Termos de motion graphics ao vivo. Prompts prontos para colar.

Camadas planas posicionadas em profundidades diferentes no espaço 3D são vistas por uma câmera, de modo que cada camada se move de um jeito diferente conforme a câmera se desloca.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Construa [cena] com uma "2.5D Camera" (também chamada de multiplane camera ou 2.5D effect): recorte a arte em camadas planas, posicione-as em profundidades diferentes no espaço 3D e mova uma câmera virtual por entre elas.
Cada camada deve continuar sendo um cartão plano enquanto as camadas se deslocam umas em relação às outras conforme a câmera avança, as próximas mais rápido que as distantes — deslizar uma única imagem plana para o lado não daria profundidade nenhuma.
Faça o movimento de câmera ao longo de [duração], lento e flutuante, e deixe a câmera vagar em mais de uma direção para que o espaço pareça real.

A câmera, presa a um braço, sobe ou desce descrevendo um arco, muitas vezes com uma panorâmica vertical para manter o assunto no quadro; é mais amplo que um simples travelling vertical.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um plano de grua ("Crane Shot", também chamado de jib shot ou boom shot): ela sobe ou desce em um arco amplo, como se estivesse na ponta de um braço comprido.
A câmera deve se inclinar durante o trajeto para que o assunto continue preso no quadro enquanto o chão e o fundo se abrem ao redor dele — um travelling vertical apenas ergue a câmera em linha reta, sempre nivelada.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída do arco para que ele pareça grandioso e sem pressa.

Um zoom concluído em poucos quadros, de modo que é percebido como um tranco repentino, e não como uma aproximação suave.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Crash Zoom" (também chamado de snap zoom ou whip zoom): a lente dá zoom no assunto, ou se afasta dele, quase instantaneamente.
Ele deve chegar como um tranco repentino, em poucos quadros, e então segurar o enquadramento — uma aproximação suave e gradual seria um zoom comum.
O momento todo dura [duração]; mantenha o enquadramento parado antes e depois para que o tranco se destaque.

O corpo da câmera avança ou recua, de modo que as camadas próximas crescem mais rápido que as distantes; ao contrário de um zoom, a perspectiva muda.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Dolly" (também chamado de push in, pull out ou dolly shot): a câmera inteira se desloca em direção ao assunto ou para longe dele.
As camadas próximas devem crescer mais rápido que as distantes, para que a perspectiva mude conforme a câmera se move — é isso que o diferencia de um zoom, que amplia tudo por igual.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

Dolly e zoom acontecem em sentidos opostos, de modo que o assunto mantém o tamanho enquanto o fundo se estica ou se comprime.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Dolly Zoom" (também chamado de vertigo effect, zolly ou Hitchcock zoom): a câmera se desloca em direção ao assunto ou para longe dele enquanto a lente dá zoom no sentido oposto.
O assunto deve manter exatamente o mesmo tamanho no quadro enquanto o fundo se estica para longe ou se fecha atrás dele — se o assunto mudar de tamanho, é apenas um dolly ou um zoom.
Faça o movimento ao longo de [duração], em ritmo constante e deliberado, para que a deformação do espaço seja o que o espectador percebe.

Uma câmera aérea avança sobre uma paisagem e, muitas vezes, sobe em seguida para abrir a cena que está além.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um sobrevoo ("Fly-Over", também chamado de aerial shot): ela avança bem acima da cena, olhando para baixo.
Tudo deve correr em direção à câmera e sumir por baixo da borda inferior do quadro à medida que é sobrevoado; depois, a vista se ergue para abrir a cena que está além — um dolly na altura dos olhos só aproxima as coisas, nunca passa por cima delas.
Faça o movimento ao longo de [duração], em velocidade suave e constante, como um drone planando para a frente.

A câmera atravessa uma abertura, como uma janela ou um vão entre vigas, e então revela o assunto que está do outro lado.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Fly-Through" (também chamado de fly-through reveal): ela avança por uma abertura estreita, como uma janela, uma porta ou um vão entre vigas.
A abertura deve preencher a vista e esconder a maior parte do que está além, depois passar voando pelas bordas do quadro quando a câmera a atravessa e o assunto do outro lado aparece por inteiro — um dolly simples só se aproxima de algo que já está à vista.
Faça tudo ao longo de [duração] como um único movimento contínuo para a frente e deixe a câmera se assentar com suavidade assim que o assunto for revelado.

O operador carrega a câmera, e por isso o quadro tem pequenos desvios e tremores irregulares; a shaky cam exagera esse efeito.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], dê à câmera um ar de câmera na mão ("Handheld", também chamada de handheld shot ou shaky cam): ela é levada nas mãos do operador, então o quadro nunca fica totalmente parado.
O quadro inteiro deve vagar e tremer de forma leve e irregular, com o horizonte balançando um pouco — nunca um vaivém regular —, enquanto um Steadicam shot pelo mesmo trajeto deslizaria sem tremor nenhum.
Mantenha durante [duração]; deixe sutil para um realismo documental ou exagere até virar shaky cam para criar caos.

Um travelling circular que também sobe ou desce, traçando uma hélice ao redor do assunto.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Helix Shot" (também chamado de helix): ela circula o assunto enquanto sobe ou desce ao mesmo tempo, traçando uma espiral ao redor dele.
O assunto deve se manter no centro do quadro enquanto o fundo desliza de lado atrás dele e o chão se abre ou se fecha conforme a altura muda — um travelling circular simples fica em uma só altura.
Faça tudo ao longo de [duração] como uma única espiral contínua, girando e subindo em ritmo constante.

A câmera percorre uma curva ao redor de um assunto centralizado enquanto o fundo gira atrás dele.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um travelling circular ("Orbit", também chamado de arc shot): ela circula o assunto sem deixar de apontar para ele.
O assunto deve se manter no centro do quadro enquanto o fundo desliza para um lado atrás dele e o que está na frente desliza para o outro — em um travelling lateral ou em um travelling de acompanhamento, todas as camadas deslizam para o mesmo lado.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

A câmera gira para a esquerda ou para a direita sobre um ponto fixo, de modo que tudo no quadro desliza na mesma velocidade, sem paralaxe; ao contrário de um travelling lateral, o corpo da câmera não se desloca.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com uma panorâmica ("Pan", também chamada de panning): ela gira para a esquerda ou para a direita sem sair do lugar.
Tudo no quadro deve deslizar de lado junto, na mesma velocidade, sem diferença de profundidade entre as camadas próximas e as distantes — é isso que a diferencia de um travelling lateral.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

O corpo da câmera sobe ou desce mantendo-se nivelado, de modo que os objetos próximos se deslocam mais que os distantes, o que o distingue de uma panorâmica vertical.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um travelling vertical ("Pedestal", também chamado de pedestal rise ou boom up/down): a câmera inteira sobe ou desce mantendo-se nivelada.
As camadas próximas devem deslizar na vertical mais rápido que as distantes, para que a cena ganhe profundidade — é isso que o diferencia de uma panorâmica vertical.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

A câmera voa para trás e para cima a partir de um assunto próximo, abrindo o enquadramento para mostrar os arredores.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Pull-Back Reveal" (também chamado de dronie ou pull-away): ela começa perto do assunto e depois voa para trás e para cima, afastando-se dele.
O assunto deve encolher no meio do quadro enquanto cada vez mais dos arredores entra em cena, até que todo o lugar esteja à mostra — um dolly out comum só recua um pouco na altura dos olhos.
Faça o movimento ao longo de [duração], começando com suavidade e abrindo de forma constante, para que a escala do lugar seja o ponto alto.

O plano de foco passa de um assunto para outro dentro de uma mesma tomada, sem mudança de câmera nem de enquadramento.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Rack Focus" (também chamado de pull focus ou focus pull): o foco passa de um assunto para outro, em uma profundidade diferente, dentro do mesmo plano.
Nada deve se mover e o enquadramento não deve mudar — o assunto nítido fica desfocado enquanto o desfocado fica nítido, e é isso que o diferencia de um zoom ou de um movimento de câmera.
O momento todo dura [duração]; segure no primeiro assunto, passe o foco com suavidade e depois segure no segundo.

A câmera gira em torno do eixo da lente, de modo que o horizonte gira no quadro; um roll parcial mantido resulta em um ângulo holandês estático.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Roll" (também chamado de Dutch roll ou Z-axis roll): ela gira em torno do eixo da lente, como quem vira um volante.
O quadro inteiro deve girar em torno do próprio centro, fazendo o horizonte tombar, enquanto a câmera não se desloca nem aponta para outro lugar; parar no meio do caminho deixa um ângulo holandês.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída do giro para que ele não comece nem pare de forma brusca.

A câmera é presa ao corpo do ator, que fica fixo no quadro enquanto o fundo se move ao redor dele.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use uma "Snorricam" (também chamada de body camera ou body cam): a câmera fica presa ao corpo do ator, voltada para ele.
O assunto deve ficar travado exatamente no mesmo lugar do quadro enquanto todo o fundo balança, se inclina e gira ao redor dele a cada passo e a cada virada — em um travelling de acompanhamento, o fundo apenas passa de forma uniforme.
Mantenha durante [duração] e deixe os arredores darem solavancos junto com o movimento do assunto, para que a sensação seja vertiginosa e subjetiva.

Um movimento estabilizado, com a câmera levada pelo operador, que desliza e flutua pelo espaço sem o tremor da câmera na mão.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um "Steadicam Shot" (também chamado de gimbal shot ou glide cam): um operador a leva pelo espaço em um estabilizador.
O movimento deve deslizar e flutuar sem tremor nenhum, livre para contornar as coisas pelo caminho — uma câmera na mão pelo mesmo trajeto tremeria, e um dolly ficaria preso a um trilho reto.
Faça tudo ao longo de [duração] como um único movimento longo, suave e ininterrupto.

A câmera gira para cima ou para baixo sobre um ponto fixo; ao contrário de um travelling vertical, o corpo da câmera não sobe nem desce.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com uma panorâmica vertical ("Tilt", também chamada de tilting ou pitch): ela gira para cima ou para baixo sem sair do lugar.
Tudo no quadro deve deslizar na vertical junto, na mesma velocidade, sem diferença de profundidade entre as camadas próximas e as distantes — é isso que a diferencia de um travelling vertical.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

A câmera acompanha um assunto em movimento por trás, pela frente ou ao lado, mantendo uma distância constante enquanto o fundo passa correndo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um travelling de acompanhamento ("Tracking Shot", também chamado de follow shot ou travelling shot): a câmera se desloca junto com um assunto em movimento.
O assunto deve manter seu lugar e seu tamanho no quadro enquanto os arredores passam correndo, as camadas próximas mais rápido que as distantes — em um travelling lateral, o assunto desliza pelo quadro junto com todo o resto.
Faça o movimento ao longo de [duração], em um ritmo constante que acompanhe o assunto, sempre à mesma distância dele.

O corpo da câmera desliza de lado, de modo que os objetos próximos se deslocam mais que os distantes, o que o distingue de uma panorâmica.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um travelling lateral ("Truck", também chamado de track ou crab shot): a câmera inteira se desloca de lado.
As camadas próximas devem deslizar pelo quadro mais rápido que as distantes, para que a cena ganhe profundidade — é isso que o diferencia de uma panorâmica.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

Uma panorâmica tão rápida que a imagem se desmancha em desfoque de movimento; a versão vertical é um whip tilt.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mova a câmera com um chicote ("Whip Pan", também chamado de swish pan ou flick pan): ela dispara de lado tão rápido que a imagem vira um borrão.
O quadro deve se desmanchar em riscos de desfoque de movimento na direção do deslocamento e chegar nítido na nova vista — uma panorâmica comum continua legível o tempo todo. Feito na vertical, é um whip tilt.
O momento todo dura [duração]; mantenha a câmera parada antes e depois para que o chicote seja percebido como um único golpe rápido.

A distância focal da lente muda, de modo que todas as camadas são ampliadas ou reduzidas na mesma proporção, sem paralaxe alguma; ao contrário de um dolly, a câmera não se desloca.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Zoom" (também chamado de zoom in ou zoom out): a lente muda a distância focal enquanto a câmera fica onde está.
Tudo no quadro deve crescer ou encolher junto, na mesma proporção, sem diferença de profundidade entre as camadas próximas e as distantes — é isso que o diferencia de um dolly.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída para que ele não comece nem pare de forma brusca.

Duas bordas verticais ou horizontais se movem do centro para os lados (ou o inverso), como as portas de um celeiro se abrindo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Barn Door Wipe" (também chamado de barn doors, split ou center split): duas bordas se afastam do meio do quadro em direção aos lados e descobrem o próximo plano, como as portas de um celeiro se abrindo.
Mantenha os dois planos parados enquanto as bordas se deslocam — ao contrário de um push, nada desliza para fora do quadro, e, ao contrário de um wipe simples, a revelação começa no meio e segue para os dois lados ao mesmo tempo. Para a versão de fechamento, traga as bordas dos lados até se encontrarem no meio.
Faça a transição ao longo de [duração], com as duas bordas se movendo no mesmo ritmo.

Um raio varre o quadro em torno do centro, como o ponteiro de um relógio, descobrindo o próximo plano atrás de si.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Clock Wipe" (também chamado de radial wipe): uma linha gira em torno do centro do quadro, como o ponteiro de um relógio, e descobre o próximo plano atrás de si.
Comece com o ponteiro no topo e dê uma única volta em ritmo constante, com os dois planos parados — ao contrário de um wipe simples, a borda gira em torno de um ponto em vez de atravessar o quadro.
Faça a volta completa ao longo de [duração].

Um corte entre duas imagens de tom oposto para enfatizar a diferença entre elas.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Contrast Cut": corte direto de uma imagem para o seu oposto em tom.
Faça os dois lados diferirem o máximo possível — claro contra escuro, pequeno contra grande — e segure cada um por tempo suficiente para comparar; ao contrário de um smash cut, o que importa é a comparação, não o choque.
Encaixe os dois planos em [duração] e não coloque nenhum efeito de transição no corte.

Cortes que alternam entre duas ações que acontecem ao mesmo tempo em lugares diferentes.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Edite [cena] com uma montagem paralela ("Cross-Cut", também chamada de parallel editing ou intercutting): alterne os cortes entre duas ações que acontecem ao mesmo tempo em lugares diferentes.
Deixe as duas ações continuarem avançando enquanto estão fora da tela, de modo que, a cada retorno, a ação seja retomada mais adiante do ponto em que parou — ao contrário de um plano de corte, que sai da ação principal uma única vez e volta.
Encaixe a sequência em [duração] e encurte os trechos perto do fim se a tensão tiver que crescer.

Um plano que deixa brevemente a ação principal para mostrar outra coisa e depois volta ao plano original.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um plano de corte ("Cutaway") em [cena]: corte brevemente da ação principal para um plano de outra coisa e depois corte de volta para o plano original.
Mantenha a ação principal correndo por baixo, de modo que ela já tenha avançado quando voltarmos — ao contrário de uma montagem paralela, o outro plano aparece uma única vez e não é uma linha narrativa própria.
Encaixe tudo em [duração] e mantenha o plano de corte mais curto que os trechos do plano principal ao redor dele.

O plano que sai é desfocado até perder a nitidez e o próximo plano é trazido para o foco, sugerindo sonhos ou a passagem do tempo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com uma "Defocus Transition" (também chamada de defocus ou blur transition): o plano que sai vai perdendo o foco até virar um borrão suave, e o próximo plano é trazido para o foco a partir desse borrão.
Troque os planos quando a imagem estiver no ponto mais desfocado, para que a mudança em si nunca seja vista com nitidez — ao contrário de uma fusão, as duas imagens não se sobrepõem em foco, e, ao contrário de um dip to black, a tela nunca fica em uma cor sólida.
Faça a transição ao longo de [duração], desfocando e focando no mesmo ritmo suave.

O plano que sai some em fade até uma cor sólida, geralmente preto ou branco, e o próximo plano surge em fade a partir dela.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Dip to Black" (também chamado de dip to white, wash ou washout quando a cor é branca): o plano que sai some em fade até uma cor sólida e o próximo plano surge em fade a partir dela.
Os dois planos nunca se sobrepõem e, por um instante no meio, a tela é só a cor sólida — ao contrário de um fade simples, ele segue para o próximo plano.
Faça a transição ao longo de [duração], dividida igualmente entre a saída e a entrada.

A imagem escurece gradualmente até o preto ou surge a partir do preto, sem que outro plano se sobreponha.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Encerre [cena] com um "Fade" (também chamado de fade out ou fade to black): a imagem escurece gradualmente até o preto.
Faça o fade até o preto puro, sem nenhum outro plano aparecendo por trás — ao contrário de um dip to black, ele não segue para outro plano. Para um fade in, faça o caminho inverso e deixe a imagem surgir do preto.
Faça o fade ao longo de [duração], em ritmo constante.

Um plano brevíssimo, muitas vezes de um a três quadros, encaixado à força na sequência para dar um tranco quase subliminar.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Flash Cut" em [cena]: encaixe à força na sequência um plano que dura só alguns quadros e volte na mesma hora.
Ele deve ser sentido mais como um tranco do que como uma imagem — ao contrário de um plano de corte, o espectador não tem tempo de lê-lo.
Encaixe a sequência em [duração] e faça o plano inserido ter um brilho bem diferente dos planos ao redor, para que o flash seja sentido.

Um plano é substituído instantaneamente pelo seguinte, sem nenhum efeito óptico; é a referência com a qual todas as outras transições são comparadas.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una os planos em [cena] com um corte seco ("Hard Cut", também chamado de cut ou direct cut): um plano é substituído pelo seguinte instantaneamente.
Não coloque fade, wipe nem qualquer outro efeito no corte — ao contrário de um smash cut, ele não pretende chocar, é só a troca de plano pura e simples.
Encaixe os planos em [duração] e posicione o corte em uma batida ou em um movimento concluído, para que ele passe despercebido.

Um corte disfarçado para que o espectador não o perceba, muitas vezes escondido atrás de um objeto escuro ou de um movimento de câmera para simular uma única tomada contínua.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Esconda a emenda entre duas tomadas em [cena] com um corte invisível ("Invisible Cut"): disfarce o corte para que a filmagem pareça uma única tomada contínua.
Deixe um objeto escuro preencher o quadro enquanto a câmera continua se movendo, corte nesse momento e retome o mesmo movimento, na mesma velocidade, do outro lado — ao contrário de um natural wipe, o espectador não deve perceber que algo mudou.
Encaixe as duas tomadas em [duração] e mantenha a velocidade da câmera constante durante o corte escondido.

Um corte dentro do mesmo enquadramento que pula um trecho de tempo, de modo que o assunto salta visivelmente de posição enquanto a câmera fica parada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Edite [cena] com um "Jump Cut": corte para a frente no tempo dentro do mesmo plano.
Mantenha a câmera e o enquadramento inalterados e deixe o assunto saltar para uma posição posterior a cada corte, sem transição entre os trechos.
Encaixe a sequência em [duração] e posicione os cortes nas batidas, para que os saltos pareçam intencionais, e não falhas.

O próximo plano aparece através do brilho do plano que sai, de modo que as áreas escuras (ou claras) trocam primeiro.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Luma Fade" (também chamado de luma wipe ou gradient wipe): deixe o próximo plano surgir através do plano que sai de acordo com o brilho dele, primeiro as áreas mais escuras e por último as mais claras.
A mudança deve seguir as formas da imagem — sombras e objetos escuros se transformam no próximo plano enquanto as áreas claras ainda se mantêm —, ao contrário de uma fusão, em que o quadro inteiro se mistura por igual.
Faça a transição ao longo de [duração], avançando suavemente do escuro para o claro, com bordas suaves entre as etapas.

Um corte entre dois planos cuja forma, cor, posição ou ação coincidem, de modo que um se transforma visualmente no outro.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Match Cut" (também chamado de graphic match ou match on action): corte entre dois planos cuja forma, posição ou movimento coincidem.
Coloque a forma principal do plano seguinte exatamente onde estava a do primeiro, no mesmo tamanho e se movendo do mesmo jeito, para que uma pareça se transformar na outra no corte — sem morphing nem fusão entre elas.
Encaixe os dois planos em [duração] e corte no meio do movimento em comum.

O próximo plano aparece através de uma grade de blocos ou de células em padrão que viram em ordem definida ou aleatória.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Matrix Wipe" (também chamado de checkerboard, checker wipe ou random blocks): divida o quadro em uma grade de blocos e vire um após o outro para o próximo plano.
Cada bloco mostra o seu próprio pedaço do novo plano, de modo que a imagem completa se monta no lugar — use uma ordem em xadrez para um visual de padrão regular ou uma ordem aleatória para um visual de glitch, e mantenha os dois planos parados por baixo.
Faça a transição ao longo de [duração], com cada bloco virando rápido e as viradas distribuídas igualmente pelo tempo.

Uma série de muitos planos curtos em rápida sucessão que comprime tempo ou informação em poucos segundos.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Construa [cena] como uma sequência de montagem ("Montage", também chamada de rapid cuts ou dynamic cutting): uma série de muitos planos curtos em rápida sucessão.
Dê a cada plano uma imagem diferente e só um instante na tela, unidos por cortes simples, para que juntos comprimam um longo período de tempo — ao contrário de uma montagem paralela, os planos não alternam entre duas ações fixas.
Encaixe a série inteira em [duração] e mantenha o ritmo dos cortes constante e na batida.

Um objeto em primeiro plano, como uma parede, uma pessoa ou um veículo passando, cruza a frente da lente e esconde o corte para o próximo plano.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Natural Wipe" (também chamado de frame blocking ou invisible wipe): um objeto em primeiro plano passa bem na frente da lente e o próximo plano já está lá atrás dele.
Mantenha a troca escondida sob o objeto durante toda a travessia, para que o próprio objeto pareça varrer o plano antigo para fora — ao contrário de um wipe simples, não há borda desenhada, e, ao contrário de um corte invisível, a intenção é que o espectador veja que a cena mudou.
Faça a passagem ao longo de [duração], com o objeto se movendo em velocidade constante e natural.

O plano que sai se descola ou vira como uma página, descobrindo o próximo plano atrás dele.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Page Peel" (também chamado de page curl, ou de page turn quando o lado inteiro se levanta): o plano que sai se levanta por um canto e se descola como uma folha de papel, descobrindo o próximo plano que está por baixo.
Mostre o verso da página enquanto ela se dobra e mantenha parado o plano de baixo — ao contrário de um wipe simples, a imagem antiga é percebida como uma folha física sendo retirada.
Faça a transição ao longo de [duração], suavizando a entrada quando o canto se levanta e a saída quando a página deixa o quadro.

Um salto instantâneo para um enquadramento mais fechado do mesmo assunto, no mesmo eixo, sem percurso de zoom entre os dois tamanhos.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Punch In" (também chamado de cut-in ou axial cut): corte instantaneamente para um enquadramento mais fechado do mesmo assunto, no mesmo eixo.
Não mostre nenhum percurso de zoom entre os dois tamanhos e deixe a ação seguir sem pular tempo — é isso que o diferencia de um zoom e de um jump cut.
Encaixe tudo em [duração] e coloque o corte na palavra ou no detalhe que deve receber a ênfase.

Uma fusão com uma distorção ondulante na imagem, como água, que tradicionalmente indica um flashback ou um acontecimento imaginado.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Ripple Dissolve": faça a fusão de um plano para o seguinte enquanto a imagem ondula como a superfície da água.
Deixe a ondulação crescer no plano que sai, se manter durante a sobreposição e se acalmar no plano que entra — ao contrário de uma fusão simples, a imagem se curva enquanto se mistura, e, ao contrário de uma defocus transition, ela continua nítida.
Faça a transição ao longo de [duração], com as ondas fluindo suavemente em uma só direção.

O plano que entra desliza por cima do plano que sai enquanto o plano antigo fica parado.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Slide" (também chamado de band slide): o plano que entra desliza a partir de uma borda e cobre o plano que sai.
Mantenha o plano que sai onde está enquanto ele é coberto — ao contrário de um push, ele não é empurrado para fora do quadro.
Faça a transição ao longo de [duração] e suavize a entrada e a saída, para que o novo plano se assente em vez de parar de repente.

Um corte abrupto de uma cena para outra de forte contraste, sem preparação, usado para chocar ou para fechar uma piada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Smash Cut" (também chamado de Gilligan cut ou bicycle cut): corte abruptamente de um plano tranquilo para outro de forte contraste.
Não dê nenhuma preparação — segure o plano calmo e então caia no meio de uma ação barulhenta e rápida, sem fade nem crescendo; ao contrário de um corte seco simples, o tranco é o que importa.
Encaixe os dois planos em [duração] e deixe o plano tranquilo durar um pouco mais do que seria confortável antes do corte.

Uma máscara em forma de estrela, que cresce ou encolhe, traz o próximo plano para dentro do quadro.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com um "Star Wipe" (também chamado de shape wipe, ou de heart wipe quando a forma é um coração): uma abertura em forma de estrela cresce a partir do meio do quadro e traz o próximo plano por dentro dela.
Mantenha a borda da estrela bem definida e os dois planos parados, e deixe a forma crescer até ultrapassar todos os cantos — ao contrário de um wipe em íris, a abertura é uma forma reconhecível, e não um círculo.
Faça a transição ao longo de [duração], começando devagar para que a forma seja percebida antes de preencher o quadro.

Faixas paralelas revelam o próximo plano, como as lâminas de uma persiana se abrindo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com uma transição de persianas ("Venetian Blinds", também chamada de band wipe): um conjunto de faixas paralelas se abre pelo quadro e revela o próximo plano, como as lâminas de uma persiana se abrindo.
Faça as faixas com a mesma largura e abra todas ao mesmo tempo — ao contrário de um wipe simples, nenhuma borda única atravessa o quadro, e os dois planos ficam parados.
Faça a transição ao longo de [duração], com todas as faixas se abrindo no mesmo ritmo.

O plano que sai dá um zoom rápido em direção a um ponto e o plano que entra surge em zoom a partir de um ponto parecido, como se voasse através do corte.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Una dois planos em [cena] com uma "Zoom Transition" (também chamada de zoom in/out transition): o plano que sai dá um zoom rápido em direção a um ponto e o plano que entra surge desse mesmo ponto, como se voasse através do corte.
Mantenha o zoom em uma só direção ao longo dos dois planos e esconda o corte no momento mais rápido — ao contrário de um punch in, o percurso entre os tamanhos é mostrado, e, ao contrário de um zoom de câmera, ele termina em um plano diferente.
Faça a transição ao longo de [duração], acelerando até o corte e desacelerando depois dele.

A pose só é atualizada a cada 2 ou 3 quadros, o que dá um ritmo mais picotado, de desenho à mão, do que o movimento atualizado a cada quadro (ones).

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime [cena] com "Animating on Twos" (também chamado de on twos ou held frames): segure cada pose por dois quadros, de modo que a imagem seja atualizada com metade da frequência com que o vídeo é reproduzido.
O movimento deve manter a trajetória e a velocidade geral, mas avançar em pequenos trancos regulares, como em uma animação desenhada à mão ou em stop motion — e não em poucos saltos grandes com pausas longas, o que seria um stepped ease.
Mantenha assim durante [duração] e segure cada pose por um quadro a mais (on threes) se quiser um resultado ainda mais picotado.

Um pequeno movimento na direção oposta antes do movimento principal, como quem toma impulso; é o equivalente, no início do movimento, do Overshoot.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Comece o movimento em [cena] com uma antecipação ("Anticipation", também chamada de wind-up ou back in): o objeto primeiro recua um pouco na direção oposta e depois dispara para o movimento principal.
O recuo pertence ao início, antes de o objeto partir — é o espelho de um overshoot, que passa do alvo no final.
Encaixe o recuo e o movimento em [duração], mantendo o recuo pequeno e sem pressa para que o disparo que vem depois pareça rápido.

O objeto segue uma trajetória curva em vez de uma linha reta; compare com um movimento reto de A a B.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Mova o objeto em [cena] em arcos ("Arcs", também chamados de arc motion ou curved path): ele vai de uma posição à seguinte por uma trajetória curva em vez de uma linha reta.
Os pontos inicial e final ficam onde estão — só o caminho entre eles se curva, como se move uma bola arremessada ou um braço balançando, enquanto um movimento reto de A a B parece mecânico.
Encaixe o movimento em [duração] e mantenha a curva como um único traço suave, sem quebras pelo caminho.

O objeto atinge o alvo como uma bola batendo no chão e quica em pulos cada vez menores até parar; difere do Elastic pela parada seca a cada contato.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Termine o movimento em [cena] com um "Bounce" (também chamado de bounce ease ou bounce out): o objeto atinge o alvo como uma bola batendo no chão e quica em pulos cada vez menores até parar.
Ele nunca deve atravessar o alvo — cada contato é uma parada seca que o manda direto de volta, ao contrário de um elastic ease, que passa do alvo para os dois lados.
Encaixe o movimento e os pulos em [duração] e faça cada pulo claramente mais curto que o anterior.

O movimento se repete desde o início; em um loop sem emendas, o estado final coincide com o inicial, de modo que não se vê nenhum reinício.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Repita o movimento em [cena] como um "Cycle Loop" (também chamado de loop ou repeat): cada vez que chega ao fim, ele recomeça do início.
Ele deve saltar de volta ao início em vez de ser reproduzido ao contrário, o que seria um ping-pong loop. Para um loop sem emendas, faça o último quadro coincidir com o primeiro, para que o reinício não possa ser visto.
Mantenha o loop durante [duração]; se cada repetição tiver que continuar de onde a anterior terminou em vez de voltar ao início, use um loop com offset.

Começa devagar e acelera em direção ao fim, de modo que o objeto sai em velocidade máxima; é o oposto do Ease Out.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime o movimento em [cena] com um "Ease In" (também chamado de slow in ou accelerating): ele começa devagar e continua acelerando, de modo que o objeto está em velocidade máxima quando o movimento termina.
Não suavize o final — isso é um ease out, a curva oposta, que começa rápida e se assenta com suavidade.
Encaixe o movimento em [duração]; ele combina com um objeto que sai do quadro, já que nunca é visto parando.

Início lento, meio rápido, parada lenta; difere do Ease Out por também acelerar suavemente no início.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime o movimento em [cena] com um "Ease In-Out" (também chamado de easy ease ou slow in and slow out): ele começa devagar, é mais rápido no meio e desacelera até uma parada suave.
As duas pontas devem ser suaves — ao contrário de um ease out, que começa em velocidade máxima e só suaviza a parada.
Encaixe o movimento em [duração] e escolha uma curva mais forte se o meio tiver que parecer um estalo rápido entre dois repousos.

Começa rápido e desacelera até uma parada suave; o objeto chega já em movimento e se assenta com suavidade, o oposto do Ease In.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime o movimento em [cena] com um "Ease Out" (também chamado de slow out ou decelerating): ele começa em velocidade máxima e desacelera de forma constante até uma parada suave.
Não suavize o início — o objeto já deve estar em movimento quando aparece, ao contrário de um ease in-out, que também ganha velocidade suavemente.
Encaixe o movimento em [duração]; ele combina com um elemento que entra no quadro e se assenta no lugar.

Não é um visual único, e sim a ideia de que a velocidade muda ao longo de um movimento; compare com Linear para ver como o movimento com easing parece natural em vez de mecânico.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Dê "Easing" (também chamado de timing curve ou speed curve) a todos os movimentos em [cena]: deixe a velocidade mudar ao longo de cada movimento em vez de ficar constante.
O movimento em velocidade constante (linear) parece mecânico; o movimento com easing ganha velocidade e desacelera como as coisas reais — ease out para o que chega, ease in para o que sai, ease in-out para movimentos que ficam na tela.
Mantenha cada movimento dentro de [duração] e use a mesma família de curvas do início ao fim, para que a peça pareça coerente.

Oscila em torno do alvo várias vezes, com amplitude cada vez menor, como um elástico esticado que é solto; tem mais oscilações que o Overshoot.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime o movimento em [cena] com um easing "Elastic" (também chamado de elastic ease ou elastic out): o objeto dispara até o alvo e oscila de um lado para o outro em torno dele, cada balanço menor que o anterior, como um elástico esticado que é solto.
Ele deve cruzar o alvo várias vezes — um overshoot passa dele uma única vez, e um bounce nunca passa dele.
Encaixe o movimento e a oscilação em [duração] e deixe a oscilação se extinguir por completo antes do fim.

Um movimento real levado a uma escala ou a um timing mais extremos que os do realismo; só é visível como uma escolha de intensidade em comparação com uma versão realista.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime [cena] com exagero ("Exaggeration"): pegue o movimento como ele aconteceria de verdade e leve-o mais longe — um recuo maior, um esticamento mais longo, uma parada mais seca.
É a mesma ação com a intensidade aumentada, não uma ação diferente: mantenha a trajetória e a ordem dos acontecimentos e amplie até onde e com que força cada um deles vai.
Encaixe tudo em [duração] e pare um pouco antes do ponto em que o objeto deixa de ser reconhecível — deve parecer cartunesco e divertido, não quebrado.

As partes presas de forma solta continuam se movendo ou ficam para trás depois que o corpo principal para ou parte, de modo que as partes não se movem nem param todas juntas.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime [cena] com continuidade e sobreposição da ação ("Follow Through and Overlapping Action", também chamada de drag ou lag): as partes presas de forma solta ficam para trás quando o corpo principal parte e, depois que ele para, seguem em frente, passam do ponto e se assentam.
As partes não devem se mover nem parar todas juntas. Elas são passivas — puxadas pelo corpo —, ao contrário de uma ação secundária, que é um pequeno gesto separado que acontece junto com o principal.
Encaixe o movimento e o assentamento em [duração] e deixe as partes mais longas ou mais leves se atrasarem mais e demorarem mais para parar.

Os contornos tremem de leve de um quadro para o outro, como se fossem redesenhados a cada vez, o que dá um visual vivo e artesanal mesmo quando a forma fica parada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Dê aos contornos em [cena] um "Line Boil" (também chamado de boiling lines ou wiggly lines): redesenhe cada linha de um jeito um pouco diferente a cada poucos quadros, de modo que ela trema no lugar mesmo enquanto a forma em si fica parada.
Ele deve mudar em pequenos passos repentinos, em uma taxa de quadros baixa, como quando se folheiam desenhos decalcados à mão — sem fluir suavemente, o que pareceria líquido, e sem deslocar a forma inteira, o que é um wiggle.
Mantenha o boil durante [duração] e deixe o tremor pequeno o bastante para que a forma continue fácil de ler.

O objeto passa um pouco do alvo e depois volta a ele; difere do Bounce por fazer uma única passagem e se assentar sem bater em um chão.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Termine o movimento em [cena] com um "Overshoot" (também chamado de back ease ou back out): o objeto passa um pouco do alvo, depois volta e se assenta nele.
Ele deve passar do alvo uma única vez, sem oscilação depois — um bounce atinge o alvo e quica sem passar dele, e um elastic ease passa dele várias vezes.
Encaixe o movimento em [duração] e mantenha o overshoot pequeno, para que ele seja percebido como energia, e não como um erro.

O movimento é reproduzido para a frente e depois ao contrário, repetidamente; difere do Cycle Loop por não saltar de volta ao início.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Repita o movimento em [cena] como um "Ping-Pong Loop" (também chamado de yoyo ou boomerang): ele é reproduzido para a frente até o fim, depois ao contrário até o início, e continua indo e voltando.
Ele nunca deve saltar — um cycle loop volta de estalo ao primeiro quadro e recomeça, enquanto este refaz o próprio caminho.
Mantenha durante [duração], com uma virada suave em cada ponta, para que a mudança de direção pareça uma respiração, e não uma batida na parede.

Um movimento menor, de apoio, acontece junto com o principal para dar mais vida sem roubar a atenção.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione uma ação secundária ("Secondary Action") ao movimento principal em [cena]: um movimento menor, de apoio, que acontece junto com ele — um pequeno destaque, uma piscada, um toque rápido — para dar mais vida.
É um pequeno gesto próprio, não uma parte solta arrastada atrás do corpo (isso é continuidade e sobreposição da ação), e nunca deve desviar a atenção da ação principal.
Encaixe os dois em [duração] e deixe o movimento pequeno começar e terminar dentro do principal.

Um ou dois quadros intermediários distorcem ou duplicam o assunto ao longo da trajetória para simular desfoque de movimento durante um movimento muito rápido.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Use um "Smear Frame" (também chamado de smear ou elongated in-between) no movimento rápido em [cena]: por apenas um ou dois quadros, no meio do movimento, estique o assunto ao longo da trajetória para que ele preencha o espaço entre as duas posições.
A própria forma é redesenhada — esticada, repetida em várias cópias ou seguida por linhas de movimento —, em vez de desfocada como uma câmera a desfocaria, e os quadros anteriores e posteriores continuam nítidos e sem distorção.
Mantenha o movimento inteiro dentro de [duração] e bem rápido, para que o smear seja sentido como velocidade, e não notado como uma forma.

Movimento guiado por física que passa do alvo e oscila em torno dele antes de parar; o comportamento vem da rigidez, do amortecimento e da massa, e não de uma curva fixa.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Conduza o movimento em [cena] com um "Spring" (também chamado de spring animation ou damped spring): uma mola simulada puxa o objeto até o alvo, de modo que ele ganha velocidade a partir do repouso, passa do alvo e oscila em torno dele antes de parar.
O movimento deve vir da rigidez, do amortecimento e da massa, e não de uma curva fixa — reduza o amortecimento para ter mais oscilações ou aumente-o até que o objeto se assente sem nenhum overshoot.
Deixe-o chegar ao repouso dentro de [duração] e mantenha as mesmas configurações de mola em todos os elementos, para que pareçam feitos do mesmo material.

O objeto se comprime e se alonga mantendo o volume, o que transmite peso e flexibilidade.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime [cena] com comprimir e esticar ("Squash and Stretch"): o objeto se achata quando pousa ou é atingido e se alonga na direção do deslocamento enquanto se move rápido.
Mantenha o volume constante — quando ele fica mais largo, precisa ficar mais baixo, e vice-versa — e ligue cada mudança de forma ao movimento, para que ela seja percebida como peso e flexibilidade, e não como uma oscilação de elástico feita no lugar.
Encaixe a ação em [duração] e deforme bastante para algo macio e só um pouco para algo rígido.

O valor salta em passos discretos (ou uma única vez, no caso de um hold) em vez de se mover suavemente; um hold é um único salto instantâneo que depois fica parado.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Anime a mudança em [cena] com "Steps" (também chamado de stepped ease ou hold keyframes): o valor salta de uma posição para a seguinte em alguns passos discretos e fica parado entre eles, sem movimento intermediário suave.
Para um hold, faça um único salto — o objeto fica parado, salta para o novo valor em um instante e permanece lá. São alguns saltos deliberados, não o picotado fino, quadro a quadro, de animating on twos.
Distribua os saltos igualmente ao longo de [duração].

Pequenos deslocamentos aleatórios, com frequência e amplitude definidas, fazem o objeto tremer ou vagar de forma irregular em vez de seguir uma trajetória desenhada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Wiggle" (também chamado de jitter ou random shake) ao elemento em [cena]: ele fica saindo do lugar em pequenos desvios aleatórios, em um ritmo constante e dentro de uma faixa constante.
Os deslocamentos precisam ser irregulares — um balanço uniforme de um lado para o outro é um shake, não um wiggle — e só esse elemento se move, não o quadro inteiro, como acontece com uma câmera na mão.
Mantenha durante [duração], aplicando o wiggle na posição — ou então na rotação ou na escala, se isso combinar melhor com o elemento.

Um texto com espessura real em profundidade gira ou voa no espaço 3D, de modo que as laterais recebem luz.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Crie o título em [cena] com texto 3D ("3D Extruded Text", também chamado de 3D text animation ou extruded title): as letras têm espessura real e giram ou voam pelo espaço 3D, de modo que as laterais recebem a luz.
Sombreie as laterais de forma diferente das faces e deixe esse sombreado mudar conforme o texto gira — a profundidade precisa ser percebida como um bloco sólido, não como uma sombra projetada chapada atrás das letras.
Faça o movimento ao longo de [duração] e suavize a chegada a um ângulo final em que tanto as faces quanto as laterais estejam visíveis.

Uma linha se estende de um ponto de interesse até um rótulo ou uma caixa que surge com um pop, apontando para uma parte da imagem; difere do terço inferior porque mira um ponto dentro da imagem.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Callout" (também chamado de callout line ou sketch callout) em [cena]: uma linha se estende de um ponto de interesse na imagem até um rótulo que surge com um pop na ponta dela.
Ancore a linha no ponto exato a que ela se refere, desenhe primeiro a linha e traga o rótulo depois — ao contrário de um terço inferior, que fica em uma faixa fixa na parte de baixo, um callout aponta para algo dentro da imagem. Para uma versão sketch, desenhe um anel em volta do ponto e a linha como se fossem feitos à mão.
Faça tudo ao longo de [duração], mantenha a linha fina para que ela não esconda a imagem e segure o rótulo por tempo suficiente para a leitura.

Um círculo ou anel se expande rapidamente a partir de um ponto e some, criando um destaque atrás de um elemento que chega.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], destaque um elemento que chega com um "Circle Burst" (também chamado de circle pop ou ring burst): um anel se expande rapidamente a partir do centro do elemento e some atrás dele.
Deixe o anel afinar à medida que cresce e já ter sumido quando o elemento tiver se assentado — ao contrário de um line burst, o destaque é um único anel fechado, não traços separados disparando para fora.
Encaixe tudo em [duração], rápido no início e desacelerando no fim, e dispare-o no momento em que o elemento aparece.

Uma coluna plana de nomes rola continuamente para cima (ou para o lado, nos staff rolls) em velocidade constante.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Encerre [cena] com créditos finais ("Credit Roll", também chamados de credit crawl, staff roll ou end credits scroll): uma coluna plana de nomes rola continuamente quadro acima.
Mantenha a velocidade constante do início ao fim e o texto plano e do mesmo tamanho o tempo todo — ao contrário de um title crawl, nada se inclina para trás nem encolhe ao longe. Para uma versão staff roll, faça os nomes atravessarem o quadro de lado.
Faça a rolagem ao longo de [duração], devagar o bastante para que cada linha possa ser lida enquanto passa.

A legenda inteira fica na tela enquanto cada palavra se acende ao ser falada; difere das Pop Captions porque o texto nunca aparece nem desaparece palavra por palavra.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Legende [cena] com legendas karaokê ("Karaoke Captions", também chamadas de word highlight captions ou karaoke subtitles): a legenda inteira fica na tela e cada palavra se acende ao ser falada.
Só o realce passa de palavra em palavra — ao contrário das pop captions, nenhuma palavra aparece nem desaparece. Marque a palavra falada com uma mudança de cor, um bloco atrás dela, um leve aumento de escala ou um pequeno bounce.
Sincronize os realces com a fala ao longo de [duração] e mantenha a legenda na parte inferior do quadro, sem encobrir o assunto.

Traços curtos irradiam para fora a partir de um ponto ou elemento e depois se recolhem ou somem; é usado como destaque quando algo surge com um pop.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], destaque um elemento que chega com um "Line Burst" (também chamado de radial line burst ou shape burst): traços curtos disparam para fora ao redor do elemento e depois se recolhem ou somem.
Distribua os traços igualmente ao redor do elemento e deixe cada um crescer a partir da ponta interna e sumir em direção à ponta externa — ao contrário de um circle burst, o destaque é um anel de raios separados, não um círculo fechado. Para uma versão com polígonos, lance pequenas formas para fora em vez de traços.
Encaixe tudo em [duração], rápido e seco, e dispare-o no momento em que o elemento surge com um pop.

A linha de um gráfico é desenhada ao longo dos pontos de dados, da esquerda para a direita, com marcadores surgindo com um pop em cada ponto.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], mostre uma tendência com um gráfico de linhas animado ("Line Chart Draw", também chamado de line graph draw-on): a linha do gráfico se desenha da esquerda para a direita ao longo dos pontos de dados, e um marcador surge com um pop em cada ponto quando a linha chega a ele.
Mantenha os eixos e as linhas de grade parados e já no lugar, para que só a linha e os marcadores se movam — ao contrário de um map route, nada viaja ao longo da linha; cada marcador fica no seu próprio ponto de dados.
Desenhe ao longo de [duração] em ritmo constante e sincronize o pop de cada marcador com o momento em que a linha chega.

Formas e texto se esticam, ondulam e fluem como água, com bordas suaves e oscilantes; difere do Blob Morph porque deforma a arte real, e não uma forma isolada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], anime a arte com "Liquid Motion" (também chamado de liquid animation, fluid motion ou fluid simulation): as formas e o texto se esticam, ondulam e fluem como água, com bordas suaves e oscilantes.
Deforme a própria arte, e não um blob separado — deixe cada parte se comprimir e se esticar como se tivesse volume, soltar gotas que caem de volta e se fundem, e grudar por um instante nas vizinhas quando se tocam.
Faça tudo ao longo de [duração] e deixe a oscilação diminuir aos poucos até que a arte fique nítida e parada de novo.

Elementos entram voando ou flutuando e convergem até formar o logo final; difere de uma revelação simples porque o logo só é montado no fim do movimento.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Traga o logo para [cena] com um "Logo Resolve": elementos separados entram voando ou flutuando de lugares diferentes e convergem até se encaixarem como o logo finalizado.
Mantenha o logo ilegível até o último instante — ao contrário de uma animação de logo simples, em que a marca é descoberta no lugar, aqui ele só existe quando a última peça chega. Comece com as peças espalhadas, giradas e em tamanhos diferentes, e escalone as chegadas.
Gaste a maior parte de [duração] na convergência e depois deixe o logo montado se assentar e permanecer.

Uma sequência curta que faz a transição para a marca com movimento; é o termo guarda-chuva para a maioria das animações de logo, sendo bumper e ident os formatos curtos de inserção.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Termine [cena] na marca com uma animação de logo ("Logo Reveal", também chamada de logo sting, logo intro, logo animation, ident, logo bumper, logo build ou logo assemble): uma sequência curta em que o logo aparece com movimento e depois permanece.
Escolha um tratamento e fique com ele — um wipe e um slide limpos, partículas se juntando na marca, um respingo líquido do qual ela emerge, um glitch que se encaixa de estalo, tubos de neon que acendem piscando ou uma órbita 3D que gira até ficar de frente para o espectador. Ao contrário de um logo resolve, o logo é descoberto onde está, em vez de ser montado a partir de peças que entram voando.
Mantenha a revelação inteira dentro de [duração] e deixe o logo finalizado parado na tela por tempo suficiente para ser assimilado.

Um grafismo com nome ou cargo entra na parte inferior do quadro deslizando, em wipe ou em fade, permanece e depois sai animado, sem cobrir a imagem principal.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um terço inferior ("Lower Third", também chamado de chyron, name strap, super, aston ou CG) em [cena]: um grafismo com nome e cargo entra animado na parte inferior do quadro, permanece e depois sai animado.
Mantenha-o na faixa de baixo e deslocado para um dos lados, para que nunca cubra a imagem principal — ao contrário de um callout, ele não aponta para nada dentro da imagem. Traga-o com um slide ou um wipe e retire-o do mesmo jeito, ao contrário.
Encaixe a entrada, a permanência e a saída em [duração], com a permanência longa o bastante para ler as duas linhas.

Uma linha se desenha ao longo de uma rota entre lugares em um mapa enquanto um marcador viaja por ela.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], trace uma viagem com um "Map Route" (também chamado de map route animation ou travel route): uma linha se desenha ao longo da rota entre dois lugares em um mapa enquanto um marcador viaja por ela.
Mantenha o marcador na ponta dianteira da linha e gire-o para que aponte para onde está indo em cada curva — ao contrário de um gráfico de linhas animado, não há eixos nem pontos de dados, só um viajante indo de um lugar a outro.
Faça a viagem ao longo de [duração], suavizando a partida e a chegada, e marque o destino quando o marcador chegar lá.

Uma camada plana, como uma tela ou um cartão, é inclinada para trás em 3D, de modo que recua em direção a uma das bordas e ganha profundidade; quem se inclina é a camada, não a câmera.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], dê a uma tela ou a um cartão plano um "Perspective Tilt": ele se inclina para trás em 3D, de modo que uma das bordas recua ao longe e a camada ganha profundidade.
Incline a própria camada e deixe tudo o que está atrás dela exatamente onde está — ao contrário de uma panorâmica vertical de câmera, o resto da imagem não deve se mover. Deixe a borda distante encolher e a borda próxima crescer, para que a perspectiva seja percebida com clareza.
Suavize a entrada e a saída da inclinação ao longo de [duração] e pare em um ângulo em que o conteúdo da camada ainda seja legível.

As legendas aparecem uma palavra ou uma frase curta de cada vez, cada uma surgindo com um pop ao ser falada e substituindo a anterior.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Legende [cena] com "Pop Captions" (também chamadas de build captions ou word-by-word captions): mostre uma palavra ou uma frase curta de cada vez, cada uma surgindo com um pop ao ser falada e substituindo a anterior.
Mantenha todas as palavras no mesmo ponto, para que o olho nunca precise se deslocar — ao contrário das legendas karaokê, a frase inteira nunca está na tela de uma vez. Dê a cada palavra um aumento rápido de escala com um leve overshoot.
Sincronize as palavras com a fala ao longo de [duração] e mantenha-as grandes, em negrito e sem encobrir o assunto.

Um elemento cresce em escala a partir do zero, com um leve overshoot, e se assenta; é a chegada enérgica usada tanto para palavras quanto para formas.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], traga um elemento com um "Pop-In" (também chamado de scale pop, pop, text pop ou line pop): ele cresce em escala a partir do nada, faz um leve overshoot e se assenta no tamanho final.
Aumente a escala a partir do próprio centro, no lugar, e mantenha o overshoot pequeno, para que seja percebido como uma chegada com efeito de mola — nada entra voando nem deslizando de outro lugar. Use o mesmo movimento para uma palavra, uma forma ou uma linha; uma linha faz o pop ao longo do comprimento.
Encaixe cada pop em [duração], rápido na largada e rápido para se assentar, e escalone vários elementos para que cheguem um depois do outro.

Muitas linhas de texto, comentários ou dados brutos caem em cascata, rolam ou chovem pela tela como uma textura.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Preencha [cena] com "Streaming Text" (também chamado de text rain ou data cascade): muitas linhas de texto, comentários ou dados brutos correm pela tela e são percebidas como uma textura em movimento.
Sobreponha linhas de tamanhos diferentes que se movem em velocidades diferentes, para que o campo tenha profundidade, e nunca pare em nenhuma linha — ninguém deve ler aquilo, só sentir o volume.
Mantenha durante [duração] em um fluxo constante e deixe tudo apagado o bastante para ficar atrás do que estiver na frente.

Uma palavra ou letra se transforma em outra mudando de forma, de fonte ou de peso no lugar, em vez de ser trocada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], transforme uma palavra ou letra em outra com um "Text Morph" (também chamado de text morphing, fluid typography ou liquid morphing text): as formas das letras se remodelam no lugar até se tornarem as novas.
Leve cada traço continuamente da forma antiga para a nova — nada some em fade, corta nem é trocado, de modo que o espectador vê uma forma se tornar a outra. Faça o morph de letra para letra, mude o peso ou a fonte da mesma palavra, ou deixe as formas derreterem juntas e se firmarem de novo como um líquido.
Encaixe a mudança em [duração] e segure cada palavra por tempo suficiente para a leitura antes e depois do morph.

O texto fica sobre um caminho curvo e viaja por ele, entrando, rodopiando e saindo enquanto segue a curva.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], anime uma linha de texto no caminho ("Text on Path", também chamado de text path animation ou text along path): o texto fica sobre um caminho curvo e viaja por ele, entrando, rodopiando pelas curvas e saindo.
Mantenha cada letra apoiada na curva e girando com ela ao avançar, para que a linha de texto se dobre como uma fita em vez de deslizar como um bloco rígido.
Faça a passagem ao longo de [duração] em um fluxo uniforme e mantenha o caminho como uma única curva suave e ampla, para que as letras continuem legíveis nas curvas.

Parágrafos de texto rolam para cima inclinados para trás em perspectiva, encolhendo em direção a um ponto de fuga; difere dos créditos finais, que ficam planos.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Abra [cena] com um "Title Crawl" (também chamado de opening crawl, roll-up ou scrolling typography): parágrafos de texto rolam para cima inclinados para trás em perspectiva, encolhendo em direção a um ponto de fuga.
Coloque o texto sobre uma superfície que se inclina para longe do espectador, de modo que as linhas entrem grandes embaixo e sumam pequenas ao longe — ao contrário dos créditos finais, que ficam planos e do mesmo tamanho até o alto.
Faça a rolagem ao longo de [duração] em ritmo constante, devagar o bastante para que cada linha possa ser lida antes de se afastar.

Barras, linhas ou formas se movem no ritmo do volume e da frequência de uma trilha de áudio.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um visualizador de áudio ("Audio-Reactive Visualizer", também chamado de audio visualizer, music visualizer, audio spectrum ou waveform animation) em [cena]: barras, linhas ou formas que se movem no ritmo da trilha de áudio.
Conduza o movimento a partir do próprio áudio — os momentos mais altos empurram as formas mais longe e frequências diferentes movem partes diferentes —, de modo que cada batida vire um salto visível e os trechos mais baixos se acalmem; um equalizador que só pulsa em um ritmo fixo não está reagindo a nada.
Mantenha durante [duração], com uma subida rápida em cada batida e uma descida mais lenta depois dela.

As áreas claras vazam um halo suave para o entorno, e o halo pode pulsar, de modo que objetos, texto ou formas parecem emitir luz.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Bloom" (também chamado de glow effect) às partes claras em [cena]: deixe a luz delas transbordar das bordas como um halo suave, para que pareçam emitir luz.
O halo pertence ao objeto claro e se desloca com ele, sumindo suavemente, sem borda dura — ao contrário de um vazamento de luz, que invade a partir da borda do quadro, ou de um lens flare, que acrescenta anéis e riscos.
Segure o efeito por [duração] e deixe o halo respirar de leve, crescendo e recuando como uma pulsação lenta.

O tempo parece quase parado enquanto o ponto de vista gira ao redor da ação congelada; ao contrário da imagem congelada, a câmera continua se movendo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use "Bullet Time" (também chamado de time slice ou frozen moment): no auge da ação, o tempo quase para enquanto a câmera gira ao redor do assunto.
O assunto deve ficar suspenso, quase imóvel, enquanto as camadas próximas e distantes deslizam umas pelas outras conforme o ponto de vista se desloca — se a câmera também parar, é só uma imagem congelada.
Dê ao momento todo [duração]: entre na parada de forma abrupta e depois mantenha o giro suave e constante.

Uma fotografia estática em que só um elemento se move em um loop sem emendas, de modo que o resto do quadro fica congelado.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Transforme [cena] em um "Cinemagraph" (também chamado de video snapshot): uma fotografia estática em que só um elemento continua se movendo.
Mantenha todo o resto perfeitamente congelado e deixe esse único elemento se repetir em um loop sem emendas, sem salto visível no ponto em que recomeça — se nada se mover, é só uma imagem congelada.
Deixe o loop rodar durante [duração] e escolha um movimento pequeno, que se repita naturalmente, para que a imobilidade ao redor se destaque.

A compressão de vídeo é explorada (com os I-frames removidos) para que o movimento do clipe seguinte arraste e derreta os pixels do anterior, gerando blocos borrados que escorrem.

Isto é para um vídeo de motion graphics. No corte entre os dois planos em [cena], use um "Datamosh" (também chamado de datamoshing): em vez de trocar de forma limpa, deixe a imagem antiga ficar na tela e ser empurrada pelo movimento do novo plano, como se o vídeo comprimido tivesse perdido o keyframe.
A imagem que sobrou deve borrar e escorrer em blocos na direção em que as coisas se movem, derretendo pedaço por pedaço até que o novo plano esteja completamente ali — um derretimento lento em um corte, ao contrário de um glitch, que rasga por um instante e volta de estalo.
Deixe o derretimento acontecer ao longo de [duração] e depois deixe o novo plano limpo.

A imagem ondula como se fosse vista através de ar quente ou de água, porque os pixels são deslocados por um mapa de ruído em movimento.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione uma "Displacement Distortion" (também chamada de heat haze, heat shimmer ou turbulent displacement) em [cena]: faça a imagem ondular como se fosse vista através de ar quente, deslocando os pixels com um mapa de ruído que não para de se mover.
Tudo fica onde está e apenas se curva e oscila suavemente no lugar; o plano não muda, e é isso que a diferencia de um ripple dissolve.
Mantenha a ondulação durante [duração], com o ruído subindo devagar para que a oscilação nunca se repita nem congele.

Cópias de quadros anteriores são mescladas atrás do atual, de modo que um assunto em movimento deixa um rastro de si mesmo que vai sumindo; difere do desfoque de movimento porque as cópias continuam distintas em vez de borrarem de forma contínua.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um eco ("Echo", também chamado de ghosting, trails ou motion trails) ao assunto em movimento em [cena]: cópias dos quadros anteriores dele ficam para trás e vão sumindo.
Cada cópia deve continuar sendo um fantasma separado e legível, recuando ao longo da trajetória, mais fraco quanto mais antigo — um borrão contínuo seria desfoque de movimento.
Faça tudo ao longo de [duração] e deixe o rastro alcançar o assunto e desaparecer quando ele parar.

A filmagem é reproduzida em velocidade constante, mais rápida que o tempo real, de modo que o movimento parece apressado ou cômico; ao contrário do Time-Lapse, é só uma filmagem contínua acelerada, não quadros capturados em intervalos longos.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Reproduza [cena] em câmera rápida ("Fast Motion", também chamada de undercranking).
Rode a filmagem contínua em uma única velocidade constante, mais rápida que o tempo real, para que a ação pareça apressada e um pouco cômica, mas ainda flua suavemente — um time-lapse pularia longos intervalos entre os quadros.
Encaixe a ação inteira em [duração], sem mudar de velocidade no caminho.

A filmagem em movimento para de repente em um único quadro, que é mantido como uma fotografia; difere do Bullet Time porque nada continua se movendo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Pare a ação em [cena] com uma imagem congelada ("Freeze Frame", também chamada de stop-frame ou hold frame): a filmagem em movimento para em um único quadro e fica como uma fotografia.
Absolutamente nada deve se mover durante o congelamento, nem o assunto nem a câmera — se o ponto de vista continuar se deslocando ao redor do momento congelado, isso é bullet time.
O momento todo dura [duração]; corte para o congelamento de forma abrupta, no meio da ação, e deixe-o por tempo suficiente para a leitura.

A imagem se quebra por um instante como um erro digital ou analógico, com distorções, pixelização e deslocamentos bruscos; é o termo guarda-chuva amplo que inclui a aberração cromática e o Datamosh.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Atinja [cena] com um "Glitch Effect" (também chamado de digital glitch, glitch art ou glitch transition): por um instante a imagem se quebra como um erro de sinal e depois volta de estalo, como se nada tivesse acontecido.
Rasgue a imagem em faixas horizontais que saltam para o lado, separe as cores nas partes rasgadas, jogue alguns blocos soltos e dê um tranco no quadro inteiro — mudando bruscamente de quadro para quadro, nunca de forma suave. Ele vem em rajadas curtas; uma textura gasta e constante seria um VHS look.
Mantenha cada rajada breve dentro de [duração] e evite fazer o quadro inteiro piscar entre claro e escuro.

Um time-lapse em que a câmera também percorre uma longa distância entre os quadros, de modo que o espectador desliza rapidamente pelo espaço; um time-lapse com tripé fica no mesmo lugar.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Mostre [cena] como um "Hyperlapse": um time-lapse em que a própria câmera percorre um longo caminho entre os quadros.
O espectador deve deslizar rapidamente pelo espaço em direção a um ponto fixo enquanto os arredores passam correndo em pequenos passos e a luz muda enquanto o tempo dispara — um time-lapse com tripé ficaria em um só lugar.
Percorra a rota inteira em [duração] e mantenha o alvo travado no mesmo lugar do quadro, para que o trajeto pareça suave.

Uma fatia da imagem é espelhada e girada até formar um padrão radial simétrico, que gira e se transforma conforme a imagem de origem se move.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique um caleidoscópio ("Kaleidoscope", também chamado de kaleidoscope effect) em [cena]: uma fatia da imagem em forma de cunha é espelhada e repetida em torno do centro do quadro.
O resultado deve ser um padrão radial simétrico em que cada cunha é a imagem espelhada das vizinhas, e o padrão deve girar e se remodelar conforme a filmagem de origem se move por baixo — um quadro que encolhe para dentro de si mesmo repetidas vezes é video feedback, não isto.
Mantenha durante [duração] e deixe o padrão girar devagar, para que nunca fique parado.

Brilhos em estrela, anéis e riscos de luz dispersa aparecem e deslizam quando uma fonte brilhante passa pela lente, adicionados digitalmente a grafismos e filmagens.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Lens Flare" em [cena]: quando uma fonte de luz brilhante cruza o quadro, mostre a luz se dispersando dentro da lente — um brilho em estrela e um risco longo sobre a própria fonte, e uma fileira de anéis e discos suaves alinhados ao longo da linha que parte da fonte e passa pelo centro do quadro.
A fileira precisa deslizar conforme a fonte se move, com os fantasmas mais distantes indo no sentido oposto — essa luz com forma, que desliza, é o que o diferencia de um vazamento de luz, que é só um banho de luz sem forma vindo da borda.
Deixe a fonte atravessar ao longo de [duração] e faça o flare surgir e sumir em fade conforme ela entra e sai do quadro.

Banhos suaves e quentes de luz laranja, vermelha ou magenta brotam das bordas do quadro e vagam ou tremulam, imitando luz parasita atingindo a película; ao contrário do Lens Flare, não tem anéis nem brilhos em estrela.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique um vazamento de luz ("Light Leak", também chamado de film burn) sobre [cena]: um banho suave e quente de luz laranja, vermelha ou magenta que brota da borda do quadro, como se uma luz parasita tivesse atingido a película.
Mantenha-o sem forma e desfocado, preso ao quadro e não a algo que esteja na imagem, sem anéis, riscos nem brilhos em estrela — esses pertencem a um lens flare. A filmagem continua rodando por baixo.
Ao longo de [duração], deixe-o crescer a partir de uma borda, vagar um pouco e sumir de novo.

Uma imagem ou forma se deforma suavemente até virar outra, enquanto as duas passam por uma fusão cruzada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use "Morphing" (também chamado de image morph ou morph): um assunto se deforma suavemente até virar outro enquanto as duas imagens passam por uma fusão cruzada.
O contorno deve se curvar continuamente da primeira forma para a segunda enquanto a superfície se mistura entre elas, para que seja percebido como uma única coisa se transformando — uma fusão simples apenas faria uma imagem surgir sobre a outra, sem remodelar nada.
Dê à mudança [duração] e segure em cada assunto antes e depois, para que o espectador consiga ler no que ele se transformou.

Objetos em movimento rápido são borrados ao longo da trajetória, como se fossem filmados com uma exposição mais longa, o que deixa o movimento rápido com aparência suave; ao contrário do eco, é um risco contínuo, não cópias separadas.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione desfoque de movimento ("Motion Blur", também chamado de motion smear) aos movimentos rápidos em [cena]: tudo o que se move rápido deve virar um risco ao longo da própria trajetória, como se o obturador ficasse aberto durante o deslocamento.
Desfoque só o que está se movendo, na direção em que se move, como um único risco contínuo que cresce com a velocidade — não cópias separadas ficando para trás, o que é um eco, nem o quadro inteiro, o que é um chicote. Tudo o que está parado continua nítido.
Mantenha ativado durante [duração], com um ângulo de obturador amplo para riscos longos e suaves ou estreito para riscos curtos e nítidos.

Uma pequena janela de vídeo inserida é reproduzida sobre a imagem principal e pode ser movida ou redimensionada.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um "Picture-in-Picture" (também chamado de PiP ou TV in TV) em [cena]: uma pequena janela inserida reproduz um segundo vídeo sobre a imagem principal.
As duas imagens devem continuar sendo reproduzidas ao mesmo tempo, e a principal continua preenchendo o quadro inteiro atrás da janela — se o quadro for dividido em painéis lado a lado, isso é uma tela dividida.
Ao longo de [duração], traga a janela em um canto e depois mova-a ou redimensione-a para que não cubra o que importa na imagem principal.

A imagem é dividida em grandes quadrados visíveis; animar o tamanho dos blocos faz com que ela se forme a partir de pixels grosseiros ou se desfaça neles. A pixelização estática, sozinha, é o visual de mosaico de censura.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique uma pixelização ("Pixelate", também chamada de mosaic ou pixelation) em [cena]: divida a imagem em uma grade de grandes quadrados chapados, cada um preenchido com a cor única do que está por baixo dele.
Anime o tamanho dos blocos em passos claros — deixe a imagem nítida se desfazer em blocos grosseiros, segure ali enquanto a filmagem continua rodando por baixo e depois volte ao nítido. Mantida em um só tamanho de bloco, sem mudança, é apenas um mosaico de censura.
Faça o efeito inteiro ao longo de [duração] e mantenha os quadrados alinhados a uma única grade fixa, para que não fiquem dançando.

A filmagem é reproduzida ao contrário, de modo que coisas quebradas se recompõem e os movimentos se desfazem.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Reproduza [cena] em "Reverse Motion" (também chamado de reverse ou reverse action): a filmagem roda ao contrário.
Cada movimento deve se desfazer exatamente pelo caminho que percorreu — o que caiu sobe de novo, o que se espalhou volta a se juntar —, no ritmo em que aconteceu originalmente.
Encaixe tudo em [duração] e não adicione nenhum easing por conta própria, para que seja percebido como o tempo rebobinando, e não como um movimento novo.

Os canais vermelho, verde e azul são deslocados, de modo que franjas coloridas aparecem nas bordas, muitas vezes pulsando ou estalando nas batidas; é emprestado de um defeito de lente e usado como estilo.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione uma aberração cromática ("RGB Split", também chamada de chromatic aberration, color fringing ou channel split) em [cena]: afaste os canais de cor para os lados, de modo que cada borda ganhe uma franja colorida de cada lado.
O efeito é só isso — a imagem em si continua intacta e no lugar. Nada rasga, salta nem se quebra em blocos, o que faria dele um glitch completo.
Ao longo de [duração], afaste os canais de estalo em cada batida e deixe-os voltarem a se juntar aos poucos, terminando perfeitamente alinhados.

Um anel ou uma cúpula dispara para fora a partir de um ponto de impacto, muitas vezes distorcendo a imagem atrás de si ao passar.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione uma onda de choque ("Shockwave", também chamada de shock wave) ao impacto em [cena]: um anel dispara para fora a partir do ponto do impacto.
Ao passar, ele deve curvar e empurrar a imagem atrás de si e depois afinar e sumir — um anel que só enfeita um elemento e deixa a imagem intacta é um circle burst.
Dispare-a no quadro exato do impacto e deixe-a atravessar o quadro dentro de [duração], rápida no começo e desacelerando à medida que se espalha.

A luz ou as imagens são esticadas em riscos longos e fluidos enquanto a imagem é exposta através de uma fenda em movimento, criando um túnel psicodélico de cor.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique em [cena] um visual de "Slit-Scan" (também chamado de star gate effect): a imagem é exposta através de uma fenda estreita que atravessa o quadro, de modo que cada faixa da imagem vem de um momento diferente.
Tudo o que se move deve se esticar em riscos longos e fluidos que se curvam ao longo da trajetória, enquanto o que fica parado continua nítido — cópias fantasmas separadas seriam um eco, e um borrão uniforme na direção do deslocamento é desfoque de movimento.
Deixe os riscos se formarem e se resolverem ao longo de [duração] e mova a fenda em ritmo constante, para que o esticamento se mantenha contínuo.

A ação é reproduzida em velocidade constante, mais lenta que o tempo real, de modo que os detalhes e o peso se tornam visíveis; difere da rampa de velocidade porque a velocidade não muda.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Reproduza [cena] em câmera lenta ("Slow Motion", também chamada de slo-mo ou overcranking).
Mantenha uma única velocidade constante, mais lenta que o tempo real, do primeiro ao último quadro, para que o peso e os detalhes se tornem visíveis — se a velocidade mudar no meio do caminho, isso é uma rampa de velocidade.
Estenda o momento ao longo de [duração] e mantenha o movimento suave, sem engasgos entre os quadros.

A velocidade de reprodução desliza suavemente entre velocidades bem diferentes dentro de um mesmo plano (por exemplo, lento, depois uma arrancada repentina, depois lento de novo), ao contrário da câmera lenta ou da câmera rápida, que mantêm uma única velocidade constante.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique uma rampa de velocidade ("Speed Ramp", também chamada de speed ramping ou time remapping) em [cena].
Comece lento, dispare para o rápido no meio e depois volte ao lento, mudando de velocidade suavemente, e não em degraus.
Encaixe tudo em [duração] e coloque o trecho rápido na parte que você quer atravessar depressa, para que os trechos lentos caiam sobre o que o espectador deve notar.

O quadro é dividido em dois ou mais painéis que mostram ações ou pontos de vista simultâneos, com a opção de animar a entrada ou a saída das divisórias.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Mostre [cena] em tela dividida ("Split Screen"): o quadro é dividido em painéis, cada um reproduzindo a sua própria imagem ao mesmo tempo.
Cada painel deve ter uma ação ou um ponto de vista diferente e continuar em movimento, com divisórias limpas entre eles e nenhuma imagem cobrindo outra — uma pequena janela flutuando sobre uma imagem em quadro cheio seria picture-in-picture.
Ao longo de [duração], deslize as divisórias para dentro para dividir o quadro e depois deixe os painéis rodarem lado a lado.

O movimento avança em passos visíveis e picotados, em uma taxa de quadros baixa (por exemplo, 8 a 12 por segundo), imitando a animação fotografada quadro a quadro.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique em [cena] um "Stop Motion Look" (também chamado de stepped animation ou posterize time look).
O movimento deve avançar em passos visíveis e picotados, em uma taxa de quadros baixa, com cada pose segurada por um instante, como se fosse fotografada um quadro de cada vez — a imagem fica acesa o tempo todo, ao contrário de um efeito estroboscópico.
Faça tudo ao longo de [duração] no ritmo normal, mantendo a mesma cadência picotada do início ao fim.

A imagem aparece em flashes rápidos que acendem e apagam, de modo que o movimento parece congelado em poses discretas e picotadas (ou as rodas parecem ficar paradas ou girar para trás).

Isto é para um vídeo de motion graphics. Adicione um efeito estroboscópico ("Strobe Effect", também chamado de stroboscopic effect) em [cena]: o assunto em movimento só aparece em flashes rápidos que acendem e apagam.
Cada flash deve pegar o movimento congelado em uma pose separada, sem que nada dele seja visível entre um e outro — um stop motion look mantém a imagem acesa e só reduz a taxa de quadros.
Faça tudo ao longo de [duração] e mantenha os flashes suaves e restritos ao assunto, para que nunca virem uma cintilação agressiva em tela cheia.

Processos lentos do mundo real (nuvens, crescimento, multidões) parecem correr em alta velocidade porque os quadros foram capturados em intervalos longos, o que dá um visual fluido, mas em degraus.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Mostre [cena] como um "Time-Lapse" (também chamado de time-lapse photography): a câmera fica travada enquanto as mudanças lentas passam disparadas.
Luz, sombras, nuvens ou crescimento devem fluir rápido, com uma sensação levemente em degraus, como se os quadros tivessem sido tirados com grande intervalo entre eles — uma ação contínua acelerada é câmera rápida, e uma câmera que se desloca entre os quadros faz dele um hyperlapse.
Comprima a mudança inteira em [duração].

Uma camada funciona como uma janela móvel (por transparência ou por brilho) que revela a imagem que está por baixo, normalmente um texto ou uma forma que faz o conteúdo entrar em wipe.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Em [cena], use um "Track Matte Reveal" (também chamado de matte reveal, alpha matte ou luma matte): uma camada separada de texto ou de forma funciona como uma janela, e a imagem que está por baixo só aparece dentro dela.
Anime a própria janela para que ela atravesse a imagem e descubra partes diferentes dela, enquanto a imagem de baixo continua rodando no lugar e tudo o que está fora da janela fica vazio — um shape wipe, em vez disso, substituiria um plano pelo seguinte.
Faça tudo ao longo de [duração] e recorte a janela pela transparência da camada de matte, para uma borda bem definida, ou pelo brilho dela, para uma borda suave e gradual.

A filmagem é degradada para parecer uma fita de vídeo gasta: scanlines horizontais, cores que vazam, ruído e tracking trêmulo, geralmente em um quadro 4:3.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique em [cena] um "VHS Look" (também chamado de VHS effect ou analog tape look): degrade a filmagem para que ela rode como uma fita de vídeo gasta.
Sobreponha os artefatos de fita — scanlines horizontais finas, cores vazando suavemente para um lado, ruído de fita salpicado e um erro de tracking que arrasta uma faixa da imagem para o lado enquanto o quadro inteiro treme. É uma textura constante sobre o plano inteiro, não uma quebra momentânea como um glitch.
Segure o efeito durante [duração], do início ao fim, e recorte para o quadro mais quadrado de uma televisão antiga, se o layout permitir.

A imagem captura a si mesma repetidamente, criando túneis em espiral que se afastam ao infinito, como espelhos frente a frente.

Isto é para um vídeo de motion graphics. Aplique "Video Feedback" (também chamado de feedback loop) em [cena]: a imagem captura a si mesma, de modo que uma cópia menor do quadro inteiro fica dentro do quadro, outra dentro dessa, e assim por diante, afastando-se como espelhos frente a frente.
Cada cópia deve ficar um tempo atrás da que a envolve e levemente girada, para que qualquer movimento se propague para dentro e o túnel rodopie — cópias do assunto em movimento ficando para trás, sozinhas, seriam um eco.
Deixe o túnel se formar e se torcer ao longo de [duração].