Les termes du motion graphics en direct. Des prompts prêts à coller.

Des calques plats placés à différentes profondeurs dans l’espace 3D sont vus par une caméra, si bien que chaque calque se déplace différemment quand la caméra bouge.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Construis [scène] avec une « 2.5D Camera » (aussi appelée multiplane camera ou 2.5D effect) : découpe le visuel en calques plats, dispose-les à différentes profondeurs dans l’espace 3D et fais passer une caméra virtuelle à travers eux.
Chaque calque doit rester plat comme une carte tandis que les calques glissent les uns par rapport aux autres au fil du déplacement de la caméra, les plus proches plus vite que les plus lointains : faire glisser latéralement une seule image plate ne donnerait aucune profondeur.
Fais durer le mouvement de caméra [durée], lent et flottant, et laisse-le dériver dans plus d’une direction pour que l’espace paraisse réel.

La caméra, portée par un bras, monte ou descend en arc de cercle, souvent avec un panoramique vertical pour garder le sujet cadré ; un mouvement plus ample qu’un simple travelling vertical.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un plan à la grue (« Crane Shot », aussi appelé jib shot ou boom shot) : elle monte ou descend en décrivant un large arc, comme portée au bout d’un long bras.
La caméra doit s’incliner pendant son déplacement pour que le sujet reste tenu dans le cadre tandis que le sol et l’arrière-plan se dégagent autour de lui : un travelling vertical se contente de soulever la caméra tout droit, en la gardant de niveau.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement paraisse majestueux et sans hâte.

Un zoom exécuté en quelques images, de sorte qu’il se lit comme une secousse soudaine plutôt que comme une avancée fluide.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un « Crash Zoom » (aussi appelé snap zoom ou whip zoom) : l’objectif zoome sur le sujet, ou s’en éloigne, presque instantanément.
Il doit arriver comme une secousse soudaine, en quelques images, puis rester fixe : une avancée fluide et progressive serait un zoom ordinaire.
Le tout dure [durée] ; garde le cadrage fixe avant et après pour que le coup de zoom ressorte.

La caméra elle-même avance ou recule, si bien que les calques proches grossissent plus vite que les lointains ; contrairement à un zoom, la perspective change.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Dolly » (aussi appelé push in, pull out ou dolly shot) : la caméra tout entière s’approche ou s’éloigne du sujet.
Les calques proches doivent grossir plus vite que les lointains pour que la perspective change à mesure que la caméra se déplace : c’est ce qui le distingue d’un zoom, qui agrandit tout uniformément.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

Le dolly et le zoom vont en sens opposés, si bien que le sujet garde sa taille tandis que l’arrière-plan s’étire ou se comprime.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un travelling compensé (« Dolly Zoom », aussi appelé vertigo effect, zolly ou Hitchcock zoom) : la caméra s’approche ou s’éloigne du sujet pendant que l’objectif zoome dans le sens inverse.
Le sujet doit garder exactement la même taille dans le cadre tandis que l’arrière-plan s’éloigne en s’étirant ou se resserre derrière lui : si le sujet change de taille, ce n’est qu’un dolly ou un zoom.
Fais-le durer [durée], à un rythme régulier et posé, pour que ce soit la déformation de l’espace que le spectateur remarque.

Une caméra aérienne avance au-dessus d’un paysage, puis s’élève souvent pour dévoiler la scène qui s’étend derrière.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un survol (« Fly-Over », aussi appelé aerial shot) : elle avance très haut au-dessus de la scène, en la regardant d’en haut.
Tout doit défiler vers la caméra et s’échapper sous le bas du cadre au moment d’être survolé, puis la vue se relève pour dévoiler la scène qui s’étend au-delà : un dolly à hauteur d’œil ne fait que rapprocher les choses, il ne passe jamais au-dessus d’elles.
Fais-le durer [durée], à une vitesse fluide et régulière, comme un drone qui glisse vers l’avant.

La caméra traverse une ouverture, comme une fenêtre ou un espace entre des poutres, puis révèle le sujet qui se trouve au-delà.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Fly-Through » (aussi appelé fly-through reveal) : elle avance à travers une ouverture étroite, comme une fenêtre, une porte ou un espace entre des poutres.
L’ouverture doit remplir la vue et cacher l’essentiel de ce qui se trouve au-delà, puis filer le long des bords du cadre quand la caméra la franchit et que le sujet, de l’autre côté, apparaît en entier : un simple dolly ne fait que s’approcher de quelque chose qui est déjà à découvert.
Fais-le durer [durée], en un seul mouvement continu vers l’avant, et laisse la caméra se poser en douceur une fois le sujet révélé.

L’opérateur porte la caméra, si bien que le cadre dérive et tremble légèrement, de façon irrégulière ; la shaky cam accentue cet effet.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise une caméra à l’épaule (« Handheld », aussi appelée handheld shot ou shaky cam) : elle est portée par l’opérateur, si bien que le cadre n’est jamais parfaitement immobile.
Tout le cadre doit dériver et trembler par petites touches irrégulières, avec un horizon qui oscille légèrement, jamais en va-et-vient régulier ; un Steadicam shot sur le même trajet glisserait sans le moindre tremblement.
Maintiens l’effet pendant [durée] ; garde-le discret pour un réalisme documentaire, ou pousse-le jusqu’à la shaky cam pour le chaos.

Un travelling circulaire qui, en plus, monte ou descend, en traçant une hélice autour du sujet.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Helix Shot » (aussi appelé helix) : elle tourne autour du sujet tout en montant ou en descendant, en traçant une spirale autour de lui.
Le sujet doit rester au centre du cadre tandis que l’arrière-plan glisse latéralement derrière lui et que le sol se dégage ou se resserre à mesure que la hauteur change : un simple travelling circulaire reste à la même hauteur.
Fais-le durer [durée], en une seule spirale continue, en tournant et en montant à un rythme régulier.

La caméra se déplace sur une courbe autour d’un sujet centré tandis que l’arrière-plan tourne derrière lui.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un travelling circulaire (« Orbit », aussi appelé arc shot) : elle tourne autour du sujet en restant pointée sur lui.
Le sujet doit rester au centre du cadre tandis que l’arrière-plan glisse dans un sens derrière lui et que tout ce qui est devant glisse dans l’autre : dans un travelling latéral ou un travelling d’accompagnement, tous les calques glissent dans le même sens.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

La caméra pivote vers la gauche ou la droite depuis un point fixe, si bien que tout ce qui est dans le cadre glisse à la même vitesse, sans parallaxe ; contrairement à un travelling latéral, la caméra elle-même ne se déplace pas.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un panoramique (« Pan », aussi appelé panning) : elle pivote sur place vers la gauche ou la droite.
Tout ce qui est dans le cadre doit glisser latéralement d’un seul bloc, à la même vitesse, sans décalage de profondeur entre les calques proches et lointains : c’est ce qui le distingue d’un travelling latéral.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

La caméra elle-même monte ou descend en restant de niveau, si bien que les objets proches se décalent davantage que les lointains, ce qui le distingue d’un panoramique vertical.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un travelling vertical (« Pedestal », aussi appelé pedestal rise ou boom up/down) : la caméra tout entière monte ou descend en restant de niveau.
Les calques proches doivent glisser verticalement plus vite que les lointains pour que la scène gagne en profondeur : c’est ce qui le distingue d’un panoramique vertical.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

La caméra s’envole vers l’arrière et vers le haut à partir d’un sujet proche, en élargissant le champ pour montrer ce qui l’entoure.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Pull-Back Reveal » (aussi appelé dronie ou pull-away) : elle démarre tout près du sujet, puis s’envole vers l’arrière et vers le haut en s’éloignant de lui.
Le sujet doit rapetisser au milieu du cadre tandis que son environnement entre de plus en plus dans le champ, jusqu’à montrer le décor tout entier : un dolly out ordinaire ne fait que reculer un peu, à hauteur d’œil.
Fais-le durer [durée], en démarrant en douceur et en élargissant régulièrement, pour que l’échelle du lieu soit la récompense finale.

Le plan de netteté passe d’un sujet à un autre au cours d’une même prise, sans que la caméra ni le cadrage ne changent.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise une bascule de point (« Rack Focus », aussi appelée pull focus ou focus pull) : la mise au point passe d’un sujet à un autre situé à une profondeur différente, au sein du même plan.
Rien ne doit bouger et le cadrage ne doit pas changer : le sujet net devient flou tandis que le sujet flou devient net, c’est ce qui la distingue d’un zoom ou d’un mouvement de caméra.
Le tout dure [durée] ; reste sur le premier sujet, fais basculer le point en douceur, puis reste sur le second.

La caméra tourne autour de l’axe de l’objectif, si bien que l’horizon pivote dans le cadre ; un roll partiel maintenu donne un plan débullé fixe.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Roll » (aussi appelé Dutch roll ou Z-axis roll) : elle tourne autour de l’axe de l’objectif, comme un volant que l’on tourne.
Tout le cadre doit tourner autour de son centre pour que l’horizon bascule, sans que la caméra se déplace ni regarde ailleurs ; s’arrêter en cours de route donne un plan débullé.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que la rotation ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

La caméra est fixée sur l’interprète, qui reste ainsi immobile dans le cadre tandis que l’arrière-plan bouge autour de lui.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise une « Snorricam » (aussi appelée body camera ou body cam) : la caméra est fixée par un harnais sur l’interprète et tournée vers lui.
Le sujet doit rester verrouillé exactement au même endroit du cadre tandis que tout l’arrière-plan tangue, penche et se balance autour de lui à chaque pas et à chaque virage : dans un travelling d’accompagnement, l’arrière-plan se contente de défiler régulièrement.
Maintiens l’effet pendant [durée], et laisse le décor faire des embardées au gré des mouvements du sujet pour un rendu vertigineux et subjectif.

Un mouvement stabilisé, porté par un opérateur, qui glisse et flotte dans l’espace sans les tremblements de la caméra à l’épaule.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un « Steadicam Shot » (aussi appelé gimbal shot ou glide cam) : un opérateur la porte à travers l’espace sur un stabilisateur.
Le mouvement doit glisser et flotter sans le moindre tremblement, libre de contourner les choses sur son passage : une caméra à l’épaule sur le même trajet tremblerait, et un dolly s’en tiendrait à un rail rectiligne.
Fais-le durer [durée], en un seul mouvement long, fluide et ininterrompu.

La caméra pivote vers le haut ou le bas depuis un point fixe ; contrairement à un travelling vertical, la caméra elle-même ne monte ni ne descend.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un panoramique vertical (« Tilt », aussi appelé tilting ou pitch) : elle pivote sur place vers le haut ou le bas.
Tout ce qui est dans le cadre doit glisser verticalement d’un seul bloc, à la même vitesse, sans décalage de profondeur entre les calques proches et lointains : c’est ce qui le distingue d’un travelling vertical.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

La caméra accompagne un sujet en mouvement, par l’arrière, par l’avant ou sur le côté, en gardant une distance constante tandis que l’arrière-plan défile.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un travelling d’accompagnement (« Tracking Shot », aussi appelé follow shot ou travelling shot) : la caméra se déplace avec un sujet en mouvement.
Le sujet doit garder sa place et sa taille dans le cadre tandis que le décor défile, les calques proches plus vite que les lointains : dans un travelling latéral, le sujet traverse le cadre avec tout le reste.
Fais-le durer [durée], à un rythme régulier calé sur celui du sujet, en restant à la même distance de lui.

La caméra elle-même glisse latéralement, si bien que les objets proches se décalent davantage que les lointains, ce qui le distingue d’un panoramique.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un travelling latéral (« Truck », aussi appelé track ou crab shot) : la caméra tout entière se déplace latéralement.
Les calques proches doivent traverser le cadre plus vite que les lointains pour que la scène gagne en profondeur : c’est ce qui le distingue d’un panoramique.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

Un panoramique assez rapide pour que l’image file en flou de mouvement ; la version verticale est un whip tilt.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déplace la caméra avec un panoramique filé (« Whip Pan », aussi appelé swish pan ou flick pan) : elle part sur le côté d’un coup sec, si vite que l’image file.
Tout le cadre doit filer en flou de mouvement dans la direction du déplacement et retomber net sur la nouvelle vue : un panoramique ordinaire reste lisible de bout en bout. Exécuté à la verticale, c’est un whip tilt.
Le tout dure [durée] ; reste immobile avant et après pour que le filé se lise comme un seul coup de fouet rapide.

La focale de l’objectif change, si bien que tous les calques changent d’échelle dans le même rapport, sans aucune parallaxe ; contrairement à un dolly, la caméra ne se déplace pas.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un « Zoom » (aussi appelé zoom in ou zoom out) : l’objectif change de focale tandis que la caméra reste où elle est.
Tout ce qui est dans le cadre doit grossir ou rétrécir d’un seul bloc, dans le même rapport, sans décalage de profondeur entre les calques proches et lointains : c’est ce qui le distingue d’un dolly.
Fais-le durer [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le mouvement ne démarre ni ne s’arrête brusquement.

Deux bords verticaux ou horizontaux partent du centre vers les côtés (ou l’inverse), comme des portes de grange qui s’ouvrent.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Barn Door Wipe » (aussi appelé barn doors, split ou center split) : deux bords s’écartent du milieu du cadre vers les côtés et découvrent le plan suivant, comme des portes de grange qui s’ouvrent.
Garde les deux plans immobiles pendant que les bords se déplacent : contrairement à un push, rien ne glisse hors du cadre, et contrairement à un simple volet, la révélation part du milieu et progresse des deux côtés à la fois. Pour la version en fermeture, fais venir les bords depuis les côtés jusqu’à ce qu’ils se rejoignent au milieu.
Fais durer la transition [durée], les deux bords avançant au même rythme.

Un rayon balaie le cadre autour de son centre comme une aiguille d’horloge, en découvrant le plan suivant derrière lui.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Clock Wipe » (aussi appelé radial wipe) : une ligne balaie le cadre autour de son centre comme une aiguille d’horloge et découvre le plan suivant derrière elle.
Fais partir l’aiguille du haut et fais-lui faire un tour complet à un rythme régulier, les deux plans restant en place : contrairement à un simple volet, le bord tourne autour d’un point au lieu de traverser le cadre.
Fais durer le tour complet [durée].

Une coupe entre deux images de tonalité opposée, pour souligner la différence entre elles.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Contrast Cut » : coupe directement d’une image à son opposé tonal.
Fais en sorte que les deux côtés diffèrent autant que possible (clair contre sombre, petit contre grand) et maintiens chacun assez longtemps pour qu’on puisse comparer ; contrairement à un smash cut, le but est la comparaison, pas le choc.
Fais tenir les deux plans en [durée], et ne mets aucun effet de transition sur la coupe.

Des coupes qui alternent entre deux actions se déroulant au même moment dans des lieux différents.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Monte [scène] en montage alterné (« Cross-Cut », aussi appelé parallel editing ou intercutting) : alterne par des coupes entre deux actions qui se déroulent au même moment dans des lieux différents.
Laisse les deux actions continuer d’avancer pendant qu’elles sont hors écran, pour que chaque retour reprenne plus tard que là où on l’avait quittée, contrairement à un plan de coupe, qui ne quitte l’action principale qu’une seule fois avant d’y revenir.
Fais tenir la séquence en [durée], et raccourcis les morceaux vers la fin si la tension doit monter.

Un plan qui quitte brièvement l’action principale pour montrer autre chose, avant de revenir au plan d’origine.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un plan de coupe (« Cutaway ») dans [scène] : coupe brièvement de l’action principale vers un plan qui montre autre chose, puis reviens en coupe au plan d’origine.
Laisse l’action principale se poursuivre en dessous pour qu’elle ait avancé quand on y revient : contrairement à un montage alterné, le second plan n’apparaît qu’une fois et ne constitue pas une intrigue à part entière.
Fais tenir le tout en [durée], et garde le plan de coupe plus court que les morceaux du plan principal qui l’entourent.

Le plan sortant se floute jusqu’à perdre la mise au point et le plan suivant est ramené au net, ce qui évoque le rêve ou le passage du temps.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec une « Defocus Transition » (aussi appelée defocus ou blur transition) : le plan sortant perd peu à peu sa mise au point jusqu’à n’être plus qu’un flou doux, et le plan suivant est ramené au net à partir de ce flou.
Échange les plans au moment où l’image est la plus floue, pour que le changement lui-même ne soit jamais vu net : contrairement à un fondu enchaîné, les deux images ne se superposent pas nettes, et contrairement à un dip to black, l’écran ne passe jamais par une couleur unie.
Fais durer la transition [durée], en floutant puis en refaisant le point au même rythme doux.

Le plan sortant se fond dans une couleur unie, généralement le noir ou le blanc, et le plan suivant en émerge par un fondu.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Dip to Black » (aussi appelé dip to white, wash ou washout quand la couleur est le blanc) : le plan sortant se fond dans une couleur unie et le plan suivant en émerge par un fondu.
Les deux plans ne se superposent jamais et, pendant un instant au milieu, l’écran n’est plus que la couleur unie : contrairement à un simple fondu, il se poursuit sur le plan suivant.
Fais durer la transition [durée], répartie à parts égales entre la sortie et l’entrée.

L’image s’assombrit progressivement jusqu’au noir ou émerge du noir, sans qu’un second plan vienne s’y superposer.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Termine [scène] par un fondu (« Fade », aussi appelé fade out ou fade to black) : l’image s’assombrit progressivement jusqu’au noir.
Fonds l’image vers un noir uni, sans qu’un second plan transparaisse : contrairement à un dip to black, il ne se poursuit pas sur un autre plan. Pour un fade in, fais-le dans l’autre sens et laisse l’image émerger du noir.
Fais durer le fondu [durée], à un rythme régulier.

Un plan très bref, souvent d’une à trois images, inséré de force dans la séquence pour une secousse presque subliminale.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un « Flash Cut » dans [scène] : insère de force dans la séquence un plan qui ne dure que quelques images, puis reviens aussitôt d’un coup sec.
Il doit être perçu comme une secousse plus que comme une image : contrairement à un plan de coupe, le spectateur n’a pas le temps de le lire.
Fais tenir la séquence en [durée], et donne au plan inséré une luminosité très différente de celle des plans qui l’entourent pour que le flash se ressente.

Un plan est remplacé instantanément par le suivant, sans aucun effet optique ; c’est la référence à laquelle on compare toutes les autres transitions.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde les plans avec une coupe franche (« Hard Cut », aussi appelée cut ou direct cut) : un plan est remplacé instantanément par le suivant.
Ne mets ni fondu, ni volet, ni aucun autre effet sur la coupe : contrairement à un smash cut, elle ne cherche pas à choquer, c’est simplement le changement de plan ordinaire.
Fais tenir les plans en [durée], et place la coupe sur un temps fort ou sur un mouvement achevé pour qu’elle passe inaperçue.

Une coupe dissimulée pour que le spectateur ne la remarque pas, souvent cachée derrière un objet sombre ou un mouvement de caméra pour simuler une seule prise continue.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], cache le raccord entre deux prises avec une coupe invisible (« Invisible Cut ») : dissimule la coupe pour que la vidéo se lise comme une seule prise continue.
Laisse un objet sombre remplir le cadre pendant que la caméra continue de bouger, coupe à cet instant, et reprends le même mouvement à la même vitesse de l’autre côté : contrairement à un natural wipe, le spectateur ne doit pas remarquer que quoi que ce soit a changé.
Fais tenir les deux prises en [durée], et garde une vitesse de caméra constante pendant la coupe cachée.

Une coupe à l’intérieur d’un même cadrage qui saute une tranche de temps, si bien que le sujet change visiblement de position d’un bond alors que la caméra ne bouge pas.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Monte [scène] avec un « Jump Cut » : coupe pour sauter en avant dans le temps à l’intérieur du même plan.
Garde la caméra et le cadrage inchangés et laisse le sujet sauter d’un coup à une position ultérieure à chaque coupe, sans transition entre les morceaux.
Fais tenir la séquence en [durée], et place les coupes sur des temps forts pour que les sauts paraissent voulus plutôt que de passer pour des glitchs.

Le plan suivant apparaît à travers la luminosité du plan sortant, si bien que les zones sombres (ou claires) basculent en premier.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Luma Fade » (aussi appelé luma wipe ou gradient wipe) : fais apparaître le plan suivant à travers le plan sortant en fonction de sa luminosité, les zones les plus sombres d’abord et les plus claires en dernier.
Le changement doit suivre les formes de l’image (les ombres et les objets sombres deviennent le plan suivant alors que les zones claires tiennent encore), contrairement à un fondu enchaîné, où tout le cadre se mélange uniformément.
Fais durer la transition [durée], en progressant en douceur du sombre vers le clair, avec des bords doux entre les étapes.

Une coupe entre deux plans dont la forme, la couleur, la position ou l’action coïncident, si bien que l’un devient visuellement l’autre.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Match Cut » (aussi appelé graphic match ou match on action) : coupe entre deux plans dont la forme, la position ou le mouvement coïncident.
Place la forme principale du second plan exactement là où se trouvait la première, à la même taille et avec le même mouvement, pour que l’une semble se transformer en l’autre à la coupe, sans morphing ni fondu enchaîné entre elles.
Fais tenir les deux plans en [durée], et coupe au milieu du mouvement commun.

Le plan suivant apparaît à travers une grille de carreaux ou de cellules à motif qui se retournent dans un ordre défini ou aléatoire.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Matrix Wipe » (aussi appelé checkerboard, checker wipe ou random blocks) : découpe le cadre en une grille de carreaux et retourne-les l’un après l’autre vers le plan suivant.
Chaque carreau montre son propre morceau du nouveau plan, si bien que l’image complète s’assemble sur place : utilise un ordre en damier pour un rendu à motif ou un ordre aléatoire pour un rendu façon glitch, et garde les deux plans immobiles en dessous.
Fais durer la transition [durée], chaque carreau se retournant rapidement et les retournements étant répartis régulièrement sur toute la durée.

Une suite de nombreux plans courts qui s’enchaînent rapidement et condensent du temps ou de l’information en quelques secondes.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Construis [scène] comme une séquence de montage (« Montage », aussi appelée rapid cuts ou dynamic cutting) : une suite de nombreux plans courts qui s’enchaînent rapidement.
Donne à chaque plan une image différente et seulement un instant à l’écran, en les raccordant par de simples coupes, pour qu’ensemble ils condensent une longue période : contrairement à un montage alterné, les plans n’alternent pas entre deux actions fixes.
Fais tenir toute la suite en [durée], et garde un rythme de coupe régulier, calé sur les temps.

Un objet au premier plan, comme un mur, une personne ou un véhicule qui passe, traverse le champ devant l’objectif et cache la coupe vers le plan suivant.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Natural Wipe » (aussi appelé frame blocking ou invisible wipe) : un objet au premier plan passe juste devant l’objectif et le plan suivant est déjà là derrière lui.
Garde le changement caché sous l’objet pendant toute sa traversée, pour que l’objet lui-même semble balayer l’ancien plan : contrairement à un simple volet, il n’y a pas de bord tracé, et contrairement à une coupe invisible, le spectateur est censé voir que la scène a changé.
Fais durer le passage [durée], l’objet se déplaçant à une vitesse régulière et naturelle.

Le plan sortant se décolle ou se tourne comme une page, en découvrant le plan suivant derrière lui.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Page Peel » (aussi appelé page curl, ou page turn quand tout le côté se soulève) : le plan sortant se soulève par un coin et se décolle comme une feuille de papier, en découvrant le plan suivant qui se trouve dessous.
Montre le dos de la page quand elle se replie, et garde immobile le plan du dessous : contrairement à un simple volet, l’ancienne image se lit comme une vraie feuille que l’on soulève.
Fais durer la transition [durée], avec un départ en douceur quand le coin se soulève et une arrivée en douceur quand la page quitte le cadre.

Un saut instantané vers un cadre plus serré du même sujet, dans le même axe, sans trajet de zoom entre les deux tailles.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un raccord dans l’axe (« Punch In », aussi appelé cut-in ou axial cut) : coupe instantanément vers un cadre plus serré du même sujet, dans le même axe.
Ne montre aucun trajet de zoom entre les deux tailles et laisse l’action se poursuivre sans saut dans le temps : c’est ce qui le distingue d’un zoom et d’un jump cut.
Fais tenir le tout en [durée], et place la coupe sur le mot ou le détail à mettre en valeur.

Un fondu enchaîné accompagné d’une distorsion ondulante de l’image, comme de l’eau, qui signale traditionnellement un flashback ou un événement imaginé.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Ripple Dissolve » : passe d’un plan au suivant en fondu enchaîné pendant que l’image ondule comme la surface de l’eau.
Laisse l’ondulation monter sur le plan sortant, se maintenir pendant la superposition et s’apaiser sur le plan entrant : contrairement à un simple fondu enchaîné, l’image se déforme pendant qu’elle se mélange, et contrairement à une defocus transition, elle reste nette.
Fais durer la transition [durée], les vagues s’écoulant doucement dans une seule direction.

Le plan entrant glisse par-dessus le plan sortant tandis que l’ancien plan reste en place.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Slide » (aussi appelé band slide) : le plan entrant arrive en glissant depuis un bord et recouvre le plan sortant.
Garde le plan sortant là où il est pendant qu’il se fait recouvrir : contrairement à un push, il n’est pas poussé hors du cadre.
Fais durer la transition [durée], avec un départ et une arrivée en douceur pour que le nouveau plan se pose au lieu de s’arrêter net.

Une coupe brutale d’une scène à une autre qui contraste fortement avec elle, sans préparation, utilisée pour créer un choc ou une chute comique.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Smash Cut » (aussi appelé Gilligan cut ou bicycle cut) : coupe brutalement d’un plan calme à un plan qui contraste fortement avec lui.
Ne prépare rien : maintiens le plan calme, puis atterris en pleine action bruyante et rapide, sans fondu ni montée progressive ; contrairement à une simple coupe franche, c’est la secousse qui compte.
Fais tenir les deux plans en [durée], et laisse le plan calme durer un peu plus longtemps qu’il n’est confortable avant la coupe.

Un masque en forme d’étoile, qui grandit ou rétrécit, fait entrer le plan suivant.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec un « Star Wipe » (aussi appelé shape wipe, ou heart wipe quand la forme est un cœur) : une ouverture en forme d’étoile grandit depuis le milieu du cadre et fait entrer le plan suivant à travers elle.
Garde le bord de l’étoile bien net et les deux plans immobiles, et laisse la forme grandir jusqu’à dégager tous les coins : contrairement à un volet à l’iris, l’ouverture est une forme reconnaissable plutôt qu’un cercle.
Fais durer la transition [durée], en démarrant lentement pour que la forme se lise avant de remplir le cadre.

Des bandes parallèles révèlent le plan suivant, comme les lames d’un store qui pivotent pour s’ouvrir.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec une transition en stores vénitiens (« Venetian Blinds », aussi appelée band wipe) : une série de bandes parallèles s’ouvre sur tout le cadre et révèle le plan suivant, comme les lames d’un store qui pivotent pour s’ouvrir.
Donne aux bandes la même largeur et ouvre-les toutes en même temps : contrairement à un simple volet, aucun bord unique ne traverse le cadre, et les deux plans restent en place.
Fais durer la transition [durée], toutes les bandes s’ouvrant au même rythme.

Le plan sortant zoome rapidement vers un point et le plan entrant dézoome à partir d’un point similaire, comme si l’on traversait la coupe en volant.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], raccorde deux plans avec une « Zoom Transition » (aussi appelée zoom in/out transition) : le plan sortant zoome rapidement vers un point et le plan entrant ressort de ce même point, comme si l’on traversait la coupe en volant.
Garde le zoom dans une seule direction sur les deux plans et cache la coupe à son moment le plus rapide : contrairement à un raccord dans l’axe, le trajet entre les tailles est montré, et contrairement à un zoom de caméra, il aboutit à un plan différent.
Fais durer la transition [durée], en accélérant jusqu’à la coupe et en ralentissant à sa sortie.

La pose n’est mise à jour que toutes les 2 ou 3 images, ce qui donne un rythme plus saccadé, façon dessin à la main, qu’un mouvement renouvelé à chaque image (on ones).

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime [scène] en « Animating on Twos » (aussi appelé on twos ou held frames) : maintiens chaque pose pendant deux images, si bien que l’image se renouvelle deux fois moins souvent que la vidéo ne défile.
Le mouvement doit garder sa trajectoire et sa vitesse d’ensemble mais avancer par petites saccades régulières, comme une animation dessinée à la main ou en stop motion, et non par quelques grands sauts séparés de longues pauses, ce qui serait un stepped ease.
Maintiens-le pendant [durée], et garde chaque pose une image de plus (on threes) si le rendu doit être encore plus saccadé.

Un petit mouvement dans le sens opposé avant le mouvement principal, comme une prise d’élan ; c’est le pendant, en début de mouvement, de l’Overshoot.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Lance le mouvement dans [scène] avec une « Anticipation » (aussi appelée wind-up ou back in) : l’objet recule d’abord un peu dans le sens opposé, puis s’élance dans le mouvement principal.
Le recul appartient au départ, avant que l’objet ne parte : c’est le miroir d’un overshoot, qui dépasse la cible à la fin.
Fais tenir la prise d’élan et le mouvement en [durée], en gardant le recul léger et sans hâte pour que l’élan qui suit paraisse rapide.

L’objet suit une trajectoire courbe au lieu d’une ligne droite ; à comparer avec un déplacement rectiligne de A à B.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Déplace l’objet dans [scène] en suivant des « Arcs » (aussi appelés arc motion ou curved path) : il va d’une position à la suivante sur une trajectoire courbe au lieu d’une ligne droite.
Les points de départ et d’arrivée restent où ils sont : seule la trajectoire entre eux se courbe, comme se déplace une balle lancée ou un bras qui se balance, là où un déplacement rectiligne de A à B paraît mécanique.
Fais tenir le mouvement en [durée], et garde une courbe d’un seul geste fluide, sans cassure en chemin.

L’objet heurte la cible comme une balle qui touche le sol et rebondit par bonds de plus en plus petits jusqu’à s’immobiliser ; se distingue de l’Elastic par un arrêt net à chaque contact.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Termine le mouvement dans [scène] par un « Bounce » (aussi appelé bounce ease ou bounce out) : l’objet heurte sa cible comme une balle qui touche le sol et rebondit par bonds de plus en plus petits jusqu’à s’immobiliser.
Il ne doit jamais traverser la cible : chaque contact est un arrêt net qui le renvoie aussitôt en arrière, contrairement à un elastic ease, qui oscille de part et d’autre de la cible.
Fais tenir le mouvement et ses rebonds en [durée], et rends chaque rebond nettement plus court que le précédent.

Le mouvement se répète depuis le début ; dans une boucle parfaite, l’état final correspond à l’état initial, si bien qu’aucun redémarrage ne se voit.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Répète le mouvement dans [scène] en boucle (« Cycle Loop », aussi appelée loop ou repeat) : chaque fois qu’il arrive à la fin, il repart du début.
Il doit revenir d’un saut au début plutôt que d’être lu à l’envers, ce qui serait un ping-pong loop. Pour une boucle parfaite, fais coïncider la dernière image avec la première pour que le redémarrage ne se voie pas.
Fais-le tourner en boucle pendant [durée] ; si chaque répétition doit repartir de là où la précédente s’est arrêtée au lieu de revenir au début, fais-en une boucle offset.

Démarre lentement et accélère vers la fin, si bien que l’objet sort à pleine vitesse ; l’inverse de l’Ease Out.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime le mouvement dans [scène] avec un « Ease In » (aussi appelé slow in ou accelerating) : il démarre lentement et ne cesse d’accélérer, si bien que l’objet est à pleine vitesse quand le mouvement se termine.
N’adoucis pas la fin : ce serait un ease out, la courbe inverse, qui démarre vite et se pose en douceur.
Fais tenir le mouvement en [durée] ; il convient à un objet qui quitte le cadre, puisqu’on ne le voit jamais s’arrêter.

Départ lent, milieu rapide, arrêt lent ; se distingue de l’Ease Out en accélérant aussi en douceur au départ.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime le mouvement dans [scène] avec un « Ease In-Out » (aussi appelé easy ease ou slow in and slow out) : il démarre lentement, atteint sa vitesse maximale au milieu, puis ralentit jusqu’à un arrêt en douceur.
Les deux extrémités doivent être douces, contrairement à un ease out, qui démarre à pleine vitesse et n’adoucit que l’arrêt.
Fais tenir le mouvement en [durée], et choisis une courbe plus marquée si le milieu doit donner l’impression d’un déclic rapide entre deux repos.

Démarre vite et décélère jusqu’à un arrêt en douceur ; l’objet arrive déjà en mouvement et se pose délicatement, à l’inverse de l’Ease In.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime le mouvement dans [scène] avec un « Ease Out » (aussi appelé slow out ou decelerating) : il démarre à pleine vitesse et ralentit régulièrement jusqu’à un arrêt en douceur.
N’adoucis pas le départ : l’objet doit déjà être en mouvement quand il apparaît, contrairement à un ease in-out, qui prend aussi sa vitesse en douceur.
Fais tenir le mouvement en [durée] ; il convient à un élément qui entre dans le cadre et vient se poser à sa place.

Pas un rendu unique, mais l’idée que la vitesse varie au cours d’un mouvement ; à comparer avec un mouvement linéaire pour voir qu’un mouvement avec easing paraît naturel plutôt que mécanique.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Applique un « Easing » (aussi appelé timing curve ou speed curve) à chaque mouvement dans [scène] : laisse la vitesse varier au cours de chaque mouvement au lieu de rester constante.
Un mouvement à vitesse constante (linéaire) paraît mécanique ; un mouvement avec easing prend de la vitesse et ralentit comme le font les choses réelles : ease out pour ce qui arrive, ease in pour ce qui part, ease in-out pour les mouvements qui restent à l’écran.
Fais tenir chaque mouvement en [durée], et utilise la même famille de courbes partout pour que l’ensemble paraisse cohérent.

Oscille plusieurs fois autour de la cible avec une amplitude qui s’atténue, comme un élastique tendu qu’on relâche ; plus d’oscillations que l’Overshoot.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime le mouvement dans [scène] avec un easing « Elastic » (aussi appelé elastic ease ou elastic out) : l’objet file d’un coup sec vers sa cible puis oscille d’avant en arrière autour d’elle, chaque oscillation plus petite que la précédente, comme un élastique tendu qu’on relâche.
Il doit franchir la cible plusieurs fois : un overshoot ne la dépasse qu’une seule fois, et un bounce ne la dépasse jamais.
Fais tenir le mouvement et l’oscillation en [durée], et laisse l’oscillation s’éteindre complètement avant la fin.

Un mouvement réel poussé à une ampleur ou à un timing plus extrêmes que le réalisme ; il ne se voit que comme un choix d’intensité, par comparaison avec une version réaliste.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime [scène] avec de l’exagération (« Exaggeration ») : prends le mouvement tel qu’il se produirait réellement et pousse-le plus loin, avec une prise d’élan plus ample, un étirement plus long, un arrêt plus sec.
C’est la même action avec l’intensité poussée, pas une action différente : garde la trajectoire et l’ordre des événements, et accentue l’ampleur et la vivacité de chacun d’eux.
Fais tenir le tout en [durée], et arrête-toi juste avant le point où l’objet n’est plus reconnaissable : le rendu doit être cartoon et ludique, pas cassé.

Les parties attachées de façon lâche continuent de bouger ou traînent derrière quand le corps principal s’arrête ou démarre, si bien que les parties ne bougent pas et ne s’arrêtent pas toutes ensemble.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime [scène] avec « Follow Through and Overlapping Action » (aussi appelé drag ou lag) : les parties attachées de façon lâche traînent derrière quand le corps principal se met en route, puis continuent sur leur lancée, le dépassent en se balançant et se posent une fois qu’il s’est arrêté.
Les parties ne doivent pas toutes bouger et s’arrêter ensemble. Elles sont passives, entraînées par le corps, contrairement à une action secondaire, qui est un petit geste distinct joué en parallèle du geste principal.
Fais tenir le mouvement et la stabilisation en [durée], et laisse les parties plus longues ou plus légères prendre plus de retard et mettre plus de temps à s’immobiliser.

Les contours tremblent légèrement d’une image à l’autre, comme s’ils étaient redessinés à chaque fois, ce qui donne un rendu vivant, fait main, même quand la forme reste immobile.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Applique un « Line Boil » (aussi appelé boiling lines ou wiggly lines) aux contours dans [scène] : redessine chaque trait de façon légèrement différente toutes les quelques images, pour qu’il tremble sur place alors même que la forme reste immobile.
Il doit changer par petits paliers brusques, à une cadence d’images basse, comme quand on feuillette des dessins décalqués à la main ; il ne doit ni couler de façon fluide, ce qui donne un rendu liquide, ni déplacer toute la forme, ce qui est un wiggle.
Maintiens-le pendant [durée], et garde un tremblement assez faible pour que la forme reste facile à lire.

L’objet dépasse légèrement sa cible puis y revient ; se distingue du Bounce en ce qu’il ne fait qu’un seul passage et se pose sans heurter de sol.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Termine le mouvement dans [scène] par un « Overshoot » (aussi appelé back ease ou back out) : l’objet dépasse légèrement sa cible, puis revient se poser dessus.
Il ne doit dépasser la cible qu’une seule fois, sans oscillation ensuite : un bounce heurte la cible et rebondit sans la dépasser, et un elastic ease la dépasse plusieurs fois en oscillant.
Fais tenir le mouvement en [durée], et garde un dépassement léger pour qu’il se lise comme de l’énergie plutôt que comme une erreur.

Le mouvement est lu à l’endroit puis à l’envers, de façon répétée ; se distingue de la boucle en ce qu’il ne revient pas d’un saut au début.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Répète le mouvement dans [scène] en « Ping-Pong Loop » (aussi appelé yoyo ou boomerang) : il est lu à l’endroit jusqu’à la fin, puis à l’envers jusqu’au début, et continue ainsi en va-et-vient.
Il ne doit jamais sauter : une boucle revient d’un coup à la première image et redémarre, alors que celui-ci refait son propre chemin en sens inverse.
Maintiens-le pendant [durée], avec un demi-tour en douceur à chaque extrémité pour que le changement de direction évoque une respiration plutôt qu’un choc contre un mur.

Un mouvement d’appoint, plus petit, est joué en parallèle du mouvement principal pour ajouter de la vie sans lui voler la vedette.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute une action secondaire (« Secondary Action ») au mouvement principal dans [scène] : un mouvement d’appoint, plus petit, joué en parallèle (un petit accent, un clignement, une pichenette) pour lui donner plus de vie.
C’est un petit geste à part entière, pas une partie lâche traînée derrière le corps (ça, c’est le follow through), et il ne doit jamais détourner l’attention de l’action principale.
Fais tenir les deux en [durée], et laisse le petit mouvement commencer et finir à l’intérieur du mouvement principal.

Une ou deux images intermédiaires déforment ou dupliquent le sujet le long de sa trajectoire pour simuler un flou de mouvement pendant un mouvement très rapide.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Utilise une « Smear Frame » (aussi appelée smear ou elongated in-between) pour le mouvement rapide dans [scène] : pendant une ou deux images seulement, au milieu du mouvement, étire le sujet le long de sa trajectoire pour qu’il comble l’écart entre les deux positions.
C’est la forme elle-même qui est redessinée (étirée, répétée en plusieurs exemplaires ou suivie de traits de vitesse) plutôt que floutée comme le ferait une caméra, et les images d’avant et d’après restent nettes et non déformées.
Fais tenir tout le mouvement en [durée] et garde-le très rapide, pour que le smear se ressente comme de la vitesse plutôt que de se remarquer comme une forme.

Un mouvement piloté par la physique, qui dépasse la cible et oscille autour d’elle avant de s’immobiliser ; son comportement vient de la raideur, de l’amortissement et de la masse plutôt que d’une courbe fixe.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Pilote le mouvement dans [scène] avec un « Spring » (aussi appelé spring animation ou damped spring) : un ressort simulé tire l’objet vers sa cible, si bien qu’il prend de la vitesse depuis l’arrêt, dépasse la cible et oscille autour d’elle avant de s’immobiliser.
Le mouvement doit venir de la raideur, de l’amortissement et de la masse plutôt que d’une courbe fixe : baisse l’amortissement pour obtenir plus d’oscillations, ou augmente-le jusqu’à ce que l’objet se pose sans aucun dépassement.
Laisse-le s’immobiliser en [durée], et garde les mêmes réglages de ressort sur tous les éléments pour qu’ils semblent faits d’une même matière.

L’objet se comprime et s’allonge tout en conservant son volume, ce qui exprime le poids et la souplesse.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime [scène] avec compression et étirement (« Squash and Stretch ») : l’objet s’aplatit quand il atterrit ou reçoit un coup, et s’allonge dans la direction de son déplacement quand il va vite.
Garde son volume constant (s’il s’élargit, il doit raccourcir, et inversement) et lie chaque changement de forme au mouvement, pour que cela se lise comme du poids et de la souplesse plutôt que comme une oscillation d’élastique jouée sur place.
Fais tenir l’action en [durée], et déforme-le beaucoup pour quelque chose de mou, à peine pour quelque chose de rigide.

La valeur saute par paliers distincts (ou une seule fois, pour un hold) au lieu d’évoluer de façon fluide ; un hold est un seul saut instantané, après quoi la valeur ne bouge plus.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Anime le changement dans [scène] avec des « Steps » (aussi appelés stepped ease ou hold keyframes) : la valeur saute d’une position à la suivante en quelques paliers distincts et reste immobile entre deux, sans mouvement intermédiaire fluide.
Pour un hold, fais un seul saut : l’objet reste en place, passe d’un coup à la nouvelle valeur en un instant et y reste. Ce sont quelques sauts délibérés, pas la saccade fine, image par image, de l’animating on twos.
Répartis les sauts régulièrement sur [durée].

De petits décalages aléatoires, à une fréquence et une amplitude définies, font trembler ou dériver l’objet de façon irrégulière plutôt que le long d’une trajectoire dessinée.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un « Wiggle » (aussi appelé jitter ou random shake) à l’élément dans [scène] : il ne cesse de s’écarter de sa place par petits décalages aléatoires, à une cadence constante et dans une amplitude constante.
Les décalages doivent être irréguliers (un balancement régulier d’un côté à l’autre est un shake, pas un wiggle), et seul cet élément bouge, pas tout le cadre comme avec une caméra à l’épaule.
Maintiens-le pendant [durée], en faisant varier sa position, ou plutôt sa rotation ou son échelle si cela convient mieux à l’élément.

Un texte doté d’une véritable épaisseur tourne ou vole dans l’espace 3D, si bien que ses flancs accrochent la lumière.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], compose le titre en texte 3D (« 3D Extruded Text », aussi appelé 3D text animation ou extruded title) : les lettres ont une véritable épaisseur, et elles tournent ou volent dans l’espace 3D pour que leurs flancs accrochent la lumière.
Ombre les flancs différemment des faces et laisse cet ombrage changer à mesure que le texte tourne : la profondeur doit se lire comme un bloc plein, pas comme une ombre portée plate derrière les lettres.
Fais durer le mouvement [durée], et arrive en douceur sur un angle final où les faces comme les flancs sont visibles.

Une ligne part d’un point d’intérêt vers une étiquette ou un encadré qui apparaît en pop, pour désigner une partie de l’image ; se distingue du synthé parce qu’il vise un endroit précis à l’intérieur de l’image.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un « Callout » (aussi appelé callout line ou sketch callout) dans [scène] : une ligne part d’un point d’intérêt de l’image vers une étiquette qui apparaît en pop à son extrémité.
Ancre la ligne sur l’endroit exact dont il est question, trace d’abord la ligne et fais entrer l’étiquette ensuite : contrairement à un synthé, qui occupe une bande fixe en bas, un callout désigne quelque chose à l’intérieur de l’image. Pour une version façon croquis, trace un cercle autour de l’endroit ainsi que la ligne, comme à la main.
Fais-le durer [durée], garde une ligne fine pour qu’elle ne cache pas l’image, et maintiens l’étiquette assez longtemps pour qu’on puisse la lire.

Un cercle ou un anneau s’étend rapidement à partir d’un point puis s’estompe, ajoutant un accent derrière un élément qui arrive.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], accentue l’arrivée d’un élément avec un « Circle Burst » (aussi appelé circle pop ou ring burst) : un anneau s’étend rapidement à partir du centre de l’élément et s’estompe derrière lui.
Laisse l’anneau s’affiner à mesure qu’il grandit et fais en sorte qu’il ait disparu au moment où l’élément s’est posé : contrairement à un line burst, l’accent est un seul anneau fermé, pas des traits séparés qui jaillissent vers l’extérieur.
Fais tenir le tout en [durée], rapide au départ puis ralentissant en douceur, et déclenche-le au moment où l’élément apparaît.

Une colonne de noms à plat défile régulièrement vers le haut (ou latéralement pour les staff rolls), à vitesse constante.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Termine [scène] par un générique déroulant (« Credit Roll », aussi appelé credit crawl, staff roll ou end credits scroll) : une colonne de noms à plat défile régulièrement vers le haut du cadre.
Garde une vitesse constante du début à la fin, et un texte à plat et de même taille tout du long : contrairement à un title crawl, rien ne s’incline vers l’arrière ni ne rapetisse au loin. Pour une version staff roll, fais plutôt défiler les noms latéralement à travers le cadre.
Fais-le durer [durée], assez lentement pour que chaque ligne puisse être lue à son passage.

Le sous-titre complet reste à l’écran tandis que chaque mot s’illumine au moment où il est prononcé ; se distingue des Pop Captions parce que le texte n’apparaît ni ne disparaît jamais mot à mot.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise des sous-titres karaoké (« Karaoke Captions », aussi appelés word highlight captions ou karaoke subtitles) : tout le sous-titre reste à l’écran et chaque mot s’illumine au moment où il est prononcé.
Seule la surbrillance se déplace de mot en mot : contrairement aux pop captions, aucun mot n’apparaît ni ne disparaît. Marque le mot prononcé par un changement de couleur, un bloc derrière lui, un léger agrandissement ou un petit rebond.
Cale les surbrillances sur la parole pendant [durée], et garde le sous-titre dans la partie basse du cadre, à l’écart du sujet.

De courts traits rayonnent vers l’extérieur à partir d’un point ou d’un élément, puis se rétractent ou s’estompent ; sert d’accent quand quelque chose apparaît en pop.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], accentue l’arrivée d’un élément avec un « Line Burst » (aussi appelé radial line burst ou shape burst) : de courts traits jaillissent vers l’extérieur tout autour de l’élément, puis se rétractent ou s’estompent.
Répartis les traits régulièrement autour de l’élément, et laisse chacun grandir depuis son extrémité intérieure et disparaître vers son extrémité extérieure : contrairement à un circle burst, l’accent est une couronne de rayons séparés, pas un seul cercle fermé. Pour une version polygone, projette de petites formes vers l’extérieur à la place des traits.
Fais tenir le tout en [durée], rapide et nerveux, et déclenche-le au moment où l’élément apparaît en pop.

La courbe d’un graphique se trace le long de ses points de données, de gauche à droite, un marqueur apparaissant en pop à chaque point.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], montre une tendance avec un « Line Chart Draw » (aussi appelé line graph draw-on) : la courbe du graphique se trace d’elle-même de gauche à droite le long de ses points de données, et un marqueur apparaît en pop sur chaque point quand la courbe l’atteint.
Garde les axes et le quadrillage immobiles et déjà en place, pour que seuls la courbe et ses marqueurs bougent : contrairement à un map route, rien ne voyage le long de la courbe ; chaque marqueur reste sur son propre point de données.
Trace-la en [durée], à un rythme régulier, et cale le pop de chaque marqueur sur le moment où la courbe arrive.

Les formes et le texte s’étirent, ondulent et coulent comme de l’eau, avec des bords lisses qui oscillent ; se distingue du Blob Morph parce qu’il déforme le visuel réel plutôt qu’une forme isolée.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], anime le visuel en « Liquid Motion » (aussi appelé liquid animation, fluid motion ou fluid simulation) : les formes et le texte s’étirent, ondulent et coulent comme de l’eau, avec des bords lisses qui oscillent.
Déforme le visuel lui-même plutôt qu’un blob séparé : laisse chaque partie se comprimer et s’étirer comme si elle avait du volume, projeter des gouttes qui retombent et fusionnent, et coller un instant à ses voisines quand elles se touchent.
Fais-le durer [durée], et laisse l’oscillation s’apaiser progressivement jusqu’à ce que le visuel soit de nouveau net et immobile.

Des éléments arrivent en volant ou en dérivant et convergent pour former le logo final ; se distingue d’une simple révélation parce que le logo s’assemble à la fin du mouvement.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], fais entrer le logo avec un « Logo Resolve » : des éléments séparés arrivent en volant ou en dérivant depuis des endroits différents et convergent jusqu’à s’emboîter pour former le logo fini.
Garde le logo illisible jusqu’à la toute fin : contrairement à une simple animation de logo, où le logo est dévoilé sur place, ici il n’existe qu’une fois la dernière pièce arrivée. Fais partir les pièces dispersées, tournées et à des tailles différentes, et décale leurs arrivées.
Sur [durée], consacre l’essentiel du temps à la convergence, puis laisse le logo assemblé se poser et rester fixe.

Une courte séquence qui amène un logo de marque par le mouvement ; c’est le terme générique pour la plupart des animations de logo, bumper et ident désignant les formats courts de diffusion.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Termine [scène] sur le logo de la marque avec une animation de logo (« Logo Reveal », aussi appelée logo sting, logo intro, logo animation, ident, logo bumper, logo build ou logo assemble) : une courte séquence dans laquelle le logo apparaît en mouvement puis reste fixe.
Choisis un seul traitement et n’en change pas : un volet et un glissement épurés, des particules qui se rassemblent pour former le logo, une éclaboussure liquide dont il émerge, un glitch qui se met en place d’un coup sec, des tubes néon qui s’allument en clignotant, ou un travelling circulaire en 3D qui vient se placer face au spectateur. Contrairement à un logo resolve, le logo est dévoilé là où il se trouve plutôt qu’assemblé à partir de pièces qui arrivent en volant.
Fais tenir toute l’animation en [durée], et laisse le logo fini immobile à l’écran assez longtemps pour qu’on le retienne.

Un habillage affichant un nom ou un titre entre dans la partie basse du cadre par glissement, volet ou fondu, reste en place, puis sort en animation sans recouvrir l’image principale.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un synthé (« Lower Third », aussi appelé chyron, name strap, super, aston ou CG) dans [scène] : un habillage affichant un nom et un titre entre en animation dans la partie basse du cadre, reste en place, puis ressort en animation.
Garde-le dans la bande du bas et décalé sur un côté pour qu’il ne recouvre jamais l’image principale : contrairement à un callout, il ne désigne rien à l’intérieur de l’image. Fais-le entrer par un glissement ou un volet, et fais-le sortir de la même façon, en sens inverse.
Fais tenir l’entrée, la tenue et la sortie en [durée], avec une tenue assez longue pour lire les deux lignes.

Une ligne se trace d’elle-même le long d’un itinéraire entre des lieux sur une carte tandis qu’un marqueur la parcourt.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], retrace un voyage avec un « Map Route » (aussi appelé map route animation ou travel route) : une ligne se trace d’elle-même le long de l’itinéraire entre deux lieux sur une carte tandis qu’un marqueur la parcourt.
Garde le marqueur sur la pointe avant de la ligne et oriente-le dans le sens de sa marche à chaque virage : contrairement à un line chart draw, il n’y a ni axes ni points de données, juste un voyageur qui va d’un lieu à l’autre.
Fais durer le trajet [durée], avec un départ et une arrivée en douceur, et marque la destination quand le marqueur y parvient.

Un calque plat, comme un écran ou une carte, est incliné vers l’arrière en 3D, si bien qu’il fuit vers l’un de ses bords et gagne en profondeur ; c’est le calque qui s’incline, pas la caméra.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un « Perspective Tilt » à un écran ou une carte à plat : il s’incline vers l’arrière en 3D, si bien qu’un bord fuit au loin et que le calque gagne en profondeur.
Incline le calque lui-même et laisse tout ce qui est derrière lui exactement où il est : contrairement à un panoramique vertical de caméra, le reste de l’image ne doit pas bouger. Laisse le bord éloigné rétrécir et le bord proche grandir pour que la perspective se lise clairement.
Fais durer l’inclinaison [durée], avec un départ et une arrivée en douceur, et arrête-toi à un angle où le contenu du calque reste lisible.

Les sous-titres apparaissent un mot ou un court groupe de mots à la fois, chacun surgissant en pop au moment où il est prononcé et remplaçant le précédent.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Sous-titre [scène] avec des « Pop Captions » (aussi appelés build captions ou word-by-word captions) : affiche un mot ou un court groupe de mots à la fois, chacun surgissant en pop au moment où il est prononcé et remplaçant le précédent.
Garde chaque mot au même endroit pour que l’œil n’ait jamais à se déplacer : contrairement aux sous-titres karaoké, la phrase complète n’est jamais à l’écran d’un seul coup. Donne à chaque mot un agrandissement rapide avec un léger overshoot.
Cale les mots sur la parole pendant [durée], et garde-les grands, en gras et à l’écart du sujet.

Un élément grandit à partir de zéro avec un léger overshoot puis se pose ; c’est l’arrivée énergique utilisée aussi bien pour les mots que pour les formes.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], fais entrer un élément avec un « Pop-In » (aussi appelé scale pop, pop, text pop ou line pop) : il grandit à partir de rien, dépasse légèrement sa taille finale puis s’y pose.
Fais-le grandir depuis son propre centre, sur place, et garde un dépassement léger pour qu’il se lise comme une arrivée pleine de ressort : rien n’arrive en volant ou en glissant depuis un autre endroit. Utilise le même mouvement pour un mot, une forme ou une ligne ; une ligne surgit dans le sens de sa longueur.
Fais tenir chaque pop en [durée], rapide dès le départ et vite posé, et décale plusieurs éléments pour qu’ils arrivent l’un après l’autre.

De nombreuses lignes de texte, de commentaires ou de données brutes tombent en cascade, défilent ou pleuvent sur l’écran pour former une texture.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Remplis [scène] de « Streaming Text » (aussi appelé text rain ou data cascade) : de nombreuses lignes de texte, de commentaires ou de données brutes se déversent sur l’écran et se lisent comme une texture en mouvement.
Superpose des lignes de tailles différentes qui avancent à des vitesses différentes pour que l’ensemble ait de la profondeur, et ne t’arrête jamais sur une ligne en particulier : personne n’est censé le lire, seulement en ressentir la masse.
Fais-le durer [durée], à un débit régulier, et garde-le assez sombre pour qu’il reste derrière ce qui est devant.

Un mot ou une lettre se transforme en un autre en changeant de forme, de police ou de graisse sur place, plutôt que par simple remplacement.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], transforme un mot ou une lettre en un autre avec un « Text Morph » (aussi appelé text morphing, fluid typography ou liquid morphing text) : les lettres se remodèlent sur place jusqu’à devenir les nouvelles.
Amène chaque trait en continu de son ancienne forme à la nouvelle : rien ne disparaît en fondu, ne coupe ni ne se remplace, si bien que le spectateur voit une forme devenir l’autre. Fais le morphing d’une lettre à une autre, fais varier la graisse ou la police d’un même mot, ou laisse les formes fondre ensemble puis se figer à nouveau comme un liquide.
Fais tenir le changement en [durée], et maintiens chaque mot assez longtemps pour qu’on puisse le lire avant et après le morphing.

Le texte est posé sur un tracé courbe et le parcourt : il entre, tourbillonne et sort en suivant la courbe.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], anime une ligne de texte curviligne (« Text on Path », aussi appelé text path animation ou text along path) : le texte est posé sur un tracé courbe et le parcourt, en entrant, en tourbillonnant dans les virages puis en sortant.
Garde chaque lettre debout sur la courbe et tournant avec elle au fil de son avancée, pour que la ligne de texte se courbe comme un ruban au lieu de traverser en glissant comme un bloc rigide.
Fais durer le passage [durée], à un débit régulier, et garde un tracé en une seule courbe ample et fluide pour que les lettres restent lisibles dans les virages.

Des paragraphes de texte défilent vers le haut, inclinés vers l’arrière en perspective, en rapetissant vers un point de fuite ; se distingue du générique déroulant, qui reste à plat.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ouvre [scène] par un « Title Crawl » (aussi appelé opening crawl, roll-up ou scrolling typography) : des paragraphes de texte défilent vers le haut, inclinés vers l’arrière en perspective, en rapetissant vers un point de fuite.
Pose le texte sur une surface qui s’incline en s’éloignant du spectateur, pour que les lignes entrent grandes en bas et s’estompent, petites, au loin, contrairement à un générique déroulant, qui reste à plat et de même taille tout du long.
Fais-le durer [durée], à un rythme régulier, assez lentement pour que chaque ligne puisse être lue avant de s’éloigner.

Des barres, des lignes ou des formes bougent au rythme du volume et des fréquences d’une bande-son.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un visualiseur audio (« Audio-Reactive Visualizer », aussi appelé audio visualizer, music visualizer, audio spectrum ou waveform animation) dans [scène] : des barres, des lignes ou des formes qui bougent au rythme de la bande-son.
Pilote le mouvement à partir de l’audio lui-même (les moments plus forts poussent les formes plus loin et des fréquences différentes font bouger des parties différentes), pour que chaque temps se traduise par un saut visible et que les passages calmes s’apaisent ; un égaliseur qui se contente de pulser sur un rythme fixe ne réagit à rien.
Garde-le actif pendant [durée], avec une montée rapide à chaque impact et une retombée plus lente ensuite.

Les zones lumineuses diffusent un halo doux sur ce qui les entoure, et ce halo peut pulser, si bien que les objets, le texte ou les formes semblent émettre de la lumière.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], ajoute un « Bloom » (aussi appelé glow effect) sur les zones lumineuses : laisse leur lumière déborder de leurs contours en un halo doux, pour qu’elles semblent émettre de la lumière.
Le halo appartient à l’objet lumineux et se déplace avec lui, en s’estompant progressivement sans bord dur, contrairement à une fuite de lumière, qui déferle depuis le bord du cadre, ou à un lens flare, qui ajoute des anneaux et des traînées.
Maintiens-le pendant [durée] et laisse le halo respirer doucement, en gonflant puis en retombant comme une pulsation lente.

Le temps semble presque arrêté tandis que le point de vue tourne autour de l’action figée ; contrairement à l’arrêt sur image, la caméra continue de bouger.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un « Bullet Time » (aussi appelé time slice ou frozen moment) : au plus fort de l’action, le temps s’arrête presque tandis que la caméra tourne autour du sujet.
Le sujet doit rester suspendu, presque immobile, tandis que les calques proches et lointains glissent les uns par rapport aux autres à mesure que le point de vue se déplace : si la caméra s’arrête elle aussi, ce n’est qu’un arrêt sur image.
Le tout dure [durée] : marque l’arrêt brusquement, puis garde un mouvement tournant fluide et régulier.

Une photographie fixe dans laquelle un seul élément bouge en boucle parfaite, si bien que le reste du cadre reste figé.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Transforme [scène] en « Cinemagraph » (aussi appelé video snapshot) : une photographie fixe dans laquelle un seul élément continue de bouger.
Maintiens tout le reste parfaitement figé et laisse cet unique élément se répéter en boucle parfaite, sans saut visible là où il recommence : si rien ne bouge du tout, ce n’est qu’un arrêt sur image.
Laisse la boucle tourner pendant [durée], et choisis un petit mouvement qui se répète naturellement pour que l’immobilité autour de lui ressorte.

La compression vidéo est détournée (suppression des images I), si bien que le mouvement du clip suivant entraîne et fait fondre les pixels du précédent, produisant des blocs étalés qui bavent.

C’est pour une vidéo de motion graphics. À la coupe entre les deux plans dans [scène], utilise un « Datamosh » (aussi appelé datamoshing) : au lieu de basculer proprement, laisse l’ancienne image rester à l’écran et se faire bousculer par le mouvement du nouveau plan, comme si la vidéo compressée avait perdu son image clé.
L’image résiduelle doit s’étaler et baver par blocs dans la direction du mouvement, en fondant morceau par morceau jusqu’à ce que le nouveau plan soit entièrement là : une fonte lente à l’endroit d’une coupe, contrairement à un glitch, qui déchire l’image un instant puis revient d’un coup.
Laisse la fonte se dérouler sur [durée], puis laisse le nouveau plan propre.

L’image ondule comme si on la voyait à travers de l’air chaud ou de l’eau, parce que ses pixels sont déplacés par une carte de bruit en mouvement.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute une « Displacement Distortion » (aussi appelée heat haze, heat shimmer ou turbulent displacement) dans [scène] : fais onduler l’image comme si on la voyait à travers de l’air chaud, en déplaçant ses pixels avec une carte de bruit qui dérive sans cesse.
Tout reste où il est et ne fait que se tordre et osciller doucement sur place ; le plan ne change pas, c’est ce qui la distingue d’un ripple dissolve.
Maintiens le miroitement pendant [durée], avec un bruit qui monte lentement pour que l’oscillation ne se répète ni ne se fige jamais.

Des copies des images précédentes sont mélangées derrière l’image courante, si bien qu’un sujet en mouvement laisse derrière lui une traînée de lui-même qui s’estompe ; se distingue du flou de mouvement en ce que les copies restent distinctes au lieu de s’étaler en continu.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un écho (« Echo », aussi appelé ghosting, trails ou motion trails) au sujet en mouvement dans [scène] : des copies de ses images précédentes s’attardent derrière lui et s’estompent.
Chaque copie doit rester un fantôme distinct et lisible, échelonné en arrière le long de la trajectoire, d’autant plus pâle qu’il est ancien : une traînée continue serait un flou de mouvement.
Fais-le durer [durée], et laisse la traînée rattraper le sujet et disparaître une fois qu’il s’immobilise.

La vidéo est lue à une vitesse constante, plus rapide que le temps réel, si bien que les mouvements paraissent précipités ou comiques ; contrairement au Time-Lapse, il s’agit simplement d’une vidéo continue accélérée, et non d’images prélevées à longs intervalles.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Passe [scène] en accéléré (« Fast Motion », aussi appelé undercranking).
Lis la vidéo continue à une seule vitesse constante, plus rapide que le temps réel, pour que l’action paraisse précipitée et un peu comique tout en restant fluide : un time-lapse sauterait au contraire de longs intervalles entre les images.
Fais tenir toute l’action en [durée], sans changer de vitesse en cours de route.

La vidéo en mouvement s’arrête soudain sur une seule image, maintenue comme une photographie ; se distingue du Bullet Time parce que plus rien ne continue de bouger.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Arrête l’action dans [scène] par un arrêt sur image (« Freeze Frame », aussi appelé stop-frame ou hold frame) : la vidéo en mouvement se fige sur une seule image, maintenue comme une photographie.
Rien ne doit bouger pendant la tenue, ni le sujet ni la caméra : si le point de vue continue de se déplacer autour de l’instant figé, c’est un bullet time.
Le tout dure [durée] ; passe à l’image figée brusquement, en pleine action, et laisse-la assez longtemps pour qu’on puisse la lire.

L’image se casse brièvement comme lors d’une erreur numérique ou analogique, avec des distorsions, de la pixellisation et des décalages brusques ; c’est la grande famille qui inclut l’aberration chromatique et le Datamosh.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], déclenche un « Glitch Effect » (aussi appelé digital glitch, glitch art ou glitch transition) : pendant un instant, l’image se casse comme lors d’une erreur de signal, puis revient d’un coup comme si de rien n’était.
Déchire-la en bandes horizontales qui sautent latéralement, sépare les couleurs sur les parties déchirées, glisse quelques blocs parasites et secoue tout le cadre, en changeant brusquement d’une image à l’autre, jamais en douceur. Il arrive par courtes salves ; une texture usée constante serait plutôt un VHS look.
Sur [durée], garde chaque salve brève, et évite de faire clignoter tout le cadre entre clair et sombre.

Un time-lapse dans lequel la caméra parcourt en plus une longue distance entre les images, si bien que le spectateur glisse rapidement à travers l’espace ; un time-lapse sur trépied reste sur place.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Montre [scène] en « Hyperlapse » : un time-lapse dans lequel la caméra elle-même parcourt une longue distance entre les images.
Le spectateur doit glisser rapidement à travers l’espace vers un point fixe tandis que le décor défile par petits paliers et que la lumière change à mesure que le temps file : un time-lapse sur trépied resterait au même endroit.
Parcours tout le trajet en [durée], et garde la cible verrouillée au même endroit du cadre pour que le déplacement paraisse fluide.

Une tranche de l’image est reflétée et répétée en rotation pour former un motif radial symétrique, qui tourne et se transforme à mesure que la source bouge.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un kaléidoscope (« Kaleidoscope », aussi appelé kaleidoscope effect) : une tranche de l’image en forme de part de gâteau est reflétée et répétée autour du centre du cadre.
Le résultat doit être un motif radial symétrique dans lequel chaque part est l’image miroir de ses voisines, et le motif doit tourner et se remodeler à mesure que la vidéo source bouge en dessous : un cadre qui rétrécit en lui-même encore et encore, c’est un video feedback, pas ça.
Garde-le actif pendant [durée], et laisse le motif pivoter lentement pour qu’il ne reste jamais immobile.

Des étoiles, des anneaux et des traînées de lumière diffusée apparaissent et glissent quand une source lumineuse passe devant l’objectif ; l’effet est ajouté numériquement aux graphismes comme à la vidéo.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un « Lens Flare » dans [scène] : quand une source de lumière vive traverse le cadre, montre la lumière qui se diffuse à l’intérieur de l’objectif, avec une étoile et une longue traînée sur la source elle-même, et un chapelet d’anneaux et de disques doux alignés sur la droite qui part de la source et passe par le centre du cadre.
Le chapelet doit glisser quand la source se déplace, les reflets les plus éloignés allant dans le sens opposé : cette lumière qui glisse et qui a une forme, c’est ce qui le distingue d’une fuite de lumière, qui n’est qu’un voile informe venu du bord.
Fais durer le passage de la source [durée], et fais apparaître puis disparaître le flare en fondu quand elle entre dans le cadre et en sort.

De doux voiles chauds de lumière orange, rouge ou magenta s’épanouissent depuis les bords du cadre, puis dérivent ou vacillent, imitant une lumière parasite qui atteint la pellicule ; contrairement au Lens Flare, il n’y a ni anneaux ni étoiles.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Pose une fuite de lumière (« Light Leak », aussi appelée film burn) par-dessus [scène] : un voile doux et chaud de lumière orange, rouge ou magenta qui s’épanouit depuis le bord du cadre, comme si une lumière parasite avait atteint la pellicule.
Garde-la informe et floue, attachée au cadre plutôt qu’à quoi que ce soit dans l’image, sans anneaux, ni traînées, ni étoiles : ceux-là appartiennent à un lens flare. La vidéo continue de défiler en dessous.
Sur [durée], laisse-la gonfler depuis un bord, dériver un peu, puis s’estomper de nouveau.

Une image ou une forme se déforme en douceur pour devenir une autre, tout en passant de l’une à l’autre en fondu enchaîné.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un « Morphing » (aussi appelé image morph ou morph) : un sujet se déforme en douceur pour devenir un autre pendant que les deux images passent de l’une à l’autre en fondu enchaîné.
Le contour doit se déformer en continu de la première forme vers la seconde pendant que la surface se mélange de l’une à l’autre, pour que cela se lise comme une seule chose qui se transforme : un simple fondu enchaîné ne ferait que fondre une image sur l’autre sans rien remodeler.
Fais durer le changement [durée], et reste sur chaque sujet avant et après pour que le spectateur puisse lire en quoi il s’est transformé.

Les objets qui bougent vite sont étalés le long de leur trajectoire, comme s’ils étaient filmés avec un temps de pose plus long, ce qui rend fluides les mouvements rapides ; contrairement à l’écho, c’est une traînée continue, pas des copies séparées.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute du flou de mouvement (« Motion Blur », aussi appelé motion smear) aux mouvements rapides dans [scène] : tout ce qui bouge vite doit filer le long de sa propre trajectoire, comme si l’obturateur restait ouvert pendant son déplacement.
Ne floute que ce qui bouge, dans la direction du mouvement, en une seule traînée continue qui s’allonge avec la vitesse : pas des copies séparées à la traîne, ce qui est un écho, ni tout le cadre, ce qui est un panoramique filé. Tout ce qui reste immobile reste net.
Garde-le actif pendant [durée], avec un grand angle d’obturation pour des traînées longues et douces, ou un petit pour des traînées courtes et nettes.

Une petite fenêtre vidéo incrustée est lue par-dessus l’image principale et peut être déplacée ou redimensionnée.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute une image dans l’image (« Picture-in-Picture », aussi appelée PiP ou TV in TV) dans [scène] : une petite fenêtre incrustée lit une seconde vidéo par-dessus l’image principale.
Les deux images doivent continuer d’être lues en même temps, et l’image principale remplit toujours tout le cadre derrière la fenêtre : si le cadre est divisé en panneaux placés côte à côte, c’est un écran partagé.
Sur [durée], fais entrer la fenêtre dans un coin, puis déplace-la ou redimensionne-la pour qu’elle reste à l’écart de ce qui compte dans l’image principale.

L’image est décomposée en gros carrés visibles ; animer la taille des blocs la fait se dissoudre en pixels grossiers ou en émerger. Une pixellisation statique seule donne le rendu d’une mosaïque de censure.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique une pixellisation (« Pixelate », aussi appelée mosaic ou pixelation) : décompose l’image en une grille de gros carrés en aplat, chacun rempli de la couleur unique de ce qui se trouve dessous.
Anime la taille des blocs par paliers nets : laisse l’image nette se dissoudre en blocs grossiers, maintiens cet état pendant que la vidéo continue de défiler en dessous, puis reviens au net. Si elle reste à une seule taille de bloc, sans changement, ce n’est qu’une mosaïque de censure.
Fais durer tout l’effet [durée], et garde les carrés alignés sur une seule grille fixe pour qu’ils ne flottent pas.

La vidéo est lue à l’envers, si bien que ce qui était cassé se reconstitue et que les mouvements se défont.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Passe [scène] en marche arrière (« Reverse Motion », aussi appelée reverse ou reverse action) : la vidéo est lue à l’envers.
Chaque mouvement doit se défaire en suivant exactement le chemin qu’il avait pris (ce qui est tombé remonte, ce qui s’est dispersé se rassemble), au rythme auquel il s’était produit à l’origine.
Fais tenir le tout en [durée], et n’ajoute aucun easing de ton cru pour que cela se lise comme le temps qui se rembobine plutôt que comme un nouveau mouvement.

Les canaux rouge, vert et bleu sont décalés, si bien que des franges colorées apparaissent sur les contours, souvent en pulsant ou en claquant sur les impacts ; un défaut d’objectif détourné en effet de style.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute une aberration chromatique (« RGB Split », aussi appelée chromatic aberration, color fringing ou channel split) dans [scène] : écarte latéralement les canaux de couleur pour que chaque contour prenne une frange colorée de chaque côté.
C’est tout l’effet : l’image elle-même reste intacte et en place. Rien ne se déchire, ne saute ni ne se casse en blocs, ce qui en ferait un vrai glitch.
Sur [durée], écarte les canaux d’un coup sec à chaque impact et laisse-les se rejoindre en dérivant, pour finir parfaitement alignés.

Un anneau ou un dôme file vers l’extérieur à partir d’un point d’impact, en déformant souvent l’image derrière lui à son passage.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute une onde de choc (« Shockwave », aussi appelée shock wave) à l’impact dans [scène] : un anneau file vers l’extérieur à partir du point de l’impact.
À son passage, il doit tordre et pousser l’image derrière lui, puis s’affiner et s’estomper : un anneau qui se contente de décorer un élément et laisse l’image intacte est un circle burst.
Déclenche-la sur l’image exacte de l’impact et laisse-la traverser le cadre en [durée], rapide au début puis ralentissant à mesure qu’elle s’étend.

La lumière ou l’image est étirée en longues traînées fluides, car l’image est exposée à travers une fente mobile, ce qui donne un tunnel de couleur psychédélique.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un rendu « Slit-Scan » (aussi appelé star gate effect) : l’image est exposée à travers une fente étroite qui traverse le cadre, si bien que chaque bande de l’image provient d’un instant différent.
Tout ce qui bouge doit s’étirer en longues traînées fluides qui se courbent le long de sa trajectoire, tandis que tout ce qui reste immobile reste net : des copies fantômes séparées seraient un écho, et un étalement uniforme dans la direction du déplacement est un flou de mouvement.
Laisse les traînées se former puis se résorber sur [durée], et déplace la fente à un rythme régulier pour que l’étirement reste continu.

L’action est lue à une vitesse constante, plus lente que le temps réel, si bien que les détails et le poids deviennent visibles ; se distingue du Speed Ramp en ce que la vitesse ne change pas.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Passe [scène] au ralenti (« Slow Motion », aussi appelé slo-mo ou overcranking).
Maintiens une seule vitesse constante, plus lente que le temps réel, de la première image à la dernière, pour que le poids et les détails deviennent visibles : si la vitesse change en cours de route, c’est un speed ramp.
Étire l’instant sur [durée], et garde un mouvement fluide, sans saccade entre les images.

La vitesse de lecture glisse en douceur entre des vitesses très différentes à l’intérieur d’un même plan (par exemple lent, puis une accélération soudaine, puis lent à nouveau), contrairement au ralenti ou à l’accéléré, qui gardent une seule vitesse constante.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un « Speed Ramp » (aussi appelé speed ramping ou time remapping).
Démarre lentement, accélère franchement au milieu, puis reviens à une vitesse lente, en changeant de vitesse en douceur plutôt que par paliers.
Fais tenir le tout en [durée], et place le passage rapide sur la partie que tu veux expédier, pour que les parties lentes tombent sur ce que le spectateur doit remarquer.

Le cadre est divisé en deux panneaux ou plus qui montrent des actions ou des points de vue simultanés, avec la possibilité d’animer l’entrée ou la sortie des séparateurs.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Montre [scène] en écran partagé (« Split Screen ») : le cadre est divisé en panneaux, chacun lisant sa propre image en même temps.
Chaque panneau doit contenir une action ou un point de vue différent et rester en mouvement, avec des séparateurs nets entre eux et aucune image qui en recouvre une autre : une petite fenêtre flottant par-dessus une image plein cadre serait une image dans l’image.
Sur [durée], fais entrer les séparateurs en glissant pour diviser le cadre, puis laisse les panneaux se lire côte à côte.

Le mouvement avance par à-coups visibles, à une cadence d’images basse (par exemple 8 à 12 par seconde), imitant une animation photographiée image par image.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un « Stop Motion Look » (aussi appelé stepped animation ou posterize time look).
Le mouvement doit avancer par à-coups visibles et saccadés, à une cadence d’images basse, chaque pose étant maintenue un instant comme si elle était photographiée une image à la fois : l’image reste affichée tout du long, contrairement à un effet stroboscopique.
Fais-le durer [durée], à son rythme normal, en gardant le même rythme saccadé du début à la fin.

L’image apparaît par flashs rapides, tour à tour allumée et éteinte, si bien que le mouvement semble figé en poses distinctes et saccadées (ou que des roues semblent immobiles ou tourner à l’envers).

C’est pour une vidéo de motion graphics. Ajoute un effet stroboscopique (« Strobe Effect », aussi appelé stroboscopic effect) dans [scène] : le sujet en mouvement n’apparaît que par flashs rapides, tour à tour allumé et éteint.
Chaque flash doit saisir le mouvement figé dans une pose distincte, sans que rien n’en soit visible entre deux : un stop motion look garde l’image affichée et ne fait que baisser la cadence d’images.
Fais-le durer [durée], et garde un clignotement doux et limité au sujet pour qu’il ne tourne jamais au scintillement agressif en plein écran.

Des phénomènes réels lents (nuages, croissance, foules) semblent se dérouler à grande vitesse parce que les images ont été capturées à longs intervalles, ce qui donne un rendu fluide, par paliers.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Montre [scène] en « Time-Lapse » (aussi appelé time-lapse photography) : la caméra reste fixe tandis que des changements lents défilent à toute vitesse.
La lumière, les ombres, les nuages ou la croissance doivent s’écouler rapidement, avec une légère impression de paliers, comme si les images avaient été prises à de longs intervalles : une action continue accélérée, c’est un accéléré, et une caméra qui se déplace entre les images en fait un hyperlapse.
Condense tout le changement en [durée].

Un calque sert de fenêtre mobile (par sa transparence ou sa luminosité) qui révèle l’image située dessous ; c’est typiquement un texte ou une forme qui fait apparaître le contenu à la manière d’un volet.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], utilise un « Track Matte Reveal » (aussi appelé matte reveal, alpha matte ou luma matte) : un calque de texte ou de forme distinct sert de fenêtre, et l’image située dessous n’apparaît qu’à l’intérieur.
Anime la fenêtre elle-même pour qu’elle se déplace et découvre différentes parties de l’image, tandis que l’image du dessous continue d’être lue sur place et que tout ce qui est hors de la fenêtre reste vide : un shape wipe remplacerait au contraire un plan par le suivant.
Fais-le durer [durée], et découpe la fenêtre soit par la transparence du calque de cache pour un bord net, soit par sa luminosité pour un bord doux et dégradé.

La vidéo est dégradée pour ressembler à une cassette vidéo usée : lignes de balayage horizontales, bavures de couleur, bruit et tracking qui tremblote, généralement dans un cadre 4:3.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un « VHS Look » (aussi appelé VHS effect ou analog tape look) : dégrade la vidéo pour qu’elle se lise comme une cassette vidéo usée.
Superpose les défauts de bande : de fines lignes de balayage horizontales, une couleur qui bave doucement d’un côté, un bruit de bande moucheté, et une erreur de tracking qui entraîne une bande de l’image sur le côté pendant que tout le cadre tremblote. C’est une texture constante sur tout le plan, pas une cassure momentanée comme un glitch.
Maintiens-le pendant [durée], du début à la fin, et recadre au format plus carré d’un vieux téléviseur si la mise en page le permet.

L’image se recapture elle-même encore et encore, créant des tunnels tourbillonnants qui s’enfoncent à l’infini, comme des miroirs face à face.

C’est pour une vidéo de motion graphics. Dans [scène], applique un « Video Feedback » (aussi appelé feedback loop) : l’image se recapture elle-même, si bien qu’une copie plus petite de tout le cadre se trouve à l’intérieur du cadre, une autre à l’intérieur de celle-ci, et ainsi de suite, en s’enfonçant comme entre des miroirs face à face.
Chaque copie doit avoir un léger temps de retard sur celle qui l’entoure et être légèrement tournée, pour que tout mouvement se propage vers l’intérieur et que le tunnel tourbillonne : des copies à la traîne du seul sujet en mouvement seraient un écho.
Laisse le tunnel se former et se tordre sur [durée].