Términos de motion graphics en vivo. Prompts listos para pegar.

Unas capas planas colocadas a distintas profundidades en un espacio 3D se ven a través de una cámara, de modo que cada capa se mueve de forma distinta cuando la cámara se desplaza.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Construye [escena] con una "2.5D Camera" (también llamada multiplane camera o 2.5D effect): corta la ilustración en capas planas, colócalas a distintas profundidades en un espacio 3D y mueve una cámara virtual entre ellas.
Cada capa debe seguir siendo una lámina plana mientras las capas se deslizan unas respecto a otras al avanzar la cámara, las cercanas más rápido que las lejanas; desplazar de lado una única imagen plana no daría ninguna profundidad.
Haz que el movimiento de cámara dure [duración], lento y flotante, y deja que derive en más de una dirección para que el espacio se sienta real.

La cámara, montada en un brazo, sube o baja describiendo un arco, a menudo con una panorámica vertical para mantener al sujeto en el encuadre; es más amplio que un simple travelling vertical.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un plano de grúa ("Crane Shot", también llamado jib shot o boom shot): la cámara sube o baja trazando un arco amplio, como si fuera en el extremo de un brazo largo.
La cámara debe inclinarse a medida que se desplaza para que el sujeto siga dentro del encuadre mientras el suelo y el fondo se abren a su alrededor; un travelling vertical solo eleva la cámara en línea recta sin que deje de estar nivelada.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del recorrido para que resulte majestuoso y pausado.

Un zoom que se completa en unos pocos fotogramas, de modo que se percibe como una sacudida repentina y no como un acercamiento suave.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un "Crash Zoom" (también llamado snap zoom o whip zoom): la lente hace un zoom de acercamiento al sujeto, o de alejamiento, casi al instante.
Debe llegar como una sacudida repentina en unos pocos fotogramas y después quedarse quieto; un acercamiento suave y gradual sería un zoom corriente.
Todo el momento dura [duración]; mantén el encuadre fijo antes y después para que el golpe de zoom destaque.

El cuerpo de la cámara avanza o retrocede, de modo que las capas cercanas crecen más rápido que las lejanas; a diferencia de un zoom, la perspectiva cambia.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Dolly" (también llamado push in, pull out o dolly shot): toda la cámara se desplaza hacia el sujeto o se aleja de él.
Las capas cercanas deben crecer más rápido que las lejanas para que la perspectiva cambie a medida que la cámara se mueve; eso es lo que lo distingue de un zoom, que escala todo por igual.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

El dolly y el zoom van en sentidos opuestos, de modo que el sujeto conserva su tamaño mientras el fondo se estira o se comprime.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un travelling compensado ("Dolly Zoom", también llamado vertigo effect, zolly o Hitchcock zoom): la cámara se desplaza hacia el sujeto o se aleja de él mientras la lente hace zoom en sentido contrario.
El sujeto debe conservar exactamente el mismo tamaño en el encuadre mientras el fondo se aleja estirándose o se le echa encima por detrás; si el sujeto cambia de tamaño, es solo un dolly o un zoom.
Haz que dure [duración] a un ritmo uniforme y deliberado, para que lo que el espectador note sea la deformación del espacio.

Una cámara aérea avanza por encima de un paisaje y, a menudo, se eleva después para abrir la escena que queda detrás.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un sobrevuelo ("Fly-Over", también llamado aerial shot): avanza a gran altura sobre la escena, mirándola desde arriba.
Todo debe fluir hacia la cámara y escaparse por debajo del borde inferior del encuadre a medida que lo sobrevuela, y después la vista se eleva para abrir la escena que hay más allá; un dolly a la altura de los ojos solo acerca las cosas, nunca pasa por encima de ellas.
Haz que dure [duración] a una velocidad suave y constante, como un dron que planea hacia delante.

La cámara atraviesa un hueco, como una ventana o unas vigas, y revela al sujeto que está al otro lado.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Fly-Through" (también llamado fly-through reveal): avanza a través de una abertura estrecha, como una ventana, una puerta o un hueco entre vigas.
La abertura debe llenar la vista y ocultar casi todo lo que hay detrás, y luego pasar a toda velocidad por los bordes del encuadre cuando la cámara la atraviesa y el sujeto del otro lado queda completamente a la vista; un dolly simple solo se acerca a algo que ya está al descubierto.
Haz que dure [duración] como un único movimiento continuo hacia delante y deja que se asiente con suavidad una vez revelado el sujeto.

El operador lleva la cámara encima, de modo que el encuadre tiene pequeñas derivas y temblores irregulares; el shaky cam lo exagera.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], dale a la cámara un aire de cámara en mano ("Handheld", también llamada handheld shot o shaky cam): el operador la lleva en las manos, así que el encuadre nunca se queda del todo quieto.
Todo el encuadre debe derivar y temblar de forma leve e irregular, con el horizonte bamboleándose ligeramente, nunca con un vaivén regular; en cambio, un Steadicam shot por el mismo recorrido se deslizaría sin ningún temblor.
Mantenlo durante [duración]; déjalo sutil para un realismo documental o exagéralo hasta el shaky cam para transmitir caos.

Un travelling circular que además asciende o desciende, trazando una hélice alrededor del sujeto.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Helix Shot" (también llamado helix): rodea al sujeto mientras asciende o desciende al mismo tiempo, trazando una espiral a su alrededor.
El sujeto debe mantenerse en el centro del encuadre mientras el fondo se desliza de lado por detrás y el suelo se abre o se cierra al cambiar la altura; un travelling circular simple se queda a una sola altura.
Haz que dure [duración] como una única espiral continua, girando y subiendo a un ritmo uniforme.

La cámara se desplaza por una curva alrededor de un sujeto centrado mientras el fondo gira por detrás.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un travelling circular ("Orbit", también llamado arc shot): rodea al sujeto sin dejar de apuntar hacia él.
El sujeto debe mantenerse en el centro del encuadre mientras el fondo se desliza hacia un lado por detrás y lo que está delante se desliza hacia el otro; en un travelling lateral o en un travelling de seguimiento, todas las capas se deslizan hacia el mismo lado.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

La cámara gira a izquierda o derecha sobre un punto fijo, de modo que todo lo que hay en el encuadre se desliza a la misma velocidad y sin paralaje; a diferencia de un travelling lateral, el cuerpo de la cámara no se desplaza.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con una panorámica ("Pan", también llamada panning): gira a izquierda o derecha sin moverse del sitio.
Todo lo que hay en el encuadre debe deslizarse de lado a la vez y a la misma velocidad, sin cambio de profundidad entre las capas cercanas y las lejanas; eso es lo que la distingue de un travelling lateral.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

El cuerpo de la cámara sube o baja manteniéndose nivelado, de modo que los objetos cercanos se desplazan más que los lejanos, lo que lo distingue de una panorámica vertical.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un travelling vertical ("Pedestal", también llamado pedestal rise o boom up/down): toda la cámara sube o baja sin dejar de estar nivelada.
Las capas cercanas deben deslizarse en vertical más rápido que las lejanas para que la escena gane profundidad; eso es lo que lo distingue de una panorámica vertical.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

La cámara vuela hacia atrás y hacia arriba desde un sujeto cercano, abriendo el encuadre para mostrar el entorno.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Pull-Back Reveal" (también llamado dronie o pull-away): empieza cerca del sujeto y después vuela hacia atrás y hacia arriba, alejándose de él.
El sujeto debe ir encogiéndose en el centro del encuadre mientras aparece cada vez más entorno, hasta que se ve todo el lugar; un dolly out corriente solo retrocede un poco a la altura de los ojos.
Haz que dure [duración], empezando con suavidad y abriendo el encuadre de forma constante, para que la recompensa sea la escala del lugar.

El plano de enfoque pasa de un sujeto a otro dentro de una misma toma, sin cambios de cámara ni de encuadre.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un cambio de foco ("Rack Focus", también llamado pull focus o focus pull): el foco pasa de un sujeto a otro situado a distinta profundidad dentro del mismo plano.
Nada debe moverse y el encuadre no debe cambiar: el sujeto nítido se vuelve borroso mientras el desenfocado gana nitidez, y eso es lo que lo distingue de un zoom o de un movimiento de cámara.
Todo el momento dura [duración]; mantén el foco en el primer sujeto, desplázalo con suavidad y después mantenlo en el segundo.

La cámara rota alrededor del eje óptico, de modo que el horizonte gira en el encuadre; un giro parcial que se mantiene da un plano holandés estático.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Roll" (también llamado Dutch roll o Z-axis roll): rota alrededor del eje óptico, como al girar un volante.
Todo el encuadre debe girar alrededor de su centro para que el horizonte se vuelque, sin que la cámara se desplace ni mire hacia otro lado; si se detiene a medio camino, queda un plano holandés.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del giro para que no arranque ni se detenga de golpe.

La cámara va sujeta al intérprete, de modo que este queda fijo en el encuadre mientras el fondo se mueve a su alrededor.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa una "Snorricam" (también llamada body camera o body cam): la cámara va amarrada al intérprete y apunta hacia él.
El sujeto debe quedar clavado exactamente en el mismo punto del encuadre mientras todo el fondo se balancea, se inclina y oscila a su alrededor con cada paso y cada giro; en un travelling de seguimiento, el fondo simplemente pasa de largo de manera uniforme.
Mantenlo durante [duración] y deja que el entorno dé bandazos con el movimiento del sujeto para que resulte mareante y subjetivo.

Un movimiento estabilizado en el que el operador lleva la cámara encima y esta se desliza y flota por el espacio sin el temblor de la cámara en mano.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un "Steadicam Shot" (también llamado gimbal shot o glide cam): un operador la lleva por el espacio sobre un estabilizador.
El movimiento debe deslizarse y flotar sin el menor temblor, libre de trazar curvas alrededor de las cosas a su paso; un plano de cámara en mano por el mismo recorrido temblaría, y un dolly no se saldría de una vía recta.
Haz que dure [duración] como un único movimiento largo, fluido e ininterrumpido.

La cámara bascula hacia arriba o hacia abajo sobre un punto fijo; a diferencia de un travelling vertical, el cuerpo de la cámara no sube ni baja.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con una panorámica vertical ("Tilt", también llamada tilting o pitch): bascula hacia arriba o hacia abajo sin moverse del sitio.
Todo lo que hay en el encuadre debe deslizarse en vertical a la vez y a la misma velocidad, sin cambio de profundidad entre las capas cercanas y las lejanas; eso es lo que la distingue de un travelling vertical.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

La cámara se desplaza con un sujeto en movimiento, por detrás, por delante o a su lado, manteniendo una distancia constante mientras el fondo pasa de largo.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un travelling de seguimiento ("Tracking Shot", también llamado follow shot o travelling shot): la cámara se desplaza junto a un sujeto en movimiento.
El sujeto debe conservar su posición y su tamaño en el encuadre mientras el entorno pasa de largo, las capas cercanas más rápido que las lejanas; en un travelling lateral, el sujeto se desliza por el encuadre con todo lo demás.
Haz que dure [duración] a un ritmo constante que se ajuste al del sujeto, siempre a la misma distancia de él.

El cuerpo de la cámara se desliza de lado, de modo que los objetos cercanos se desplazan más que los lejanos, lo que lo distingue de una panorámica.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un travelling lateral ("Truck", también llamado track o crab shot): toda la cámara se desplaza de lado.
Las capas cercanas deben deslizarse más rápido que las lejanas para que la escena gane profundidad; eso es lo que lo distingue de una panorámica.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

Una panorámica tan rápida que la imagen se emborrona en un desenfoque de movimiento; la versión vertical es un whip tilt.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], mueve la cámara con un barrido ("Whip Pan", también llamado swish pan o flick pan): gira de lado de golpe, tan rápido que la imagen se emborrona.
El encuadre debe estirarse en un desenfoque de movimiento a lo largo de la dirección del giro y aterrizar nítido en la nueva vista; una panorámica corriente se lee con claridad de principio a fin. Hecho en vertical, es un whip tilt.
Todo el momento dura [duración]; mantén la cámara quieta antes y después para que el barrido se lea como un único latigazo rápido.

La distancia focal de la lente cambia, de modo que todas las capas se escalan en la misma proporción y sin paralaje; a diferencia de un dolly, la cámara no se desplaza.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un "Zoom" (también llamado zoom in o zoom out): la lente cambia de distancia focal mientras la cámara se queda donde está.
Todo lo que hay en el encuadre debe crecer o encogerse a la vez y en la misma proporción, sin cambio de profundidad entre las capas cercanas y las lejanas; eso es lo que lo distingue de un dolly.
Haz que dure [duración] y suaviza el inicio y el final del movimiento para que no arranque ni se detenga de golpe.

Dos bordes verticales u horizontales se desplazan del centro hacia los lados (o al revés), como las puertas de un granero al abrirse.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Barn Door Wipe" (también llamado barn doors, split o center split): dos bordes se separan desde el centro del encuadre hacia los lados y descubren el plano siguiente, como las puertas de un granero al abrirse.
Mantén los dos planos quietos mientras los bordes se desplazan: a diferencia de un push, nada se desliza fuera del encuadre, y a diferencia de una cortinilla simple, la revelación empieza en el centro y avanza hacia ambos lados a la vez. Para la versión de cierre, trae los bordes desde los lados hasta que se junten en el centro.
Haz que la transición dure [duración], con los dos bordes moviéndose al mismo ritmo.

Un radio gira alrededor del centro del encuadre como la aguja de un reloj y descubre el plano siguiente tras de sí.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Clock Wipe" (también llamado radial wipe): una línea gira alrededor del centro del encuadre como la aguja de un reloj y descubre el plano siguiente tras de sí.
Empieza con la aguja arriba y hazle dar una vuelta completa a un ritmo constante, con los dos planos quietos; a diferencia de una cortinilla simple, el borde gira alrededor de un punto en lugar de cruzar el encuadre.
Haz que la vuelta completa dure [duración].

Un corte entre dos imágenes de tono opuesto para subrayar la diferencia entre ellas.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Contrast Cut": corta directamente de una imagen a su opuesta en tono.
Haz que los dos lados difieran lo máximo posible, claro contra oscuro, pequeño contra grande, y mantén cada uno el tiempo suficiente para compararlos; a diferencia de un smash cut, lo que importa es la comparación, no el impacto.
Encaja los dos planos en [duración] y no pongas ningún efecto de transición en el corte.

Cortes que alternan una y otra vez entre dos acciones que ocurren al mismo tiempo en lugares distintos.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Edita [escena] con un montaje paralelo ("Cross-Cut", también llamado parallel editing o intercutting): corta una y otra vez entre dos acciones que ocurren al mismo tiempo en lugares distintos.
Deja que las dos acciones sigan avanzando mientras están fuera de pantalla, de modo que cada regreso las retome más adelante de donde se dejaron; un plano recurso, en cambio, abandona la acción principal una sola vez y vuelve.
Encaja la secuencia en [duración] y acorta los fragmentos hacia el final si la tensión debe ir en aumento.

Un plano que abandona brevemente la acción principal para mostrar otra cosa y después vuelve al plano original.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un plano recurso ("Cutaway") en [escena]: corta brevemente de la acción principal a un plano de otra cosa y después vuelve al plano original.
Mantén la acción principal corriendo por debajo para que haya avanzado cuando volvamos; a diferencia de un montaje paralelo, el segundo plano aparece una sola vez y no es una trama propia.
Encájalo en [duración] y haz que el plano recurso sea más corto que los fragmentos del plano principal que lo rodean.

El plano saliente se desenfoca hasta quedar borroso y el plano siguiente se enfoca a partir de ahí, lo que sugiere un sueño o el paso del tiempo.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con una "Defocus Transition" (también llamada defocus o blur transition): el plano saliente se va desenfocando hasta quedar en un borrón suave, y el plano siguiente se enfoca a partir de ese borrón.
Cambia de plano cuando la imagen esté en su punto más borroso, para que el cambio en sí nunca se vea nítido; a diferencia de un encadenado, las dos imágenes no se superponen enfocadas, y a diferencia de un dip to black, la pantalla nunca queda de un color sólido.
Haz que la transición dure [duración], desenfocando y enfocando al mismo ritmo suave.

El plano saliente se funde a un color sólido, normalmente negro o blanco, y el plano siguiente aparece fundiéndose desde ese color.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Dip to Black" (también llamado dip to white, wash o washout cuando el color es blanco): el plano saliente se funde a un color sólido y el plano siguiente aparece fundiéndose desde él.
Los dos planos nunca se superponen y, por un momento, a mitad de camino la pantalla no es más que el color sólido; a diferencia de un fundido simple, continúa hacia el plano siguiente.
Haz que la transición dure [duración], repartida a partes iguales entre la salida y la entrada.

La imagen se oscurece poco a poco hasta el negro o surge desde el negro, sin que se superponga un segundo plano.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Cierra [escena] con un fundido ("Fade", también llamado fade out o fade to black): la imagen se oscurece poco a poco hasta el negro.
Lleva la imagen a negro puro sin que se transparente un segundo plano; a diferencia de un dip to black, no continúa hacia otro plano. Para un fade in, hazlo al revés y deja que la imagen surja desde el negro.
Haz que el fundido dure [duración], a un ritmo uniforme.

Un plano muy breve, a menudo de uno a tres fotogramas, incrustado en la secuencia para dar una sacudida casi subliminal.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un "Flash Cut" en [escena]: incrusta en la secuencia un plano que dure solo unos pocos fotogramas y vuelve atrás de golpe.
Debe percibirse más como una sacudida que como una imagen; a diferencia de un plano recurso, el espectador no tiene tiempo de leerlo.
Encaja la secuencia en [duración] y haz que el plano insertado difiera mucho en brillo de los planos que lo rodean para que el destello se sienta.

Un plano es sustituido al instante por el siguiente sin ningún efecto óptico; es la referencia con la que se compara cualquier otra transición.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une los planos en [escena] con un corte directo ("Hard Cut", también llamado cut o direct cut): un plano es sustituido por el siguiente al instante.
No pongas ningún fundido, cortinilla ni ningún otro efecto en el corte; a diferencia de un smash cut, no pretende impactar, es simplemente el cambio de plano sin más.
Encaja los planos en [duración] y coloca el corte sobre un golpe de ritmo o al terminar un movimiento para que pase desapercibido.

Un corte disimulado para que el espectador no lo note, a menudo oculto tras un objeto oscuro o un movimiento de cámara para simular una única toma continua.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Oculta la unión entre dos tomas en [escena] con un corte invisible ("Invisible Cut"): disimula el corte para que el metraje se reproduzca como una única toma continua.
Deja que un objeto oscuro llene el encuadre mientras la cámara sigue moviéndose, corta en ese momento y retoma el mismo movimiento a la misma velocidad al otro lado; a diferencia de un natural wipe, el espectador no debe notar que algo ha cambiado.
Encaja las dos tomas en [duración] y mantén constante la velocidad de la cámara a lo largo del corte oculto.

Un corte dentro del mismo encuadre que se salta un fragmento de tiempo, de modo que el sujeto cambia visiblemente de posición de un salto mientras la cámara no se mueve.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Edita [escena] con un "Jump Cut": corta hacia delante en el tiempo dentro del mismo plano.
Mantén la cámara y el encuadre sin cambios y deja que el sujeto salte de golpe a una posición posterior en cada corte, sin ninguna transición entre los fragmentos.
Encaja la secuencia en [duración] y coloca los cortes sobre los golpes de ritmo para que los saltos se lean como deliberados y no como fallos.

El plano siguiente aparece a través del brillo del plano saliente, de modo que las zonas oscuras (o las claras) cambian primero.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Luma Fade" (también llamado luma wipe o gradient wipe): deja que el plano siguiente vaya apareciendo a través del plano saliente según su brillo, primero las zonas más oscuras y al final las más claras.
El cambio debe seguir las formas de la imagen: las sombras y los objetos oscuros se convierten en el plano siguiente mientras las zonas claras aún se mantienen; en un encadenado, en cambio, todo el encuadre se mezcla por igual.
Haz que la transición dure [duración], avanzando con suavidad de lo oscuro a lo claro y con bordes suaves entre las etapas.

Un corte entre dos planos cuya forma, color, posición o acción coinciden, de modo que uno se convierte visualmente en el otro.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Match Cut" (también llamado graphic match o match on action): corta entre dos planos cuya forma, posición o movimiento coinciden.
Coloca la forma principal del segundo plano exactamente donde estaba la del primero, al mismo tamaño y moviéndose igual, para que una parezca convertirse en la otra en el corte, sin morphing ni encadenado entre ellas.
Encaja los dos planos en [duración] y corta en mitad del movimiento compartido.

El plano siguiente aparece a través de una cuadrícula de casillas o celdas con patrón que se voltean en un orden fijo o aleatorio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Matrix Wipe" (también llamado checkerboard, checker wipe o random blocks): divide el encuadre en una cuadrícula de casillas y voltéalas una tras otra hacia el plano siguiente.
Cada casilla muestra su propio trozo del plano nuevo, de modo que la imagen completa se arma en su sitio; usa un orden de tablero de ajedrez para un aspecto con patrón o un orden aleatorio para uno con aire de glitch, y mantén los dos planos quietos por debajo.
Haz que la transición dure [duración], con cada casilla volteándose rápido y los volteos repartidos por igual a lo largo del tiempo.

Una sucesión rápida de muchos planos cortos que comprime el tiempo o la información en unos pocos segundos.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Construye [escena] como una secuencia de montaje ("Montage", también llamada rapid cuts o dynamic cutting): una sucesión rápida de muchos planos cortos.
Dale a cada plano una imagen distinta y solo un instante en pantalla, unidos por cortes simples, para que juntos compriman un largo periodo de tiempo; a diferencia de un montaje paralelo, los planos no alternan entre dos acciones fijas.
Encaja toda la sucesión en [duración] y mantén el ritmo de corte constante y sobre los golpes de ritmo.

Un objeto en primer plano, como una pared, una persona o un vehículo que pasa, cruza por delante de la lente y oculta el corte al plano siguiente.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Natural Wipe" (también llamado frame blocking o invisible wipe): un objeto en primer plano pasa justo por delante de la lente y, detrás de él, ya está el plano siguiente.
Mantén el cambio oculto bajo el objeto durante todo el cruce, de modo que sea el propio objeto el que parezca borrar el plano anterior; a diferencia de una cortinilla simple, no hay ningún borde dibujado, y a diferencia de un corte invisible, se quiere que el espectador vea que la escena ha cambiado.
Haz que el cruce dure [duración], con el objeto moviéndose a una velocidad constante y natural.

El plano saliente se despega o pasa como una página, descubriendo el plano siguiente que hay detrás.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Page Peel" (también llamado page curl, o page turn cuando se levanta todo el lado): el plano saliente se levanta por una esquina y se despega como una hoja de papel, descubriendo el plano siguiente que hay debajo.
Muestra el dorso de la página mientras se dobla y mantén quieto el plano de debajo; a diferencia de una cortinilla simple, la imagen anterior se lee como una hoja física que se levanta.
Haz que la transición dure [duración], con un inicio suave cuando la esquina se levanta y un final suave cuando la página abandona el encuadre.

Un salto instantáneo a un encuadre más cerrado del mismo sujeto sobre el mismo eje, sin recorrido de zoom entre los dos tamaños.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un "Punch In" (también llamado cut-in o axial cut): corta al instante a un encuadre más cerrado del mismo sujeto sobre el mismo eje.
No muestres ningún recorrido de zoom entre los dos tamaños y deja que la acción continúe sin saltarse tiempo; eso es lo que lo distingue de un zoom y de un jump cut.
Encájalo en [duración] y pon el corte en la palabra o el detalle que deba recibir el énfasis.

Un encadenado con una distorsión ondulante, como de agua, sobre la imagen, que tradicionalmente señala un flashback o un suceso imaginado.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Ripple Dissolve": encadena de un plano al siguiente mientras la imagen ondula como la superficie del agua.
Deja que la ondulación crezca sobre el plano saliente, se mantenga durante la superposición y se calme sobre el entrante; a diferencia de un encadenado simple, la imagen se curva mientras se mezcla, y a diferencia de una defocus transition, se mantiene nítida.
Haz que la transición dure [duración], con las ondas fluyendo suavemente en una sola dirección.

El plano entrante se desliza por encima del saliente mientras el plano anterior se queda en su sitio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Slide" (también llamado band slide): el plano entrante se desliza desde un borde y cubre el saliente.
Mantén el plano saliente donde está mientras queda cubierto; a diferencia de un push, no se le empuja fuera del encuadre.
Haz que la transición dure [duración] y suaviza su inicio y su final para que el plano nuevo se asiente en lugar de pararse en seco.

Un corte brusco de una escena a otra que contrasta fuertemente con ella, sin preparación, usado para impactar o rematar un chiste.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Smash Cut" (también llamado Gilligan cut o bicycle cut): corta bruscamente de un plano tranquilo a otro que contraste fuertemente con él.
No des ninguna preparación: mantén el plano tranquilo y después aterriza en mitad de una acción ruidosa y rápida, sin fundido ni progresión previa; a diferencia de un corte directo simple, la sacudida es lo que importa.
Encaja los dos planos en [duración] y deja que el plano tranquilo dure un poco más de lo que resulta cómodo antes del corte.

Una máscara con forma de estrella que crece o se encoge trae consigo el plano siguiente.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con un "Star Wipe" (también llamado shape wipe, o heart wipe cuando la forma es un corazón): una abertura con forma de estrella crece desde el centro del encuadre y trae el plano siguiente a través de ella.
Mantén nítido el borde de la estrella y quietos los dos planos, y deja que la forma crezca hasta rebasar todas las esquinas; a diferencia de una cortinilla de iris, la abertura es una forma reconocible y no un círculo.
Haz que la transición dure [duración], empezando despacio para que la forma se lea antes de llenar el encuadre.

Unas franjas paralelas revelan el plano siguiente, como las lamas de una persiana al girar para abrirse.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con una transición de persianas venecianas ("Venetian Blinds", también llamada band wipe): un conjunto de franjas paralelas se abre por todo el encuadre y revela el plano siguiente, como las lamas de una persiana al girar para abrirse.
Haz que las franjas tengan el mismo ancho y ábrelas todas a la vez; a diferencia de una cortinilla simple, ningún borde único cruza el encuadre, y los dos planos se quedan quietos.
Haz que la transición dure [duración], con todas las franjas abriéndose al mismo ritmo.

El plano saliente hace un zoom rápido hacia un punto y el plano entrante sale con zoom de un punto similar, como si se volara a través del corte.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Une dos planos en [escena] con una "Zoom Transition" (también llamada zoom in/out transition): el plano saliente hace un zoom rápido hacia un punto y el plano entrante sale de ese mismo punto, como si se volara a través del corte.
Mantén el zoom en una sola dirección a lo largo de los dos planos y esconde el corte en su momento más rápido; a diferencia de un punch in, se muestra el recorrido entre los tamaños, y a diferencia de un zoom de cámara, termina en un plano distinto.
Haz que la transición dure [duración], acelerando hacia el corte y frenando al salir de él.

La pose se actualiza solo cada 2 o 3 fotogramas, lo que da un ritmo más entrecortado, de dibujo a mano, que el movimiento que cambia en cada fotograma (ones).

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima [escena] con "Animating on Twos" (también llamado on twos o held frames): mantén cada pose durante dos fotogramas, de modo que la imagen se actualice con la mitad de frecuencia que los fotogramas del vídeo.
El movimiento debe conservar su trayectoria y su velocidad general, pero avanzar a tirones pequeños y regulares, como en la animación dibujada a mano o en stop motion; no con unos pocos saltos grandes y pausas largas, que sería un easing por pasos de tipo steps.
Sigue así durante [duración] y mantén cada pose un fotograma más (on threes) si debe resultar aún más entrecortado.

Un pequeño movimiento en sentido contrario antes del movimiento principal, como tomar impulso; es el equivalente del overshoot al inicio del movimiento.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Empieza el movimiento en [escena] con anticipación ("Anticipation", también llamada wind-up o back in): el objeto primero retrocede un poco en sentido contrario y después se lanza al movimiento principal.
El retroceso pertenece al inicio, antes de que el objeto salga; es el reflejo de un overshoot, que sobrepasa el destino al final.
Encaja el impulso y el movimiento en [duración], con un retroceso pequeño y pausado para que el lanzamiento posterior se sienta rápido.

El objeto sigue una trayectoria curva en lugar de una línea recta; compárese con un movimiento recto de A a B.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Mueve el objeto en [escena] siguiendo arcos ("Arcs", también llamados arc motion o curved path): va de una posición a la siguiente por una trayectoria curva en lugar de una línea recta.
Los puntos de inicio y de fin se quedan donde están; solo se curva el camino entre ellos, como se mueve una pelota lanzada o un brazo que se balancea, mientras que un movimiento recto de A a B resulta mecánico.
Encaja el movimiento en [duración] y haz que la curva sea un único trazo suave, sin quiebros por el camino.

El objeto golpea el destino como una pelota contra el suelo y rebota con saltos cada vez menores hasta quedar en reposo; se diferencia de elastic por la parada en seco en cada contacto.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Termina el movimiento en [escena] con un "Bounce" (también llamado bounce ease o bounce out): el objeto golpea su destino como una pelota contra el suelo y rebota con saltos cada vez más pequeños hasta quedar en reposo.
Nunca debe atravesar el destino: cada contacto es una parada en seco que lo devuelve directamente hacia atrás, a diferencia de un elastic, que sobrepasa el destino por ambos lados.
Encaja el movimiento y sus rebotes en [duración] y haz que cada rebote sea claramente más corto que el anterior.

El movimiento se repite desde el principio; en un bucle continuo el estado final coincide con el inicial, de modo que no se ve el reinicio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Repite el movimiento en [escena] como un bucle ("Cycle Loop", también llamado loop o repeat): cada vez que llega al final, vuelve a empezar desde el principio.
Debe saltar de vuelta al inicio en lugar de reproducirse hacia atrás, que sería un ping-pong loop. Para un bucle continuo, haz que el último fotograma coincida con el primero para que el reinicio no se vea.
Mantenlo en bucle durante [duración]; si cada repetición debe continuar desde donde terminó la anterior en lugar de volver al inicio, conviértelo en un bucle de tipo offset.

Empieza despacio y acelera hacia el final, de modo que el objeto sale a toda velocidad; es lo contrario de ease out.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima el movimiento en [escena] con un "Ease In" (también llamado slow in o accelerating): empieza despacio y no deja de acelerar, de modo que el objeto va a toda velocidad cuando el movimiento termina.
No suavices el final: eso es un ease out, la curva contraria, que empieza rápido y se asienta con suavidad.
Encaja el movimiento en [duración]; le va bien a un objeto que sale del encuadre, ya que nunca se le ve detenerse.

Arranque lento, parte central rápida y parada lenta; se diferencia de ease out en que también acelera con suavidad al principio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima el movimiento en [escena] con un "Ease In-Out" (también llamado easy ease o slow in and slow out): empieza despacio, alcanza su máxima velocidad a mitad de camino y frena hasta una parada suave.
Los dos extremos deben ser suaves, a diferencia de un ease out, que empieza a toda velocidad y solo suaviza la parada.
Encaja el movimiento en [duración] y elige una curva más marcada si la parte central debe sentirse como un salto rápido entre dos reposos.

Empieza rápido y desacelera hasta una parada suave; el objeto llega ya en movimiento y se asienta con suavidad, lo contrario de ease in.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima el movimiento en [escena] con un "Ease Out" (también llamado slow out o decelerating): empieza a toda velocidad y va frenando de forma constante hasta una parada suave.
No suavices el inicio: el objeto ya debe estar en movimiento cuando aparece, a diferencia de un ease in-out, que también gana velocidad con suavidad.
Encaja el movimiento en [duración]; le va bien a un elemento que entra en el encuadre y se asienta en su sitio.

No es un aspecto concreto, sino la idea de que la velocidad cambia a lo largo de un movimiento; compárese con el movimiento lineal para ver que el movimiento con easing resulta natural en lugar de mecánico.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Dale a cada movimiento en [escena] "Easing" (también llamado timing curve o speed curve): deja que la velocidad cambie a lo largo de cada movimiento en lugar de mantenerse constante.
El movimiento a velocidad constante (lineal) resulta mecánico; el movimiento con easing gana velocidad y frena como lo hacen las cosas reales: ease out para lo que llega, ease in para lo que se va, ease in-out para los movimientos que se quedan en pantalla.
Haz que cada movimiento quepa en [duración] y usa la misma familia de curvas en todo momento para que la pieza resulte coherente.

Oscila varias veces alrededor del destino con una amplitud cada vez menor, como una goma elástica estirada que se suelta; tiene más oscilaciones que overshoot.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima el movimiento en [escena] con un easing "Elastic" (también llamado elastic ease o elastic out): el objeto salta de golpe a su destino y oscila de un lado a otro a su alrededor, cada vez con menos amplitud, como una goma elástica estirada que se suelta.
Debe cruzar el destino varias veces: un overshoot lo sobrepasa solo una vez, y un bounce no lo sobrepasa nunca.
Encaja el movimiento y la oscilación en [duración] y deja que la oscilación se extinga del todo antes del final.

Un movimiento real llevado a una escala o un timing más extremos que los realistas; solo se aprecia como una elección de intensidad frente a una versión realista.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima [escena] con exageración ("Exaggeration"): toma el movimiento tal como ocurriría en la realidad y llévalo más lejos, con un impulso mayor, un estiramiento más largo y una parada más seca.
Es la misma acción con la intensidad subida, no una distinta: conserva la trayectoria y el orden de los acontecimientos, y aumenta hasta dónde llega cada uno y con qué brusquedad.
Encájalo en [duración] y detente justo antes del punto en que el objeto deja de ser reconocible; debe resultar caricaturesco y desenfadado, no roto.

Las partes unidas de forma holgada siguen moviéndose o quedan rezagadas después de que el cuerpo principal se detenga o arranque, de modo que no todas las partes se mueven y se detienen a la vez.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima [escena] con acción complementaria y acción superpuesta ("Follow Through and Overlapping Action", también llamadas drag o lag): las partes unidas de forma holgada quedan rezagadas cuando el cuerpo principal arranca, y siguen adelante, se pasan de largo y se asientan después de que se haya detenido.
Las partes no deben moverse y detenerse todas a la vez. Son pasivas, arrastradas por el cuerpo, a diferencia de una acción secundaria, que es un pequeño gesto independiente que se reproduce junto al principal.
Encaja el movimiento y el asentamiento en [duración] y deja que las partes más largas o más ligeras se retrasen más y tarden más en quedar en reposo.

Los contornos tiemblan ligeramente de un fotograma a otro, como si se redibujaran cada vez, lo que da un aspecto vivo y artesanal incluso cuando la forma no se mueve.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Dales a los contornos en [escena] un "Line Boil" (también llamado boiling lines o wiggly lines): redibuja cada línea de forma ligeramente distinta cada pocos fotogramas, para que tiemble sin moverse del sitio aunque la forma en sí permanezca quieta.
Debe cambiar a pequeños pasos bruscos y a una frecuencia de fotogramas baja, como al pasar las hojas de unos dibujos calcados a mano; no debe fluir con suavidad, lo que se leería como líquido, ni desplazar toda la forma, que es un wiggle.
Mantenlo hirviendo durante [duración] y haz que el temblor sea lo bastante pequeño para que la forma siga leyéndose con facilidad.

El objeto sobrepasa ligeramente su destino y después vuelve a él; se diferencia de bounce en que hace una sola pasada y se asienta sin chocar contra un suelo.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Termina el movimiento en [escena] con un "Overshoot" (también llamado back ease o back out): el objeto sobrepasa ligeramente su destino y después vuelve y se asienta en él.
Debe sobrepasar el destino solo una vez, sin oscilar después; un bounce golpea el destino y rebota sin sobrepasarlo, y un elastic lo sobrepasa varias veces.
Encaja el movimiento en [duración] y haz que el exceso sea pequeño para que se lea como energía y no como un error.

El movimiento se reproduce hacia delante y después hacia atrás una y otra vez; se diferencia del bucle en que no salta de vuelta al inicio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Repite el movimiento en [escena] como un "Ping-Pong Loop" (también llamado yoyo o boomerang): se reproduce hacia delante hasta el final, después hacia atrás hasta el inicio, y sigue yendo y viniendo.
Nunca debe saltar: un bucle salta de golpe al primer fotograma y vuelve a empezar, mientras que este desanda su propio camino.
Mantenlo durante [duración], con un giro suave en cada extremo para que el cambio de dirección se sienta como una respiración y no como un choque contra una pared.

Un movimiento de apoyo más pequeño se reproduce junto al principal para dar vida sin robar protagonismo.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade una acción secundaria ("Secondary Action") al movimiento principal en [escena]: un movimiento de apoyo más pequeño que se reproduce junto a él, como un pequeño acento, un parpadeo o un toque rápido, para darle más vida.
Es un pequeño gesto propio, no una parte suelta arrastrada tras el cuerpo (eso es acción complementaria), y nunca debe apartar la atención de la acción principal.
Encaja ambos en [duración] y deja que el movimiento pequeño empiece y termine dentro del principal.

Uno o dos fotogramas intermedios deforman o duplican al sujeto a lo largo de su trayectoria para simular el desenfoque de movimiento durante un movimiento muy rápido.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Usa un "Smear Frame" (también llamado smear o elongated in-between) para el movimiento rápido en [escena]: solo durante uno o dos fotogramas a mitad del movimiento, estira al sujeto a lo largo de su trayectoria para que cubra el hueco entre las dos posiciones.
La forma en sí se redibuja, estirada, repetida en varias copias o seguida de líneas de movimiento, en lugar de desenfocarse como la desenfocaría una cámara, y los fotogramas anteriores y posteriores se mantienen nítidos y sin deformar.
Haz que todo el movimiento quepa en [duración] y sea muy rápido, para que el smear se sienta como velocidad en lugar de notarse como una forma.

Un movimiento regido por la física que sobrepasa el destino y oscila a su alrededor antes de quedar en reposo; su comportamiento depende de la rigidez, la amortiguación y la masa, y no de una curva fija.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Impulsa el movimiento en [escena] con un "Spring" (también llamado spring animation o damped spring): un resorte simulado tira del objeto hacia su destino, de modo que gana velocidad desde el reposo, sobrepasa el destino y oscila a su alrededor antes de quedar en reposo.
El movimiento debe nacer de la rigidez, la amortiguación y la masa, y no de una curva fija; reduce la amortiguación para tener más oscilaciones o auméntala hasta que el objeto se asiente sin ningún overshoot.
Deja que llegue al reposo en [duración] y mantén los mismos ajustes del resorte en todos los elementos para que parezcan hechos de un mismo material.

El objeto se comprime y se alarga conservando su volumen, lo que transmite peso y flexibilidad.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima [escena] con el principio de estirar y encoger ("Squash and Stretch"): el objeto se aplasta cuando aterriza o recibe un golpe, y se alarga en la dirección de su desplazamiento mientras se mueve rápido.
Mantén constante su volumen, de modo que cuando se ensanche se acorte, y viceversa, y vincula cada cambio de forma al movimiento, para que se lea como peso y flexibilidad y no como una oscilación de goma elástica hecha sin moverse del sitio.
Encaja la acción en [duración] y defórmalo mucho si es algo blando y solo un poco si es algo rígido.

El valor salta en pasos discretos (o una sola vez, en un hold) en lugar de moverse con suavidad; un hold es un único salto instantáneo que después se queda en su sitio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Anima el cambio en [escena] con "Steps" (también llamado stepped ease o hold keyframes): el valor salta de una posición a la siguiente en unos pocos pasos discretos y se queda quieto entre ellos, sin movimiento intermedio suave.
Para un hold, haz que sea un único salto: el objeto se queda en su sitio, salta al nuevo valor en un instante y se queda ahí. Son unos pocos saltos deliberados, no el entrecortado fino, fotograma a fotograma, de animating on twos.
Reparte los saltos de forma uniforme a lo largo de [duración].

Unos pequeños desplazamientos aleatorios, con una frecuencia y una amplitud fijas, hacen que el objeto tiemble o derive de forma irregular en lugar de seguir una trayectoria diseñada.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un "Wiggle" (también llamado jitter o random shake) al elemento en [escena]: se aparta una y otra vez de su sitio en pequeñas cantidades aleatorias, a un ritmo constante y dentro de un margen constante.
Los desplazamientos deben ser irregulares, porque un vaivén uniforme de lado a lado es un shake, no un wiggle, y solo se mueve este elemento, no todo el encuadre como con una cámara en mano.
Mantenlo durante [duración], aplicando el wiggle a su posición, o bien a su rotación o a su escala si eso le va mejor al elemento.

Un texto con grosor real en profundidad gira o vuela por un espacio 3D, de modo que sus laterales reciben la luz.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Titula [escena] con texto 3D ("3D Extruded Text", también llamado 3D text animation o extruded title): las letras tienen grosor real, y giran o vuelan por un espacio 3D de modo que sus laterales reciben la luz.
Sombrea los laterales de forma distinta a las caras y deja que ese sombreado cambie a medida que el texto gira; la profundidad tiene que leerse como un bloque sólido, no como una sombra paralela plana detrás de las letras.
Haz que el movimiento dure [duración] y frena con suavidad hasta un ángulo final en el que se vean tanto las caras como los laterales.

Una línea se extiende desde un punto de interés hasta una etiqueta o un recuadro que aparece con un pop, señalando una parte de la imagen; se distingue de un tercio inferior porque apunta a un lugar dentro de la imagen.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un "Callout" (también llamado callout line o sketch callout) en [escena]: una línea se extiende desde un punto de interés de la imagen hasta una etiqueta que aparece con un pop en su extremo.
Ancla la línea en el punto exacto al que se refiere, dibuja primero la línea y trae la etiqueta después; a diferencia de un tercio inferior, que ocupa una franja fija en la parte de abajo, un callout señala algo dentro de la imagen. Para una versión sketch, dibuja un anillo alrededor del punto y la línea como si fuera a mano.
Haz que dure [duración], mantén la línea fina para que no tape la imagen y deja la etiqueta el tiempo suficiente para leerla.

Un círculo o anillo se expande rápidamente desde un punto y se desvanece, añadiendo un acento detrás de un elemento que llega.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], acentúa la llegada de un elemento con un "Circle Burst" (también llamado circle pop o ring burst): un anillo se expande rápidamente desde el centro del elemento y se desvanece detrás de él.
Deja que el anillo se afine a medida que crece y que haya desaparecido cuando el elemento se haya asentado; a diferencia de un line burst, el acento es un único anillo cerrado, no trazos separados que salen disparados hacia fuera.
Encájalo en [duración], rápido al principio y frenando con suavidad, y dispáralo en el momento en que aparece el elemento.

Una columna plana de nombres se desplaza de forma continua hacia arriba (o de lado, en los staff rolls) a velocidad constante.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Termina [escena] con unos créditos finales ("Credit Roll", también llamados credit crawl, staff roll o end credits scroll): una columna plana de nombres sube de forma continua por el encuadre.
Mantén la velocidad constante de principio a fin y el texto plano y del mismo tamaño durante todo el recorrido; a diferencia de un title crawl, nada se inclina hacia atrás ni se encoge en la distancia. Para una versión staff roll, haz que los nombres crucen el encuadre de lado.
Haz que dure [duración], lo bastante lento para que cada línea pueda leerse mientras pasa.

El subtítulo completo permanece en pantalla mientras cada palabra se ilumina al pronunciarse; se distingue de pop captions porque el texto nunca aparece ni desaparece palabra a palabra.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Subtitula [escena] con subtítulos karaoke ("Karaoke Captions", también llamados word highlight captions o karaoke subtitles): el subtítulo completo permanece en pantalla y cada palabra se ilumina al pronunciarse.
Solo el resaltado pasa de palabra en palabra; a diferencia de pop captions, ninguna palabra aparece ni desaparece. Marca la palabra pronunciada con un cambio de color, un bloque detrás de ella, un ligero aumento de escala o un pequeño rebote.
Sincroniza los resaltados con la voz a lo largo de [duración] y mantén el subtítulo en la parte inferior del encuadre, sin tapar al sujeto.

Unos trazos cortos irradian hacia fuera desde un punto o elemento y después se retraen o se desvanecen; se usa como acento cuando algo aparece con un pop.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], acentúa la llegada de un elemento con un "Line Burst" (también llamado radial line burst o shape burst): unos trazos cortos salen disparados hacia fuera desde alrededor del elemento y después se retraen o se desvanecen.
Reparte los trazos de forma uniforme alrededor del elemento y deja que cada uno crezca desde su extremo interior y desaparezca hacia el exterior; a diferencia de un circle burst, el acento es un anillo de rayos separados, no un único círculo cerrado. Para una versión con polígonos, lanza pequeñas formas hacia fuera en lugar de trazos.
Encájalo en [duración], rápido y seco, y dispáralo en el momento en que el elemento aparece con un pop.

La línea de un gráfico se dibuja de izquierda a derecha siguiendo sus puntos de datos, con marcadores que aparecen con un pop en cada punto.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], muestra una tendencia con un gráfico de líneas animado ("Line Chart Draw", también llamado line graph draw-on): la línea del gráfico se dibuja sola de izquierda a derecha siguiendo sus puntos de datos, y en cada punto aparece un marcador con un pop cuando la línea llega a él.
Mantén los ejes y la cuadrícula quietos y ya en su sitio, de modo que solo se muevan la línea y sus marcadores; a diferencia de un map route, nada se desplaza a lo largo de la línea: cada marcador se queda en su propio punto de datos.
Dibújalo a lo largo de [duración] a un ritmo constante y sincroniza el pop de cada marcador con el momento en que llega la línea.

Las formas y el texto se estiran, ondulan y fluyen como el agua, con bordes suaves y oscilantes; se distingue de Blob Morph porque deforma una ilustración real y no una forma independiente.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], anima la ilustración con "Liquid Motion" (también llamado liquid animation, fluid motion o fluid simulation): las formas y el texto se estiran, ondulan y fluyen como el agua, con bordes suaves y oscilantes.
Deforma la propia ilustración en lugar de un blob aparte: deja que cada parte se aplaste y se estire como si tuviera volumen, que suelte gotas que vuelven a caer y se fusionan con ella, y que se quede pegada un momento a sus vecinas cuando se tocan.
Haz que dure [duración] y deja que la oscilación se vaya apagando poco a poco hasta que la ilustración quede otra vez nítida y quieta.

Unos elementos entran volando o a la deriva y convergen hasta formar el logo final; se distingue de una animación de logo simple porque el logo se ensambla al final del movimiento.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Introduce el logo en [escena] con un "Logo Resolve": unos elementos separados entran volando o a la deriva desde distintos lugares y convergen hasta encajar entre sí como el logo terminado.
Mantén el logo ilegible hasta el último momento; a diferencia de una animación de logo simple, donde la marca se descubre en su sitio, aquí solo existe cuando ha llegado la última pieza. Empieza con las piezas dispersas, giradas y a distintos tamaños, y escalona sus llegadas.
Dedica la mayor parte de [duración] a la convergencia y después deja que el logo ensamblado se asiente y se mantenga.

Una secuencia corta que desemboca en una marca con movimiento; es el término genérico para la mayoría de las animaciones de logo, y bumper e ident son los formatos cortos de inserción.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Haz que [escena] desemboque en la marca con una animación de logo ("Logo Reveal", también llamada logo sting, logo intro, logo animation, ident, logo bumper, logo build o logo assemble): una secuencia corta en la que el logo aparece con movimiento y después se mantiene.
Elige un solo tratamiento y no te salgas de él: una cortinilla y un deslizamiento limpios, partículas que se agrupan hasta formar la marca, una salpicadura líquida de la que emerge, un glitch que encaja de golpe, tubos de neón que se encienden parpadeando o una órbita 3D que gira hasta quedar de frente al espectador. A diferencia de un logo resolve, el logo se descubre donde está en lugar de ensamblarse con piezas que entran volando.
Haz que toda la revelación quepa en [duración] y deja el logo terminado quieto en pantalla el tiempo suficiente para que el espectador lo asimile.

Un gráfico con un nombre o un cargo entra en la parte inferior del encuadre deslizándose, con una cortinilla o con un fundido, se mantiene y después sale con animación, sin tapar la imagen principal.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un tercio inferior ("Lower Third", también llamado chyron, name strap, super, aston o CG) en [escena]: un gráfico con nombre y cargo entra con animación en la parte inferior del encuadre, se mantiene y después sale con animación.
Mantenlo en la franja inferior y hacia un lado para que nunca tape la imagen principal; a diferencia de un callout, no señala nada dentro de la imagen. Tráelo con un deslizamiento o una cortinilla, y sácalo de la misma manera a la inversa.
Encaja la entrada, la pausa y la salida en [duración], con una pausa lo bastante larga para leer las dos líneas.

Una línea se dibuja sola a lo largo de una ruta entre lugares de un mapa mientras un marcador la recorre.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], traza un viaje con un "Map Route" (también llamado map route animation o travel route): una línea se dibuja sola a lo largo de la ruta entre dos lugares de un mapa mientras un marcador la recorre.
Mantén el marcador en la punta de avance de la línea y gíralo para que mire hacia donde se dirige en cada curva; a diferencia de un gráfico de líneas animado, no hay ejes ni puntos de datos, solo un viajero que va de un lugar a otro.
Haz que el trayecto dure [duración], arrancando y llegando con suavidad, y marca el destino cuando el marcador llegue a él.

Una capa plana, como una pantalla o una tarjeta, se inclina hacia atrás en 3D, de modo que se aleja hacia uno de sus bordes y gana profundidad; se inclina la capa, no la cámara.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], dale a una pantalla o tarjeta plana un "Perspective Tilt": se inclina hacia atrás en 3D, de modo que uno de sus bordes se aleja en la distancia y la capa gana profundidad.
Inclina la propia capa y deja todo lo que hay detrás exactamente donde está; a diferencia de una panorámica vertical de cámara, el resto de la imagen no debe moverse. Deja que el borde lejano se encoja y el cercano crezca para que la perspectiva se lea con claridad.
Suaviza el inicio y el final de la inclinación a lo largo de [duración] y detente en un ángulo en el que el contenido de la capa siga siendo legible.

Los subtítulos aparecen de palabra en palabra o de frase corta en frase corta, cada una con un pop al pronunciarse y sustituyendo a la anterior.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Subtitula [escena] con "Pop Captions" (también llamados build captions o word-by-word captions): muestra una sola palabra o frase corta cada vez, que aparece con un pop al pronunciarse y sustituye a la anterior.
Mantén todas las palabras en el mismo punto para que la vista nunca tenga que desplazarse; a diferencia de los subtítulos karaoke, la frase completa nunca está en pantalla a la vez. Dale a cada palabra un rápido aumento de escala con un ligero overshoot.
Sincroniza las palabras con la voz a lo largo de [duración] y mantenlas grandes, en negrita y sin tapar al sujeto.

Un elemento crece desde cero con un ligero overshoot y se asienta; es la llegada enérgica que se usa tanto para palabras como para formas.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], haz entrar un elemento con un "Pop-In" (también llamado scale pop, pop, text pop o line pop): crece desde la nada, sobrepasa ligeramente su tamaño y se asienta a tamaño completo.
Escálalo desde su propio centro, sin moverlo del sitio, y haz que el overshoot sea pequeño para que se lea como una llegada elástica; nada entra volando ni deslizándose desde otro lugar. Usa el mismo movimiento para una palabra, una forma o una línea; una línea hace el pop a lo largo de su longitud.
Encaja cada pop en [duración], rápido en el arranque y pronto asentado, y escalona varios elementos para que lleguen uno tras otro.

Muchas líneas de texto, comentarios o datos en bruto caen en cascada, se desplazan o llueven por la pantalla como una textura.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Llena [escena] con "Streaming Text" (también llamado text rain o data cascade): muchas líneas de texto, comentarios o datos en bruto se derraman por la pantalla y se leen como una textura en movimiento.
Superpón líneas de distintos tamaños que se mueven a distintas velocidades para que el conjunto tenga profundidad, y no te detengas nunca en una sola línea; nadie tiene que leerlo, solo sentir el volumen.
Haz que dure [duración] con un flujo constante y mantenlo lo bastante tenue para que quede detrás de lo que haya delante.

Una palabra o letra se transforma en otra cambiando de forma, de fuente o de peso sin moverse del sitio, en lugar de sustituirse.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], convierte una palabra o letra en otra con un "Text Morph" (también llamado text morphing, fluid typography o liquid morphing text): las formas de las letras se remodelan sin moverse del sitio hasta convertirse en las nuevas.
Lleva cada trazo de forma continua desde su forma antigua hasta la nueva; nada se desvanece, se corta ni se sustituye, de modo que el espectador ve cómo una forma se convierte en la otra. Haz el morphing de letra a letra, cambia el peso o la fuente de la misma palabra, o deja que las formas se derritan juntas y vuelvan a cuajar como un líquido.
Encaja el cambio en [duración] y mantén cada palabra el tiempo suficiente para leerla antes y después del morphing.

El texto se apoya en un trazado curvo y se desplaza por él, entrando, arremolinándose y saliendo mientras sigue la curva.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], anima una línea de texto en trazado ("Text on Path", también llamado text path animation o text along path): el texto se apoya en un trazado curvo y se desplaza por él, entrando, arremolinándose en las curvas y saliendo.
Mantén cada letra apoyada en la curva y girando con ella a su paso, de modo que la línea de texto se doble como una cinta en lugar de cruzar deslizándose como un bloque rígido.
Haz que la pasada dure [duración] con un flujo uniforme y haz que el trazado sea una única curva suave y amplia para que las letras sigan siendo legibles en las curvas.

Unos párrafos de texto suben mientras se inclinan hacia atrás en perspectiva, encogiéndose hacia un punto de fuga; se distingue de los créditos finales, que se mantienen planos.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Abre [escena] con un "Title Crawl" (también llamado opening crawl, roll-up o scrolling typography): unos párrafos de texto suben inclinados hacia atrás en perspectiva, encogiéndose hacia un punto de fuga.
Coloca el texto sobre una superficie que se inclina alejándose del espectador, de modo que las líneas entren grandes por abajo y se desvanezcan pequeñas a lo lejos; unos créditos finales, en cambio, se mantienen planos y del mismo tamaño durante toda la subida.
Haz que dure [duración] a un ritmo constante, lo bastante lento para que cada línea pueda leerse antes de alejarse.

Unas barras, líneas o formas se mueven al compás de la intensidad y la frecuencia de una pista de sonido.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un visualizador de audio ("Audio-Reactive Visualizer", también llamado audio visualizer, music visualizer, audio spectrum o waveform animation) en [escena]: barras, líneas o formas que se mueven al compás de la pista de sonido.
Haz que el movimiento nazca del propio audio: los momentos más fuertes empujan más lejos las formas y las distintas frecuencias mueven partes distintas, de modo que cada golpe de ritmo se vea como un salto y los pasajes tranquilos se calmen; un ecualizador que solo late a un ritmo fijo no reacciona a nada.
Mantenlo en marcha durante [duración], con una subida rápida en cada golpe y una caída más lenta después.

Las zonas brillantes derraman un halo suave sobre su entorno, y el halo puede latir de modo que los objetos, el texto o las formas parezcan emitir luz.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un "Bloom" (también llamado glow effect) a las partes brillantes en [escena]: deja que su luz se derrame más allá de sus bordes como un halo suave, de modo que parezcan emitir luz.
El halo pertenece al objeto brillante y se desplaza con él, desvaneciéndose con suavidad y sin borde duro; una fuga de luz, en cambio, entra como un baño desde el borde del encuadre, y un destello de lente añade anillos y estelas.
Mantenlo durante [duración] y deja que el halo respire con suavidad, hinchándose y volviendo a calmarse como un pulso lento.

El tiempo parece casi detenido mientras el punto de vista gira alrededor de la acción congelada; a diferencia de una imagen congelada, la cámara sigue moviéndose.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa "Bullet Time" (también llamado time slice o frozen moment): en el punto culminante de la acción el tiempo casi se detiene mientras la cámara gira alrededor del sujeto.
El sujeto debe quedar suspendido casi sin moverse mientras las capas cercanas y lejanas se deslizan unas respecto a otras a medida que el punto de vista se desplaza; si la cámara también se detiene, es solo una imagen congelada.
Todo el momento dura [duración]: llega a la parada de golpe y después mantén el giro suave y constante.

Una fotografía fija en la que solo un elemento se mueve en un bucle continuo, de modo que el resto del encuadre permanece congelado.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Convierte [escena] en un "Cinemagraph" (también llamado video snapshot): una fotografía fija en la que solo un elemento sigue moviéndose.
Mantén todo lo demás perfectamente congelado y deja que ese único elemento se repita en un bucle continuo, sin saltos visibles donde vuelve a empezar; si no se mueve nada en absoluto, es solo una imagen congelada.
Deja que el bucle dure [duración] y elige un movimiento pequeño que se repita de forma natural para que destaque la quietud que lo rodea.

Se aprovecha la compresión de vídeo (eliminando los I-frames) para que el movimiento del clip siguiente arrastre y derrita los píxeles del anterior, lo que produce bloques emborronados y corridos.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En el corte entre los dos planos en [escena], usa un "Datamosh" (también llamado datamoshing): en lugar de cambiar limpiamente, deja que la imagen anterior se quede en pantalla y sea arrastrada por el movimiento del plano nuevo, como si el vídeo comprimido hubiera perdido su fotograma clave.
La imagen residual debe emborronarse y correrse en bloques siguiendo la dirección en que se mueven las cosas, derritiéndose trozo a trozo hasta que el plano nuevo esté del todo presente; es un derretido lento en un corte, a diferencia de un glitch, que rasga la imagen un instante y vuelve de golpe.
Deja que el derretido se desarrolle a lo largo de [duración] y después deja limpio el plano nuevo.

La imagen ondula como si se viera a través de aire caliente o de agua, porque un mapa de ruido en movimiento desplaza los píxeles.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade una "Displacement Distortion" (también llamada heat haze, heat shimmer o turbulent displacement) en [escena]: haz que la imagen ondule como si se viera a través de aire caliente, desplazando sus píxeles con un mapa de ruido que no deja de derivar.
Todo se queda donde está y solo se curva y oscila suavemente sin moverse del sitio; el plano no cambia, y eso es lo que la distingue de un ripple dissolve.
Mantenla ondulando durante [duración], con el ruido ascendiendo despacio para que la oscilación nunca se repita ni se congele.

Unas copias de fotogramas anteriores se mezclan detrás del actual, de modo que un sujeto en movimiento deja un rastro de sí mismo que se desvanece; se diferencia del desenfoque de movimiento en que las copias se mantienen diferenciadas en lugar de emborronarse de forma continua.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un eco ("Echo", también llamado ghosting, trails o motion trails) al sujeto en movimiento en [escena]: las copias de sus fotogramas anteriores se quedan detrás de él y se desvanecen.
Cada copia debe seguir siendo un fantasma separado y legible que va quedando atrás a lo largo de la trayectoria, más tenue cuanto más antigua; un emborronado continuo sería desenfoque de movimiento.
Haz que dure [duración] y deja que el rastro alcance al sujeto y desaparezca cuando este se detenga.

El metraje se reproduce a una velocidad constante superior a la real, de modo que el movimiento parece apresurado o cómico; a diferencia de un time-lapse, es solo metraje continuo acelerado, no fotogramas tomados a intervalos largos.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Reproduce [escena] a cámara rápida ("Fast Motion", también llamada undercranking).
Pasa el metraje continuo a una única velocidad constante, superior a la real, de modo que la acción parezca apresurada y un poco cómica pero siga fluyendo con suavidad; un time-lapse, en cambio, se saltaría largos intervalos entre fotogramas.
Encaja toda la acción en [duración] sin cambiar de velocidad por el camino.

El metraje en movimiento se detiene de repente en un único fotograma que se mantiene como una fotografía; se diferencia de bullet time en que nada sigue moviéndose.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Detén la acción en [escena] con una imagen congelada ("Freeze Frame", también llamada stop-frame o hold frame): el metraje en movimiento se detiene en un único fotograma y se mantiene como una fotografía.
No debe moverse absolutamente nada durante la pausa, ni el sujeto ni la cámara; si el punto de vista sigue desplazándose alrededor del momento congelado, eso es bullet time.
Todo el momento dura [duración]; corta a la pausa de golpe, en plena acción, y déjala el tiempo suficiente para que se lea.

La imagen se rompe brevemente como por un error digital o analógico, con distorsiones, pixelado y desplazamientos bruscos; es el término amplio que engloba la aberración cromática y el datamosh.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Sacude [escena] con un "Glitch Effect" (también llamado digital glitch, glitch art o glitch transition): por un momento la imagen se rompe como por un error de señal y después vuelve de golpe como si no hubiera pasado nada.
Rásgala en bandas horizontales que saltan de lado, separa los colores en las partes rasgadas, deja caer unos cuantos bloques sueltos y sacude todo el encuadre, cambiando bruscamente de un fotograma a otro, nunca con suavidad. Llega en ráfagas cortas; una textura desgastada constante sería, en cambio, un VHS look.
A lo largo de [duración], haz que cada ráfaga sea breve y evita que todo el encuadre parpadee entre claro y oscuro.

Un time-lapse en el que además la cámara recorre una gran distancia entre fotogramas, de modo que el espectador se desliza rápidamente por el espacio; un time-lapse con trípode se queda en su sitio.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Muestra [escena] como un "Hyperlapse": un time-lapse en el que la propia cámara recorre un largo trecho entre fotogramas.
El espectador debe deslizarse rápidamente por el espacio hacia un punto fijo mientras el entorno pasa de largo a pequeños pasos y la luz cambia a medida que el tiempo corre; un time-lapse con trípode se quedaría en un solo lugar.
Recorre toda la ruta en [duración] y mantén ese punto clavado en el mismo lugar del encuadre para que el trayecto resulte fluido.

Una porción de la imagen se refleja y se rota hasta formar un patrón radial simétrico que gira y se transforma a medida que la fuente se mueve.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Aplica un caleidoscopio ("Kaleidoscope", también llamado kaleidoscope effect) en [escena]: una porción de la imagen en forma de cuña se refleja y se repite alrededor del centro del encuadre.
El resultado debe ser un patrón radial simétrico en el que cada cuña sea la imagen especular de sus vecinas, y el patrón debe girar y remodelarse a medida que el metraje de origen se mueve por debajo; un encuadre que se encoge dentro de sí mismo una y otra vez es video feedback, no esto.
Mantenlo en marcha durante [duración] y deja que el patrón rote despacio para que nunca se quede quieto.

Unos destellos en estrella, anillos y estelas de luz dispersa aparecen y se deslizan cuando una fuente brillante pasa ante la lente, añadidos digitalmente a gráficos y metraje.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un destello de lente ("Lens Flare") en [escena]: cuando una fuente de luz brillante cruza el encuadre, muestra la luz dispersándose dentro de la lente, con un destello en estrella y una estela larga sobre la propia fuente, y una cadena de anillos y discos suaves ensartados a lo largo de la línea que va desde la fuente pasando por el centro del encuadre.
La cadena debe deslizarse cuando la fuente se mueve, con los reflejos fantasma más lejanos desplazándose en sentido contrario; esa luz con forma que se desliza es lo que lo distingue de una fuga de luz, que no es más que un baño informe desde el borde.
Deja que la fuente cruce a lo largo de [duración] y haz que el destello aparezca y se desvanezca poco a poco cuando entra y sale del encuadre.

Unos baños suaves y cálidos de luz naranja, roja o magenta florecen desde los bordes del encuadre y derivan o parpadean, imitando la luz parásita que alcanza la película; a diferencia de un destello de lente, no tiene anillos ni destellos en estrella.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Superpón una fuga de luz ("Light Leak", también llamada film burn) sobre [escena]: un baño suave y cálido de luz naranja, roja o magenta que florece desde el borde del encuadre, como si una luz parásita hubiera alcanzado la película.
Mantenla informe y borrosa, ligada al encuadre y no a nada de lo que hay en la imagen, sin anillos, estelas ni destellos en estrella; eso es propio de un destello de lente. El metraje sigue reproduciéndose por debajo.
A lo largo de [duración], deja que crezca desde un borde, derive un poco y vuelva a desvanecerse.

Una imagen o forma se deforma suavemente hasta convertirse en otra mientras ambas se encadenan.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa "Morphing" (también llamado image morph o morph): un sujeto se deforma suavemente hasta convertirse en otro mientras las dos imágenes se encadenan.
El contorno debe curvarse de forma continua desde la primera forma hasta la segunda mientras la superficie se mezcla entre ambas, de modo que se lea como una sola cosa que se transforma; un encadenado simple solo desvanecería una imagen sobre la otra sin remodelar nada.
Haz que el cambio dure [duración] y mantén un momento en pantalla cada sujeto, antes y después, para que el espectador pueda leer en qué se ha convertido.

Los objetos que se mueven rápido se emborronan a lo largo de su trayectoria como si se hubieran rodado con una exposición más larga, lo que hace que el movimiento rápido se vea fluido; a diferencia de un eco, es una estela continua, no copias separadas.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade desenfoque de movimiento ("Motion Blur", también llamado motion smear) a los movimientos rápidos en [escena]: todo lo que se mueva deprisa debe dejar una estela a lo largo de su propia trayectoria, como si el obturador hubiera seguido abierto mientras se desplazaba.
Desenfoca solo lo que se mueve, en la dirección en que se mueve, como una única estela continua que crece con la velocidad; no como copias separadas que van quedando atrás, que es un eco, ni todo el encuadre, que es un barrido. Lo que se queda quieto sigue nítido.
Mantenlo activado durante [duración], con un ángulo de obturación amplio para estelas largas y suaves o uno estrecho para estelas cortas y definidas.

Una pequeña ventana de vídeo incrustada se reproduce sobre la imagen principal y puede moverse o cambiar de tamaño.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade una imagen en imagen ("Picture-in-Picture", también llamada PiP o TV in TV) en [escena]: una pequeña ventana incrustada reproduce un segundo vídeo sobre la imagen principal.
Las dos imágenes deben seguir reproduciéndose a la vez, y la principal sigue llenando todo el encuadre detrás de la ventana; si el encuadre se divide en paneles colocados uno al lado del otro, eso es una pantalla dividida.
A lo largo de [duración], haz entrar la ventana por una esquina y después muévela o cámbiale el tamaño para que no tape lo importante de la imagen principal.

La imagen se descompone en grandes cuadrados visibles; al animar el tamaño de los bloques, se resuelve a partir de píxeles gruesos o se disuelve en ellos. El pixelado estático por sí solo es el aspecto del mosaico de censura.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Aplica un pixelado ("Pixelate", también llamado mosaic o pixelation) en [escena]: descompón la imagen en una cuadrícula de grandes cuadrados planos, cada uno relleno con el único color de lo que hay debajo.
Anima el tamaño de los bloques en pasos claros: deja que la imagen nítida se disuelva en bloques gruesos, mantenla así mientras el metraje sigue reproduciéndose por debajo y después devuélvela a la nitidez. Mantenido en un solo tamaño de bloque sin cambios, no es más que un mosaico de censura.
Haz que todo el efecto dure [duración] y mantén los cuadrados alineados a una única cuadrícula fija para que no bailen.

El metraje se reproduce hacia atrás, de modo que lo roto se recompone y los movimientos se deshacen.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Reproduce [escena] en marcha atrás ("Reverse Motion", también llamada reverse o reverse action): el metraje corre hacia atrás.
Cada movimiento debe deshacerse exactamente por el camino que siguió, de modo que lo que cayó vuelva a subir y lo que se dispersó vuelva a juntarse, al ritmo al que ocurrió originalmente.
Encájalo en [duración] y no añadas ningún easing por tu cuenta, para que se lea como el tiempo rebobinándose y no como un movimiento nuevo.

Los canales rojo, verde y azul se desplazan entre sí, de modo que aparecen franjas de color en los bordes, que a menudo laten o se separan de golpe en los impactos; es un defecto de lente tomado prestado y usado como estilo.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade una aberración cromática ("RGB Split", también llamada chromatic aberration, color fringing o channel split) en [escena]: separa los canales de color deslizándolos de lado para que cada borde gane una franja de color a cada lado.
Ese es todo el efecto: la imagen en sí queda intacta y en su sitio. Nada se rasga, salta ni se rompe en bloques, lo que la convertiría en un glitch completo.
A lo largo de [duración], separa los canales de golpe en cada impacto y deja que vuelvan a juntarse poco a poco, hasta terminar perfectamente alineados.

Un anillo o una cúpula se expande a toda velocidad desde un punto de impacto y, a menudo, distorsiona a su paso la imagen que tiene detrás.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade una onda expansiva ("Shockwave", también llamada shock wave) al impacto en [escena]: un anillo se expande a toda velocidad desde el punto del golpe.
A su paso debe curvar y empujar la imagen que tiene detrás, y después afinarse y desvanecerse; un anillo que solo decora un elemento y deja la imagen intacta es un circle burst.
Dispárala en el fotograma exacto del impacto y deja que cruce el encuadre en [duración], rápida al principio y más lenta a medida que se extiende.

La luz o las imágenes se estiran en estelas largas y fluidas al exponerse la imagen a través de una rendija en movimiento, lo que da un túnel psicodélico de color.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Haz que [escena] tenga un aspecto de "Slit-Scan" (también llamado star gate effect): la imagen se expone a través de una rendija estrecha que recorre el encuadre, de modo que cada franja de la imagen procede de un momento distinto.
Lo que se mueva debe estirarse en estelas largas y fluidas que se curvan siguiendo su trayectoria, mientras que lo que se queda quieto sigue nítido; unas copias fantasma separadas serían un eco, y un emborronado uniforme en la dirección del desplazamiento es desenfoque de movimiento.
Deja que las estelas crezcan y se resuelvan a lo largo de [duración] y mueve la rendija a un ritmo constante para que el estiramiento sea continuo.

La acción se reproduce a una velocidad constante inferior a la real, de modo que el detalle y el peso se hacen visibles; se diferencia de una rampa de velocidad en que la velocidad no cambia.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Reproduce [escena] a cámara lenta ("Slow Motion", también llamada slo-mo u overcranking).
Mantén una única velocidad constante, inferior a la real, desde el primer fotograma hasta el último para que el peso y el detalle se hagan visibles; si la velocidad cambia a mitad de camino, eso es una rampa de velocidad.
Estira el momento a lo largo de [duración] y mantén el movimiento fluido, sin tirones entre fotogramas.

La velocidad de reproducción pasa suavemente de una velocidad a otra muy distinta dentro de un mismo plano (por ejemplo, lento, luego una aceleración repentina, luego lento de nuevo), a diferencia de la cámara lenta o la cámara rápida, que mantienen una única velocidad constante.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Aplica una rampa de velocidad ("Speed Ramp", también llamada speed ramping o time remapping) en [escena].
Empieza lento, acelera hasta ir rápido en la parte central y después vuelve a lo lento, cambiando de velocidad con suavidad y no a saltos.
Encájala en [duración] y pon el tramo rápido en la parte que quieras pasar deprisa, para que los tramos lentos caigan sobre lo que el espectador debe notar.

El encuadre se divide en dos o más paneles que muestran acciones o puntos de vista simultáneos, opcionalmente con las divisiones entrando o saliendo con animación.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Muestra [escena] como una pantalla dividida ("Split Screen"): el encuadre se divide en paneles y cada uno reproduce su propia imagen al mismo tiempo.
Cada panel debe contener una acción o un punto de vista distinto y seguir en movimiento, con divisiones limpias entre ellos y sin que ninguna imagen tape a otra; una ventana pequeña que flota sobre una imagen a encuadre completo sería una imagen en imagen.
A lo largo de [duración], haz entrar las divisiones deslizándose para partir el encuadre y después deja que los paneles se reproduzcan uno al lado del otro.

El movimiento avanza a tirones visibles y a una frecuencia de fotogramas baja (por ejemplo, 8-12 por segundo), imitando la animación fotografiada fotograma a fotograma.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Haz que [escena] tenga un "Stop Motion Look" (también llamado stepped animation o posterize time look).
El movimiento debe avanzar a tirones visibles y a una frecuencia de fotogramas baja, con cada pose mantenida un momento como si se hubiera fotografiado fotograma a fotograma; la imagen permanece visible todo el tiempo, a diferencia de un efecto estroboscópico.
Haz que dure [duración] a su ritmo normal, manteniendo el mismo ritmo entrecortado de principio a fin.

La imagen aparece en destellos rápidos de encendido y apagado, de modo que el movimiento parece congelado en poses sueltas y entrecortadas (o las ruedas parecen detenerse o girar hacia atrás).

Esto es para un vídeo de motion graphics. Añade un efecto estroboscópico ("Strobe Effect", también llamado stroboscopic effect) en [escena]: el sujeto en movimiento solo se ve en destellos rápidos de encendido y apagado.
Cada destello debe atrapar el movimiento congelado en una pose distinta, sin que se vea nada de él entre uno y otro; un stop motion look mantiene la imagen visible y solo reduce la frecuencia de fotogramas.
Haz que dure [duración] y mantén los destellos suaves y limitados al sujeto para que nunca se conviertan en un parpadeo agresivo a pantalla completa.

Los procesos lentos del mundo real (nubes, crecimiento, multitudes) parecen transcurrir a gran velocidad porque los fotogramas se capturaron a intervalos largos, lo que da un aspecto fluido y escalonado.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Muestra [escena] como un "Time-Lapse" (también llamado time-lapse photography): la cámara permanece fija mientras los cambios lentos pasan a toda velocidad.
La luz, las sombras, las nubes o el crecimiento deben fluir deprisa con una sensación ligeramente escalonada, como si los fotogramas se hubieran tomado muy separados; una acción continua acelerada es cámara rápida, y una cámara que se desplaza entre fotogramas lo convierte en un hyperlapse.
Comprime todo el cambio en [duración].

Una capa actúa como una ventana móvil (por transparencia o por brillo) que revela la imagen de debajo, normalmente un texto o una forma que descubre el contenido como una cortinilla.

Esto es para un vídeo de motion graphics. En [escena], usa un "Track Matte Reveal" (también llamado matte reveal, alpha matte o luma matte): una capa aparte de texto o de forma actúa como ventana, y la imagen de debajo solo se ve dentro de ella.
Anima la propia ventana para que se desplace y vaya descubriendo distintas partes de la imagen, mientras la imagen de debajo sigue reproduciéndose en su sitio y todo lo que queda fuera de la ventana permanece vacío; un shape wipe, en cambio, sustituiría un plano por el siguiente.
Haz que dure [duración] y recorta la ventana por la transparencia de la capa mate para un borde nítido, o por su brillo para uno suave y degradado.

El metraje se degrada para que parezca una cinta de vídeo gastada: líneas de escaneo horizontales, colores corridos, ruido y un tracking tembloroso, normalmente en un encuadre 4:3.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Haz que [escena] tenga un "VHS Look" (también llamado VHS effect o analog tape look): degrada el metraje para que se reproduzca como una cinta de vídeo gastada.
Superpón los defectos de la cinta todos juntos: finas líneas de escaneo horizontales, el color corriéndose suavemente hacia un lado, ruido de cinta moteado y un error de tracking que arrastra de lado una banda de la imagen mientras todo el encuadre tiembla. Es una textura constante sobre todo el plano, no una rotura momentánea como un glitch.
Mantenlo durante [duración], de principio a fin, y recorta al encuadre más cuadrado de un televisor antiguo si la composición lo permite.

La imagen se vuelve a capturar a sí misma una y otra vez, creando túneles arremolinados que se alejan hasta el infinito, como espejos enfrentados.

Esto es para un vídeo de motion graphics. Aplica "Video Feedback" (también llamado feedback loop) en [escena]: la imagen se vuelve a capturar a sí misma, de modo que dentro del encuadre hay una copia más pequeña de todo el encuadre, otra dentro de esa, y así sucesivamente, alejándose como en unos espejos enfrentados.
Cada copia debe ir un instante por detrás de la que la rodea y estar ligeramente girada, de modo que cualquier movimiento se propague hacia dentro y el túnel se arremoline; unas copias que siguieran solo al sujeto en movimiento serían un eco.
Deja que el túnel crezca y se retuerza a lo largo de [duración].