ein: Während eine helle Lichtquelle durchs Bild zieht, zeigst du, wie das Licht im Objektiv streut – ein Strahlenstern und ein langer Streifen auf der Quelle selbst und eine Kette aus Ringen und weichen Scheiben, aufgereiht entlang der Linie von der Quelle durch die Bildmitte.
Die Kette muss mitwandern, wenn sich die Quelle bewegt, wobei die fernen Geisterbilder in die Gegenrichtung laufen – genau dieses wandernde, geformte Licht unterscheidet ihn von einem Light Leak, das nur ein formloser Lichtschleier vom Rand her ist.
Lass die Quelle über [Dauer] durchs Bild ziehen, und blende den Flare ein und aus, wenn sie ins Bild kommt und es verlässt.

Weiche, warme Lichtschleier in Orange, Rot oder Magenta blühen von den Bildrändern herein und driften oder flackern, als fiele Streulicht auf den Film; anders als der Lens Flare hat es keine Ringe oder Strahlensterne.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege ein „Light Leak“ (auch film burn genannt) über [Szene]: ein weicher, warmer Lichtschleier in Orange, Rot oder Magenta, der vom Bildrand hereinblüht, als wäre Streulicht auf den Film gefallen.
Halte es formlos und unscharf, am Bildrahmen verankert statt an etwas im Bild, ohne Ringe, Streifen oder Strahlensterne – die gehören zu einem Lens Flare. Das Footage läuft darunter weiter.
Lass es über [Dauer] von einem Rand her anschwellen, ein wenig driften und wieder verblassen.

Ein Bild oder eine Form verformt sich weich in ein anderes, während beide ineinander überblenden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] „Morphing“ (auch image morph oder morph genannt): Ein Motiv verformt sich weich in ein anderes, während die beiden Bilder ineinander überblenden.
Die Kontur soll sich durchgehend von der ersten Form in die zweite biegen, während die Oberfläche zwischen beiden überblendet, sodass es wie ein einziges Ding wirkt, das sich verwandelt – eine einfache Überblendung würde nur ein Bild über das andere blenden, ohne etwas umzuformen.
Gib der Verwandlung [Dauer], und halte davor und danach auf jedem Motiv, damit der Zuschauer erfassen kann, wozu es geworden ist.

Schnell bewegte Objekte werden entlang ihrer Bahn verwischt, als wären sie mit längerer Belichtung aufgenommen, wodurch schnelle Bewegung flüssig wirkt; anders als beim Echo ist es ein durchgehender Streifen, keine einzelnen Kopien.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib den schnellen Bewegungen in [Szene] Bewegungsunschärfe („Motion Blur“, auch motion smear genannt): Alles, was sich schnell bewegt, soll entlang seiner eigenen Bahn zu Streifen verwischen, als wäre der Verschluss offen geblieben, während es sich bewegte.
Verwische nur die Dinge, die sich bewegen, in ihrer Bewegungsrichtung, als einen durchgehenden Streifen, der mit dem Tempo wächst – nicht als einzelne nachziehende Kopien, das ist ein Echo, und nicht das ganze Bild, das ist ein Reißschwenk. Alles, was stillhält, bleibt scharf.
Lass sie [Dauer] lang an, mit einem großen Verschlusswinkel für lange, weiche Streifen oder einem kleinen für kurze, scharfe.

Ein kleines eingesetztes Videofenster läuft über dem Hauptbild und kann verschoben oder in der Größe verändert werden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Füge in [Szene] ein Bild-in-Bild („Picture-in-Picture“, auch PiP oder TV in TV genannt) ein: Ein kleines eingesetztes Fenster spielt ein zweites Video über dem Hauptbild ab.
Beide Bilder sollen gleichzeitig weiterlaufen, und das Hauptbild füllt hinter dem Fenster weiterhin die ganze Bildfläche – ist das Bild in Felder aufgeteilt, die nebeneinander sitzen, ist es ein Split Screen.
Bring das Fenster über [Dauer] in einer Ecke herein, und verschiebe es dann oder ändere seine Größe, damit es das Wichtige im Hauptbild frei lässt.

Das Bild wird in große sichtbare Quadrate zerlegt; animiert man die Blockgröße, setzt es sich aus groben Pixeln zusammen oder löst sich in sie auf. Statische Verpixelung allein ist der Look eines Zensurmosaiks.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege eine Verpixelung („Pixelate“, auch mosaic oder pixelation genannt) auf [Szene]: Zerlege das Bild in ein Raster aus großen, flachen Quadraten, jedes gefüllt mit der einen Farbe dessen, was darunter liegt.
Animiere die Blockgröße in klaren Stufen – lass das scharfe Bild in grobe Blöcke zerfallen, halte dort, während das Footage darunter weiterläuft, und löse es dann wieder ins scharfe Bild auf. Bleibt sie ohne Änderung bei einer Blockgröße, ist es nur ein Zensurmosaik.
Lass den ganzen Effekt [Dauer] dauern, und halte die Quadrate an einem festen Raster ausgerichtet, damit sie nicht schwimmen.

Footage läuft rückwärts, sodass sich Zerbrochenes wieder zusammensetzt und Bewegungen sich selbst rückgängig machen.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Spiele [Szene] im Rückwärtslauf („Reverse Motion“, auch reverse oder reverse action genannt) ab: Das Footage läuft rückwärts.
Jede Bewegung soll sich genau auf dem Weg rückgängig machen, den sie genommen hat – was fiel, steigt wieder auf, was sich zerstreute, findet wieder zusammen – und zwar in dem Tempo, in dem sie ursprünglich ablief.
Bring das Ganze in [Dauer] unter, und füge kein eigenes Easing hinzu, damit es wie zurückspulende Zeit wirkt und nicht wie eine neue Bewegung.

Der Rot-, der Grün- und der Blaukanal werden gegeneinander versetzt, sodass an Kanten Farbsäume entstehen, die oft auf Akzente pulsieren oder aufschnappen; von einem Objektivfehler entlehnt und als Stilmittel genutzt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege eine chromatische Aberration („RGB Split“, auch chromatic aberration, color fringing oder channel split genannt) auf [Szene]: Schiebe die Farbkanäle seitlich auseinander, sodass jede Kante auf beiden Seiten einen Farbsaum bekommt.
Das ist der ganze Effekt – das Bild selbst bleibt intakt und an seinem Platz. Nichts reißt, springt oder zerfällt in Blöcke, sonst wäre es ein vollständiger Glitch.
Lass die Kanäle über [Dauer] bei jedem Akzent auseinanderschnappen und wieder zusammendriften, bis sie am Ende perfekt deckungsgleich sind.

Ein Ring oder eine Kuppel rast von einem Einschlagpunkt nach außen und verzerrt beim Durchlaufen oft das Bild dahinter.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Gib dem Einschlag in [Szene] eine Schockwelle („Shockwave“, auch shock wave genannt): Ein Ring rast vom Punkt des Einschlags nach außen.
Beim Durchlaufen soll er das Bild dahinter verbiegen und verdrängen, dann dünner werden und verblassen – ein Ring, der nur ein Element schmückt und das Bild unberührt lässt, ist ein Circle Burst.
Löse sie genau auf dem Frame des Einschlags aus, und lass sie innerhalb von [Dauer] das Bild durchqueren, erst schnell und beim Ausbreiten langsamer werdend.

Licht oder Bildinhalte werden zu langen, fließenden Streifen gedehnt, weil das Bild durch einen wandernden Schlitz belichtet wird, was einen psychedelischen Farbtunnel ergibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Versieh [Szene] mit einem „Slit-Scan“-Look (auch star gate effect genannt): Das Bild wird durch einen schmalen Schlitz belichtet, der durchs Bild wandert, sodass jeder Streifen des Bildes aus einem anderen Moment stammt.
Alles, was sich bewegt, soll sich zu langen, fließenden Streifen dehnen, die sich entlang seiner Bahn biegen, während alles, was stillhält, scharf bleibt – einzelne Geisterkopien wären ein Echo, und ein gleichmäßiges Verwischen in Bewegungsrichtung ist Bewegungsunschärfe.
Lass die Streifen über [Dauer] entstehen und sich wieder auflösen, und bewege den Schlitz in gleichmäßigem Tempo, damit die Dehnung durchgehend bleibt.

Die Aktion läuft mit konstantem Tempo langsamer als in Echtzeit, sodass Details und Gewicht sichtbar werden; anders als bei der Speed Ramp ändert sich das Tempo nicht.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Spiele [Szene] in Zeitlupe („Slow Motion“, auch slo-mo oder overcranking genannt) ab.
Halte vom ersten bis zum letzten Frame ein konstantes Tempo, langsamer als in Echtzeit, damit Gewicht und Details sichtbar werden – ändert sich das Tempo unterwegs, ist es eine Speed Ramp.
Dehne den Moment auf [Dauer], und halte die Bewegung flüssig, ohne Ruckeln zwischen den Frames.

Das Abspieltempo gleitet innerhalb einer Einstellung weich zwischen sehr unterschiedlichen Geschwindigkeiten (z. B. langsam, dann ein plötzlicher Schub, dann wieder langsam), anders als Zeitlupe oder Fast Motion, die ein konstantes Tempo halten.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege eine „Speed Ramp“ (auch speed ramping oder time remapping genannt) auf [Szene].
Beginne langsam, ziehe in der Mitte auf schnell an und gehe dann wieder auf langsam zurück; das Tempo ändert sich dabei weich und nicht in Stufen.
Bring das Ganze in [Dauer] unter, und lege den schnellen Abschnitt auf den Teil, durch den du hindurcheilen willst, damit die langsamen Abschnitte auf das fallen, was der Zuschauer bemerken soll.

Das Bild ist in zwei oder mehr Felder aufgeteilt, die gleichzeitige Handlungen oder Blickwinkel zeigen; die Trennlinien können optional herein- oder hinausanimiert werden.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Zeige [Szene] als „Split Screen“: Das Bild ist in Felder aufgeteilt, die alle gleichzeitig ihr eigenes Bild abspielen.
Jedes Feld soll eine andere Handlung oder einen anderen Blickwinkel zeigen und in Bewegung bleiben, mit sauberen Trennlinien dazwischen und ohne dass ein Bild ein anderes verdeckt – ein kleines Fenster, das über einem bildfüllenden Bild schwebt, wäre Bild-in-Bild.
Schiebe über [Dauer] die Trennlinien herein, um das Bild zu teilen, und lass die Felder dann nebeneinander laufen.

Die Bewegung schreitet in sichtbaren, ruckartigen Schritten mit niedriger Bildrate voran (z. B. 8–12 pro Sekunde) und imitiert so Animation, die Frame für Frame fotografiert wurde.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Versieh [Szene] mit einem „Stop Motion Look“ (auch stepped animation oder posterize time look genannt).
Die Bewegung soll in sichtbaren, ruckartigen Schritten mit niedriger Bildrate voranschreiten, jede Pose kurz gehalten, als wäre sie Frame für Frame fotografiert – das Bild bleibt durchgehend an, anders als bei einem Stroboskopeffekt.
Lass es [Dauer] dauern, in normalem Tempo, und behalte von Anfang bis Ende denselben ruckeligen Rhythmus bei.

Das Bild erscheint in schnellen An/Aus-Blitzen, sodass Bewegung zu einzelnen, ruckartigen Posen eingefroren wirkt (oder Räder stillzustehen oder sich rückwärts zu drehen scheinen).

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege einen Stroboskopeffekt („Strobe Effect“, auch stroboscopic effect genannt) auf [Szene]: Das bewegte Motiv ist nur in schnellen An/Aus-Blitzen zu sehen.
Jeder Blitz soll die Bewegung eingefroren in einer eigenen Pose erwischen, und dazwischen ist nichts davon zu sehen – ein Stop Motion Look lässt das Bild an und senkt nur die Bildrate.
Lass ihn [Dauer] dauern, und halte das Blitzen sanft und auf das Motiv beschränkt, damit es nie zu einem harten, bildfüllenden Flackern wird.

Langsame reale Vorgänge (Wolken, Wachstum, Menschenmengen) scheinen mit hohem Tempo abzulaufen, weil die Frames in großen Abständen aufgenommen wurden, was einen gestuften, fließenden Look ergibt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Zeige [Szene] als Zeitraffer („Time-Lapse“, auch time-lapse photography genannt): Die Kamera bleibt starr fixiert, während langsame Veränderungen vorbeirasen.
Licht, Schatten, Wolken oder Wachstum sollen schnell fließen, mit leicht gestufter Anmutung, als wären die Frames in großen Abständen aufgenommen – beschleunigte durchgehende Aktion ist Fast Motion, und eine Kamera, die zwischen den Frames wandert, macht daraus einen Hyperlapse.
Verdichte die ganze Veränderung auf [Dauer].

Eine Ebene dient als bewegtes Fenster (über Transparenz oder Helligkeit), das das Bild darunter freigibt; typischerweise Text oder eine Form, die Inhalte ins Bild wischt.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Nutze in [Szene] einen „Track Matte Reveal“ (auch matte reveal, alpha matte oder luma matte genannt): Eine separate Text- oder Formebene dient als Fenster, und das Bild darunter ist nur innerhalb davon zu sehen.
Animiere das Fenster selbst, sodass es durchs Bild wandert und verschiedene Teile des Bildes freilegt, während das Bild darunter an Ort und Stelle weiterläuft und alles außerhalb des Fensters leer bleibt – ein Shape Wipe würde stattdessen eine Einstellung durch die nächste ersetzen.
Lass ihn [Dauer] dauern, und schneide das Fenster entweder über die Transparenz der Matte-Ebene aus, für eine scharfe Kante, oder über ihre Helligkeit, für eine weiche, abgestufte.

Footage wird so verschlechtert, dass es wie ein abgenutztes Videoband aussieht: horizontale Scanlines, ausblutende Farben, Rauschen und zitterndes Tracking, meist im 4:3-Bild.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Versieh [Szene] mit einem „VHS Look“ (auch VHS effect oder analog tape look genannt): Verschlechtere das Footage so, dass es wie ein abgenutztes Videoband läuft.
Schichte die Bandartefakte übereinander – feine horizontale Scanlines, Farbe, die weich zu einer Seite ausblutet, gesprenkeltes Bandrauschen und ein Tracking-Fehler, der einen Streifen des Bildes seitwärts zieht, während das ganze Bild zittert. Es ist eine konstante Textur über die gesamte Einstellung, kein kurzer Bruch wie ein Glitch.
Halte ihn über die gesamte Länge von [Dauer], und beschneide auf das quadratischere Bild eines alten Fernsehers, wenn das Layout es zulässt.

Das Bild nimmt sich immer wieder selbst auf, wodurch wirbelnde, unendlich zurückweichende Tunnel entstehen, wie bei einander gegenüberstehenden Spiegeln.

Das ist für ein Motion-Graphics-Video. Lege „Video Feedback“ (auch feedback loop genannt) auf [Szene]: Das Bild nimmt sich selbst wieder auf, sodass eine kleinere Kopie des ganzen Bildes im Bild sitzt, darin eine weitere und so fort, zurückweichend wie bei einander gegenüberstehenden Spiegeln.
Jede Kopie soll der sie umgebenden einen Moment hinterherhinken und leicht gedreht sein, sodass sich jede Bewegung wellenartig nach innen fortsetzt und der Tunnel wirbelt – nachziehende Kopien allein des bewegten Motivs wären ein Echo.
Lass den Tunnel über [Dauer] entstehen und sich verdrehen.